6 Unidades Aprovechables - Crítica de cine

Gente que se merece un Oscar (y no lo recibirá nunca). Capítulo 2: Leslie Nielsen

2010-11-30T22:15:00.008+01:00

(aclaración e introducción)

Lamento profundamente que esta entrada tenga que ser un panegírico, pues estaba planteada desde la primera entrada de esta pequeña sección del blog. También he de decir que, aunque puede que en las vacaciones de Navidad me anime a escribir algún artículo, que tengo muchos pendientes (Kick Ass (4), Scott Pilgrim VS The World (4), Inception (5), Skyline (1), Toy Story 3 (5), Machete (2), La Red Social (5)... entre paréntesis las UA que les doy, of course), de momento el blog va a continuar en standby hasta que rodemos La Constante.

Ahora sí, el artículo.

Gente que se merece un Oscar Honorífico (y no lo recibirá nunca).

Capítulo 2: Leslie Nielsen

Fue un momento muy triste entrar en Internet y ver la noticia de la muerte de este magnífico actor. Al menos estaba en portada de la mayoría de los medios, donde se merecía. Leslie Nielsen tenía ya 84 años, por lo que la noticia de su muerte, si bien nunca agradable, tampoco podía resultar una sorpresa. En su última aparición por nuestras pantallas, en Spanish Movie, se le veía mucho más cascado de lo que la mayoría tendría en su imagen mental del bueno de Leslie. Sin embargo, aunque no fuera una sorpresa, considero una auténtica tragedia que nunca jamás le veamos de nuevo en una película, sobre todo por el devenir del género en el que obtuvo mayores reconocimientos, la parodia o spoof.

Si hay una forma de medir, tanto la popularidad como los resultados de Leslie Nielsen entre el público español, es el hecho de que, junto con nuestro Alfredo Landa, se les puede considerar los únicos actores con un género cinematográfico propio, sobre todo en nuestro país. Si Don Alfredo tiene su "Landismo", Leslie Nielsen tiene sus "...como puedas". Aterriza como puedas, Agárralo como puedas, Esquía como puedas, Espía como puedas, Despega como puedas, Acampa como puedas, Asegúrate como puedas... (si, también Mafia: Estafa como puedas, aunque él no apareciera) de hecho solíamos hacer la broma de que algún día protagonizaría "Encasíllate como puedas", pero en realidad, desde las originales comedias de los ZAZ, casi cualquier película cómica con Leslie Nielsen recibía el añadido de como puedas al hacer la conversión (porque llamarlas "traducción" sería faltar a la verdad) de su título para el mercado español. Al mismo tiempo, el público ya sabía perfectamente qué tipo de película era cualquiera que llevara ese añadido y cuando los distribuidores se aprovechaban de este hecho y lo utilizaban para colarte cualquier comedia directa a vídeo, al faltar Leslie te quedabas con la sensación de que te habían estafado. En aquellas, menos buenas, que sí protagonizaba Nielsen, al menos te quedaba el haberle visto a él. Obviamente, fuera de España, donde supongo que no se habrá dado el fenómeno "como puedas", quizás sea imposible hablar de un género propio para Leslie Nielsen, pero eso no quita que este simple hecho, iniciado por los distribuidores pero mantenido y aumentado por nosotros, el público, es un reconocimiento soberbio. De hecho, para aquell@s que tengan dudas, el hecho de que exista Spanish Movie y que se haya llamado a Leslie Nielsen para venderla como una auténtica parodia, es la prueba definitiva de que era todo un GRANDE para nosotros, y que cuando nos atrevemos a internarnos en SU género, necesitamos su aprobación y su participación.

Pero Leslie William Nielsen, nacido en Canadá de una familia de inmigrantes daneses y emigrado posteriormente a Hollywood por el curioso, aunque no exclusivamente suyo, método de "hacer dedo hasta California" no era sólo un excelente ejemplo de lo que un día demostraron Buster Keaton y Harold Lloyd, que una cara seria en medio de la absurdez le añade aún más gracia al asunto (es curioso, en los dos capítulos de "Gente que..." acabo por mencionar a los cómicos mudos), sino que también era un rostro muy reconocido como actor dramático, sobre todo para televisión, pasando por etapas en las que el público le veía como el malo de la función incluso antes de que su personaje se destapara como el villano en la trama, siendo un secundario habitual en series como Se ha escrito un crimen, Vacaciones en el mar, ¿Quién es el jefe?, Colombo, Los Hombres de Harrelson o Las Chicas de Oro (las originales, no las de Jose Luis Moreno, claro) donde terminaba por casarse con Dorothy, nada menos. También, en este blog era obligatorio recordarlo, fue el protagonista cinematográfico de la mítica Planeta Prohibido, siendo la estrella de la función con permiso de Robby, por supuesto. Leyendo los homenajes y panegíricos varios que se le han dedicado a Nielsen en la blogosfera, me he encontrado con que la mayor parte de mis colegas consideran a esta película como una serieB sin importancia, lo que viene a ser una herejía en toda regla para los que respiramos ciencia-ficción, por lo pionero de la película, con un presupuesto con el que se podrían haber hecho cientos (literalmente) de seriesB de la época, la primera banda sonora electrónica de la historia del cine, una ambientación y decorados absolutamente increíbles y unos efectos especiales animados creados por Disney que la convierten en el Tron de los 50. Su personaje, en esta película nació 10 años antes de que los guionistas le hubieran bautizado como James T. Kirk. Era, por tanto, un auténtico camaleón escénico, aunque al final todos le recuerden por sus comedias y parodias. En su lista de trabajos como actor de imdb se recogen más de 230 títulos y su cara, sobre todo una vez poblado del blanco cegador que lució hasta final de sus días, es una de las más reconocibles del starsystem hollywoodiense.

El género que le dio fama está poblado hoy en día de auténticas mierdas, tan alejadas del humor inteligente de los primeros trabajos de los ZAZ que ya son irreconocibles como comedias.

Siempre espero equivocarme al escribir un artículo de esta sección y que les acaben dando el Oscar Honorífico que tanto merecen, pero en este caso se cumplirá el título lamentablemente. Que se muera alguien que aportaba risas a tu vida siempre, siempre, es una tragedia.

Leslie, esté donde esté, le deseamos suerte, contamos con usted.

A Continuación, algunos de sus mejores momentos.

(una de mis favoritas, por simple)

ah, por cierto...

Incluso Playboy le puso en su portada...

Contestador automático

2010-10-14T19:01:00.003+02:00

Debido a la cantidad de proyectos y trabajo que se me viene encima, me veo obligado a cesar temporalmente mi actividad en este blog, que ya estaba parado desde hace unos meses por el mismo motivo, no obstante, os aseguro que VOLVERÉ en cuanto todo se estabilice, que tengo pendientes unas cuantas críticas, como Inception, que me la han pedido y, además, porque disfruto mucho escribiendo por aquí. Gracias a todos por seguirme hasta ahora y pensad que, al menos, lo dejo temporalmente por una noticia tan cojonuda como la realización y producción de un cortometraje español de ciencia-ficción.

Un abrazo!

PD: Por si insistís ;D

LA CONSTANTE subvencionada!!!!

2010-10-14T18:54:00.002+02:00

Hola a todos, tengo una buena noticia que contar (ya iba siendo hora...). El Excelentísimo Ministerio de Cultura, a través del ICAA, ha determinado que el proyecto de cortometraje "La Constante" (nuestro proyecto, por si alguien lo dudaba a estas alturas...) se merece una subvención, por lo que ¡¡¡¡vamos a rodarlo!!!!

¡Un cortometraje de ciencia-ficción, sí, subvencionado, sí... es una noticia cojonuda!

Aprovecho para dar las gracias a Corleone Films SL por creer en este proyecto.

The Expendables (Los Mercenarios). Ya iba siendo hora.

2010-08-18T18:26:00.007+02:00

The Expendables (que podría traducirse mejor como "los prescindibles") es una película que no aporta nada nuevo al cine del acción, una de esas películas que no traen nada que no hayas visto ya, que no hayas disfrutado mil veces y que no suponen un paso adelante en la evolución del género. Podría parecer que no me ha gustado, pero en realidad, todo lo que he expuesto antes era exactamente lo que me esperaba y lo que Sylvester Stallone se ha preocupado de mantener y potenciar. Estamos ante una película que no aporta nada nuevo, como digo, pero que lo aporta en unas cantidades dignas de sobredosis. Y ése es precisamente su gran acierto.

Pero antes de criticar la película tengo que hablar del cine de acción y su evolución desde mediados de los 90, porque no existiría (ni tampoco el hype que los fans nos hemos creado) sin esta evolución. Es muy difícil decidir cuál fue la última película que puede englobarse en el "Actioner de los 80", el cambio en el estilo de las películas de acción fue tan paulatino que apenas nos dimos cuenta entre las hostias duras, secas y brutales que repartía Bruce Willis en El Último Boy Scout, y las coreografías de hostias protagonizadas por Blade y llevadas al extremo del estilo con Neo de la trilogía Matrix. Lo que sí que fuimos echando de menos fue la socarronería de los héroes. Esa capacidad para pensar y soltar la línea perfecta mientras te están machacando a patadas contra el suelo y lo único que debería salir de tu boca es sangre y quizá algún diente. Esos "Dame fuego y si me vuelves a tocar, te mato", "Nos vemos en la fiesta" (mientras tiras los brazos amputados de tu rival por el hueco del ascensor), "Me da igual, nunca compro aquí" (dicha a dos pasos de un terrorista vestido con C4 que amenaza con volar todo el supermercado en el que están si el prota se mueve aunque sea un centímetro), "¿Te acuerdas de cuando te dije que te mataría el último? Mentí." (si podéis, vedla en VO, redescubriréis Commando), "Por favor, no despierten a mi amigo, está muerto de cansancio" (a las azafatas del vuelo en el que acaba de matar a un tipo), "Ven a California, aquí hace calor. Lo pasaremos bien." (imitando a su mujer mientras avanza por el hueco del aire acondicionado de un rascacielos que ha sido tomado por terroristas), el mítico "Oiga, no me joda señorita, ¿le parece que estoy encargando una pizza?" etc. etc, etc. etc. etc. Esa noción, representada magistralmente en el personaje de El Comediante de Watchmen, duro donde los haya, fascista donde los haya y socarrón entre los socarrones, cuyas últimas palabras son, risa amarga incluida, "Todo es un chiste". Quizás el cambio paulatino fue menos notorio porque al principio, los héroes de esas películas de acción, que empezaban a alejarse del estilo actioner de los 80, estaban encarnados por los actores de ese cine, valga el ejemplo de Blade, que es socarrón, pero no podría con John McLane en un duelo verbal (treinta años de policía recibiendo mamporros en todas las facetas de la vida te dan esa perspectiva que jamás tendrá un medio-vampiro que se oculta de la gente, ¿no creéis?). Después, los héroes de acción fueron rejuvenecidos por los productores, buscando actores nuevos que no tenían, en la mayoría de los casos, ni el carisma ni la trayectoria en las pantallas (y me refiero a lo que ya esperaba el público de ellos, no a una carrera que no podrían tener por su jueventud) de los viejos rockeros. Así, llegamos al Neo de Matrix, con Keanu Reeves (que al menos había hecho Speed), al Tobey McGuire que interpreta (y muy bien) al Peter Parker de Spiderman, incluso al Brendan Fraser de La Momia (socarrón y divertido, pero evidentemente alejado del cine de acción), el Ethan Hunt de Tom Cruise... también pasaron por el tamiz de la revisión Tarantiniana y convirtiéndose en filósofos de la calle, que ocupan incluso más tiempo en filosofar sobre la vida que en dispararle a la gente. Por supuesto no quiero decir que todo esto fuera algo negativo o que fuera un mal cine y no lo disfrutara, todo lo contrario, lo único que resalto es que los tiempos y las audiencias cambian y el tiempo de los durísimos del cine había pasado.

Stallone desapareció de las pantallas (apenas le recuerdo como malo en una de la saga Spy Kids), Schwarzenegger se convirtió en político (curiosamente, igual que uno de sus compañeros, Jesse Ventura (Depredador, 1987) que fue Gobernador de Minessotta) y Bruce Willis, probablemente el mejor actor de los 3, reconvirtió su carrera sin por ello abandonar el cine de acción del todo (incluso tiene su propia despedida del género, 16 Calles, dirigida por Richard Donner), Mel Gibson ganó un Oscar al mejor director y decidió tirar a la basura su imagen pública... pasó el tiempo suficiente para empezar a considerar algunas de las películas de acción como clásicos, joyas u obras maestras del género (incluso aunque no haya ningún gran estudio sobre este microgénero, como bien dicen en el artículo de The Expendables de la Imágenes de Actualidad de este verano), para que los jóvenes que habían crecido sin alimentarse de los viejos actioner en sus pantallas volvieran sus intereses hacia ese cine, quizá excesivo, desfasado, macarra... pero primordial y absolutamente entretenido. Y, tan paulatinamente como desapareció de nuestras pantallas, el actioner de los 80 está intentando regresar. La cuarta entrega de La Jungla de Cristal, el Equipo-A (que a mí me resultó muy divertida, aunque se desinfle un poco a partir del comienzo del clímax), el hecho de que uno de los personajes más recordados del género en el periodo entre el actioner y su regreso sea el Riddick interpretado por Vin Diesel (que nos lo vendieron como un malote de los de verdad, aunque luego no fuera para tanto, creo que McLane también podría con él en ese duelo verbal), algún título que mereció más suerte, como The Rundown (especialmente si hubieran respetado el montaje original, mucho más cachondo que el estrenado en salas, y que, además, contiene una despedida especial en forma de cameo de Schwarzenegger pasándole el testigo a Dwayne "The Rock" Johnson)... hasta que Stallone reapareció.

Quería cerrar las historias de sus dos personajes principales, Rocky y John Rambo, darles una despedida más digna que lo que hubieran sido las últimas entregas de las respectivas sagas si se hubieran quedado como estaban. Rocky Balboa no estaba del todo mal, de hecho si lo pienso es de las que más me han gustado de la saga, y puso de nuevo a Stallone en la posición de poder dirigir sus propios proyectos, así que llegó Rambo, un poco más cara, mucho más violenta que sus predecesoras y recogió, en general, críticas decentes y taquillas interesantes. Así que Stallone puso sobre la mesa su gran proyecto: The Expendables. Empezó a reclutar a todos los grandes actores del actioner de los 80 que pudo (negativas de Wesley Snipes, Jean-Claude Van Damme, Steven Seagal entre otros, aunque se habrán quedado sin excusas para sus fans en la más que posible secuela), junto a otros héroes de acción actuales, consiguiendo un reparto para el que no encuentro una descripción mejor que "cojonudo". ¿La película de qué va a ir? ¿Qué importa? vamos a tener a Schwarzenegger, Willis y Stallone juntos, echándose pullas en una secuencia y lo demás, pues ya sabes, tiros, explosiones, macarradas... Cualquiera que crea que no puede disfrutar con esta descripción, que no se acerque por la sala, porque exactamente eso es lo que hay en la película, pero en océanos de sangre, montañas de tripas, atmósferas de fuego y desiertos de balas y cuchillos, todo envuelto con la religión de lo macarra. A este actioner, le han metido esteroides. Es cierto que esta violencia extrema quizás se salga un poco de lo que eran las películas de acción que añoramos, pero la verdad es que le viene como lanzagranadas a Arnold.

Entre los nuevos, el heredero natural de esta gente, el tipo que nació una década más tarde de lo que debería para ser estrella y una más pronto para ser John McLane en el futuro remake de esa saga, cuando Willis tenga 70 tacos; pero que al final ha encontrado su sitio y que espero que se quede ahí mucho tiempo para darnos nuestra dosis de actioner: Jason Statham. Un ligeramente desaprovechado Jet Li, cercano a la cincuentena (yo le creía más mayor), que se pega en una secuencia con un gigantesco (a su lado) Dolph Lundgren más chulo, sediento de sangre y acelerado que sumando todas sus películas anteriores. Dos armarios como Randy Couture y Steve Austin para que se den mamporros a lo wrestling en medio de las llamas de una explosión acorde con sus tamaños. Terry Crews con sus bombas nucleares tamaños bala y David zayas ascendido a dictador de república bananera conuna hija tan sexy como rebelde. Toma ya. También están por ahí el Sr. Iglesia y el que quiere ser presidente, un Eric Roberts haciendo de hombre sin escrúpulos de una manera tan convincente que dirías que no le cuesta en absoluto, y, por supuesto, Mickey Rourke, cuya cara de plástico le convierte en el perfecto Expendable retirado, el abuelo cebolleta de esta panda de viejos rockeros que les cuenta historias con la pipa en la boca y se puede permitir sacar un poquito de la oscuridad y la afectación de décadas de matanzas sin gloria.

Pocas veces puedo decir que una película me da exactamente lo que le había pedido. Es cierto que algunas cosas no me dejaron satisfecho del todo, por ejemplo la citada pelea entre Jet Li y Dolph Lundgren, o lo poco aprovechados que están los tres expendables que no son ni Stallone ni Statham, que por cierto, forman una buena pareja para una buddy movie. Me quedo con ganas de ver una secuela en la que el rival es Schwarzenegger liderando su propio equipo de expendables. Ahí lo dejo.

Valoración: 4 UNIDADES APROVECHABLES

(+1 para los fans del actioner, claro)

+ Lo Más Aprovechado: La necesidad de los fans de ver algo así apra llevarlo a un extremo tan cachondo (si lo sabes ver, claro)

- Lo Menos Aprovechado: Jet Li.

Ficha en Imdb. Nota 7,7 en el momento de la crítica.

Ficha en boxoffice mojo.

¿Éxito o fracaso? De momento es un éxito. Se puso nº1 en la taquilla americana (parece que necesitábamos algo así) y la respuesta mundial todavía es imprecisa, faltan muchos mercados por estrenarla, pero todo hace pensar que, si bien no va a ser un Ávatar, sus resultados sí que van a ser muy satisfactorios y darán pie a una secuela. Espero.

Trailer en castellano.

Detrás de las Cámaras. A partir de este vídeo se pueden encontrar las otras partes del documental completo, sólo en inglés, me temo.

Pelea de Jason Statham en la cancha de baloncesto.

"¿Qué es lo que has venido a buscar? Tu vida."

Conversación en la que Jet Li le pide más dinero a stallone porque "es más pequeño" que los demás. VO sin subtítulos.

Anuncio para televisión, con fragmentos de la escena con el padre, el hijo y el espíritu santo del actioner.

Parodia de Jimmy Kimmel con el reparto original. Los Expendables solucionan problemas.

LOST. On May 23rd the planet blacked out...

2010-05-25T13:44:00.011+02:00

Se nos acabó Lost, gente.

Tema "Parting Words", primera temporada Lost. Michael Giachinno y las despedidas. recomiendo escuchar a partir de la mitad para leer el post ;D

La serie creada a partes no proporcionales entre JJ Abrams, Jeffrey Lieber y Damon Lindelof en 2004 ha enganchado a tanta gente, que se ha convertido en uno de los fenómenos audiovisuales de la década, por no decir directamente que ocupa el primer lugar de esa lista. Lo interesante de Perdidos con respecto a otras series, muchas de ellas superiores en cuanto a calidad, es que no se ha limitado a ser una serie para la pequeña pantalla, 42 minutos semanales. Ha sido la primera serie, o la que mejor ha conseguido convertirse y mantenerse en un meme de internet (en sí misma). Hay muchísimos seguidores de Star Wars en la red, también de otras sagas y series, pero las características particulares de Lost, sus misterios, su estructura, la han hecho el vehículo perfecto para ser disfrutadas en internet. Y no hablo exclusivamente de la Lost Experience, los sneak peeks o la distribución de material "robado" a los creadores en las ComicCon y filtrado a youtube... ni mucho menos. Hablo... de los miles de blogs, webs, wikis, foros, comunidades, fanart... de la cantidad de webs que nos permiten disfrutar de las series online y que han surgido principalmente a partir del fenómeno Lost... de la cantidad de horas utilizadas por los fans en leer material de la serie, elaborar teorías y compartirlas, discutirlas, etc... Sólo el hilo oficial de Meristation registra 834.778 lecturas, activo durante los 5 años de la serie, con 18.212 posteos, y por cierto, es un hilo que recomiendo para los fans, si en algún momento quieren volver a ver la serie, es la aproximación más completa a lo que fue "la experiencia" de vivirlo día a día en la red.

Porque no nos engañemos, sin "la experiencia" Lost no será lo mismo. Todas aquellas personas que no la hayan visto todavía o que la hayan seguido de la forma tradicional, es decir, de capítulo en capítulo, se han perdido algo irrepetible. Quizás os parezca duro, pero OS LO HABÉIS PERDIDO. Independientemente de que os haya gustado como serie, hay una parte que nunca volverá a pasar a menos que haya un flash en el cielo y volváis a 2004. Vivirlo día a día fue "la experiencia" de la que hablaba y es la primera parte del motivo para ponerle ése título a la crítica (que por si no lo sabéis a estas alturas es la frasecita con la que empieza cada (inútil) capítulo de Flashforward, la supuesta serie-heredera de Lost, aunque con la fecha cambiada por la Series Finale de Perdidos). En el momento en el Jack descubre en la, hasta ese momento, realidad alternativa de Lost, pensé: Joooder, se va a caer Twitter. Ha sido, sin duda, el evento televisivo más esperado en años. Ha sido una noche larga, llena de posteos, comentarios y teorías finales. Se ha disfrutado no ya en la pequeña pantalla, sino en millones de pantallas aún más pequeñas, descargado, en televisión al tiempo de EEUU, en streaming... quizá desde el 11-S no había una actividad tan enorme en torno a un evento en la red.

La otra parte del motivo para poner ese título a la crítica es el final amargo que nos ha dejado. No os equivoquéis, no estoy decepcionado por la Finale, mi decepción llegó en el capítulo en el que se ven los orígenes de Jacob y su hermano sin nombre. No hubo respuestas en el capítulo en el que tenían que darlas (aparte de lo de Adán y Eva, que por cierto, fue un auténtico momento flashforward, completamente innecesario) y no iba a haberlas en la Gran Final. Me refiero a las respuestas de verdad a las eternas preguntas, ¿Qué coño es la Isla?, ¿qué pasa con los números?, ¿Dónde habéis dejado la ciencia-ficción?... Obviamente también hay miles de pequeñas respuestas que no nos han dado y que están en mi cabeza, pero podría haber aceptado que no me respondieran a estas preguntas si hubieran respondido a las principales, pero ni por ahí... Resuelto como está y centrándonos en su trama, Lost es una serie normal, tirando a buena. Tiene momentos gloriosos (We have to go back Kate!), buena acción y misterios, pero acaba por no ser una serie satisfactoria... lo que le pasó a Flashforward (segundo motivo). Y sobre todo deja un sabor de boca a loquepodríahabersido, combinado con la extraña sensación del último fin de semana de vacaciones; mal porque se acaba y bien por los 5 años de disfrute.

Lo magistral de Lost, y lo que hay que recordar, es que ha sabido mantenernos fieles durante 5 años, dándonos misterios en lugar de trama, contados de una forma sorprendente y posibilitarnos (si no fomentar directamente) actividad en las redes sociales. Nos atrapó y aunque el final no sea horroroso, tampoco es lo que esperábamos. Si importa más eso que el viaje que nos hemos pegado, es algo que tendrá que valorar cada uno. En mi caso aún lo estoy dudando, pero me inclino a pensar que sí, que ha merecido la pena, aunque sólo sea por lo irrepetible del asunto.

Valoración:

(Con la experiencia): 5 Unidades Aprovechables

(Sin la experiencia): 3 Unidades Aprovechables

He de decir que valorando exclusivamente el tema de la experiencia externa a Lost, la puntuaría con 6 Unidades Aprovechables, porque ha sido increíble.

+Lo Más Aprovechado: Las ganas de hablar de los fans, creando nuevos misterios de los que hablar cada 42 minutos, abriendo las puertas a la creatividad de los fans/publicidad de una forma nunca antes conseguida (ni igualada después).

-Lo Menos Aprovechado: Irónicamente, los misterios. el abrir tantas posibilidades junto a las continuas promesas de los guionistas de que todo tendría su repuesta, nos hizo creer que estábamos viendo la trama de nuestra vida.

+ Pequeñas preguntas abiertas:

- ¿Quién demonios se le aparece a Jack en su hospital, una vez ha salido de la Isla como uno de los 6 de Oceanic, con el aspecto de su padre, Christian, si el humo negro no podía abandonar la Isla?

- NOMBRES, NOMBRES, NOMBRES?????? Como se llama la Isla? cómo se llama el Humo Negro/Smokey/Nemesis/AntiJacob/Hombre de negro/hermano de Jacob? Sé que a estas alturas a nadie le importa, pero me molesta que sea así, sobre todo lo último.

- ¿Qué pintaba Walt en esta serie? Sobre todo si piensas que el "motivo" para eliminarle de la serie fue el hecho de que en la isla habían pasado 3 meses y fuera 3 años y Walt cada vez era menos un niño y más un adolescente y justo en la temporada siguiente a echarle pegas un flashforward que compensaría la diferencia de edad...

- Esto no es una pregunta, es una queja: ¡Qué güebos hay que tener para decirnos que el humo negro habita dentro del cuerpo de Locke y no mostrarnos una transformación! Y que muerte más cutre, joder...

- En fin, me quedo con los 6 años de disfrute, que si no... cambio la crítica.

Ficha en IMDB. Nota 9.0 en el momento de la crítica. Viva el hype.

10 Señales de que eres un friki de Lost

Finales alternativos (de coña, claro) del proframa "Aloha to Lost". Incluyendo un serranazo.

Final Alternativo con Vincent de protagonista. There is a fine line between master and lunch, and Vincent will tresspass the line...

Conecta 4 millones. El juego definitivo, por Jacob y el sin-nombre (subtitulado por lostzilla.net)

Hitler reacciona ante el final del Lost (un meme sobre otro meme)

Niño Loco alemán reacciona ante la emisión de Cuatro del último capítulo (otro meme sobre otro meme)

Namaste...

AVATAR (2009). Cameron vuelve a reventar la taquilla.

2010-03-09T22:56:00.007+01:00

Avatar supone el mayor éxito comercial de masas de la historia del cine. En sólo 3 meses de exhibición ha dejado a la segunda película a casi 1000 millones de dólares de distancia, cantidad que a Titanic (la 2º, también de James Cameron) le llevó año y medio acumular. 2600 millones dólares hasta la fecha a nivel mundial.

Volved a leer las frases de arriba, por favor.

Bien, continuemos. Para explicar este fenómeno debemos tener en cuenta 2 factores:

1) El Efecto 3D y toda la tecnología que envuelve a la película.

Estamos hablando de los efectos digitales más fotorrealistas que nunca hayamos podido ver en una sala de cine, combinados con la tecnología que ha conseguido revitalizar la industria de la exhibición. Es un buen punto, para empezar. Yo siempre decía que ninguna película conseguiría superar a Titanic y que la barrera de los 2000 millones era una utopía y me basaba para hacer esta declaración en el hecho de que desde El Cantor de Jazz no ha habido ninguna innovación en el terreno de la exhibición que haya conseguido asentarse y llevar gente a las salas. Sí se ha visto una evolución lógica: mejores materiales fotográficos que permitían aumentar la calidad de la imagen, pero estamos hablando de evolución, no de innovación. Obviamente Avatar no es la primera película que podemos ver en 3D, hace tres o cuatro años que podemos disfrutar de esta tecnología en salas concretas, con películas más o menos acertadas, pero Avatar sí que es la primera película en hacer del 3D su bandera y moverlo por todos los medios. Cuando la gente habla de Kubrick como un megalómano capaz de enviar ayudantes a los cines para asegurarse de que las medidas de la pantalla eran las que él quería o que el proyector tuviera las lámparas nuevas, debería empezar a apuntar que Cameron no se queda atrás. Éste y Jon Landau, el productor, han llevado su película en 3D al mayor número de salas que nunca ha habido. Las entradas eran más caras, para compensar el alquiler de equipos, por supuesto, pero este hecho, en principio insustancial, ha llevado a tanta gente a las salas que en menos de un mes ya se podía anunciar que Avatar superaría el récord de recaudación sin problemas y han hecho de Avatar EL EVENTO del año. La (todavía) imposibilidad de ver la película en un 3D tan increíble como el de las salas, un sistema de reproducción que no se puede piratear actualmente, también ha ayudado. Los efectos especiales fotorrealistas de los que hablaba al principio eran exigibles y esperables, el esfuerzo por hacer que la película se convirtiera en el primer gran paso adelante de la industria de la exhibición en 82 años ha sido lo que ha marcado la diferencia.

2) El efecto James Cameron.

El director de Aliens, Terminator o Mentiras Arriesgadas siempre ha sido uno de los directores más ambiciosos y espectaculares y su regreso a las pantallas 10 años después, con el proyecto de toda su vida eran en sí mismos un reclamo enorme para el público de masas, habituado a los grandes blockbusters, grandilocuentes y tecnológicamente abrumadores. También están (o estamos) habituados a los guiones endebles, refritos y con elementos conocidos de sobra por todos nosotros. Ese tipo de público ta sólo necesitaba una razón extra para convertir un blockbuster en EL BLOCKBUSTER y Cameron lo sabía. Es cierto que le ha llevado 12 años desarrollar la empresa y la tecnología necesarias para crear su visión, pero el momento en el que se ha estrenado no podía ser más adecuado. Con el resto de estudios haciendo hueco para que se estrenase la ballena de Cameron y Landau y la mayor facilidad para elegir la fecha de estreno, Avatar se lanzó en Navidades, para poder aprovechar el tirón masivo de las familias en las fiestas. Hasta aquí todo normal, pero como llevo diciendo todo el año 2009 en este blog, este no ha sido un año cualqueira para la ciencia-ficción, otro punto muy interesante que ha favorecido a Cameron. Desde que el último gran fenómeno cinematográfico, la trilogía de El Señor de los Anillos, se estrenase, allá por 2001, también en Navidades por cierto, hemos tenido muy poca representación de la ciencia-ficción entre los blockbusters, con la excepción de la nueva trilogía de Star Wars, que no ha conseguido convertirse en el fenómeno del que hablaba antes. En un mercado gobernado por los ejércitos digitales, héroes adolescentes (o niños), superhéroes y la fantasía del sword&sorcery, el primer gran blockbuster de ciencia-ficción ha llegado unos meses antes, con la recreación del universo de Star Trek por parte de JJ Abrams, que ha sido uno de los éxitos de taquilla del año. El público de masas ha vuelto a ver las posibilidades de la ciencia-ficción, como se ha demostrado con Distrito9. Cameron es uno de los grandes referentes de la ciencia-ficción en el cine comercial y ha llegado con el terreno allanado y las expectativas y el hype crecientes. Este año ha existido la mejor oportunidad de la historia para que un largometraje de ciencia-ficción se llevase un Oscar a la Mejor Película, con dos nominadas en esa categoría. No ha podido ser, pero llegará.

¿Qué más queréis que os cuente? ¿Que el guión es Pocahontas en el espacio, punto por punto? ¿Que los personajes están poco definidos? ¿Que es larga y hay momentos en los que se hace larga? ¿Que tiene incoherencias estúpidas como que las mujeres Na'vi tengan pechos sin ser mamíferos? ¿Que la gravedad del planeta gaseoso del que Pandora es satélite se comporta de formas un tanto mágicas? ¿Que el mensaje ecologista es trillado, leve y de poca importancia si tienes más de 15 años? ¿Que la historia de amor rivaliza con la de Annakin-Padme o Trinity-Neo en cuanto a intensidad? ¿que lo que más me ha decepcionado, personalmente, es el hecho de que a Cameron se le haya llenado la boca durante una década diciendo que iba a ser una revolución narrativa su tratamiento del 3D y no haya nada ni remotamente cercano a este hecho?Pues sí, ni mucho menos estamos hablando de la película perfecta ni siquiera se trata de la mejor de Cameron, pero sí que es un producto nuevo (o que al menos se vende como tal en medio de imágenes recurrentes), que representa lo mejor que se puede ver en efectos especiales digitales, en un formato espectacular y accesible (por un extra en la entrada, y no os quejéis los que la hayáis visto por menos del 12 euros que pagamos nosotros en Madrid) como evento para todos. Y hay que verla en el cine y en 3D, porque, de momento, insisto, no hay otra opción de poder disfrutarla así.

Olvidaos del guión, centraos en el espectáculo visual. Es la única forma de disfrutarla.

Valoración: 4 UNIDADES APROVECHABLES

¿Éxito o fracaso? Empieza de nuevo el artículo ;D. Es el mayor éxito de la historia del cine, además de ser la película más cara de la historia con un coste final cercano a los 400 millones de dólares (incluyendo publicidad, marketing y el desarrollo de nuevas tecnologías durante 10 años). La mayor apuesta ganadora de la industria cinematográfica en toda su historia, así de sencillo.

+ Lo Más Aprovechado: El reclamo del 3D y las nuevas tecnologías desarrolladas para realizar la película, que lucen en pantalla de una forma nunca antes vista.

- Lo Menos Aprovechado: Irónicamente, la misma tecnología, en el sentido de que disponiendo de ella y habiéndola desarrollado y preparado durante 10 años no había razón para no trabajar mejor el guión, los personajes y el ritmo de la narración.

- Algo a odiar: otra película que cuenta con el infame parabará de James Horner en su banda sonora...(y nominación al Oscar incluída, aunque le gaó Michael Giachinno con justicia).

Autorreferencias de Cameron: otra película que empieza con el protagonista hibernando en el espacio, poblada de marines y de robots-armadura (pelea final entre un alien y uno de estos trastos incluida), con una secundaria latina tan dura como el diamante, pero de buen corazón ;D, Sigourney Weaver, mensaje ecologista final (aunque mucho menos interesante que el tsunami de TheAbyss XD), etc. etc. etc.

Ficha en Imdb. Nota 8,5 en el momento de la crítica.

Ficha en Boxofficemojo. Muy interesante, esta vez, hay datos para hundir un portaaviones.

Trailer HD en VO

Ejemplo de los efectos especiales del film. Captura de expresiones faciales HD

Final alternativo (de coña, claro), de How it should have ended?

El momento Avatar de Ben Stiller en los Oscar. No, no lo pongo porque me guste, aunque Stiller es gracioso y mantiene el tipo, me pregunto cuán alto habríamos gritado GARRULOS si esta escena se hubiera producido en los Goya...

Esta crítica está dedicada a Azel. Te la debía, tío.

Sherlock Bourne, digo Sherlock Holmes.

2010-01-17T22:29:00.003+01:00

Como aún no he tenido la oportunidad de ver por segunda vez Avatar, me reservo esa crítica para un futuro (espero que próximo, Azel), y abordaré ahora la última película de Guy Ritchie, director que nunca me ha entusiasmado, como mucho entretenido y poco más y con esta película va por los mismos derroteros (lo que no es poco, corriendo los tiempos que corren).

Desconozco el cómic en el que está basado (del autor Lionel Wingram, entre otras cosas porque al parecer aún no se ha publicado en España), pero he de decir una cosa de entrada: me esperaba más del personaje de Sherlock Holmes en esta película. Con esto quiero decir que me gusta el nuevo enfoque (que viene a ser lo que haría Robert Downey Jr. si tuviera las capacidades de deducción del personaje original de Conan Doyle y las habilidades marciales de Jason Bourne), pero me esperaba más de todo lo "nuevo": más mala leche, más líneas de diálogo memorables, más risas... supongo que acabaré por tenerlo en las más que posibles secuelas. Me pasó un poco lo mismo con el otro gran personaje comercial de los últimos años, el capitán Jack Sparrow de Piratas del Caribe y acabó por ganarme con las secuelas y el paso del tiempo, así que habrá que esperar. Todo esto no es algo negativo, la película es muy entretenida y, aunque predecible, sobre todo en algunas cosas que nos revelan en el último tercio de la película, es espectacular y un más que decente entretenimiento, pero carga con la responsabilidad de tener que presentar de nuevo a un personaje ampliamente conocido por todos. Sí que me funcionó mejor con el personaje de Watson, cuyos cambios pasan casi exclusivamente por haberse convertido en un duro del cine y mostrar un interés bastante más claro por las mujeres que en las novelas y la mayoría de adaptaciones cinematográficas del detective del 221-b de Baker Street. E igual con muchos otros personajes, sobre todo Lestrade. Aún así, Robert Downey Jr. es mucho Robert Downey Jr. y te lo pasas genial con su interpretación, como siempre, vamos.

Algunos aspectos temáticos que pueden recordar a otras adaptaciones del detective, sobre todo Asesinato por decreto, salvando las enormes distancias entre el Sherlock de Downey Jr. y el que interpretaba Christopher Plummer y, por supuesto, del Watson de Jude Law y del genialmente interpretado por el igualmente genial James Mason.

El resto, pues todo cuidado hasta el último detalle, sin desmerecer ningún aspecto ni ningún departamento, incluso con un formato tan extraño para una película comercial como el 1.85:1. Más que correcta en todos los sentidos. Por poner un par de peros, la banda sonora de Hans Zimmer, que tiene temas muy interesantes, a veces tiende a perderse y no todas las secuencias están tan bien apoyadas por la música como otras. El segundo pero, un detalle geográfico de Londres un poco extraño, pero vamos, que sin más.

Valoración: 4 Unidades Aprovechables

+Lo más aprovechado: la pareja protagonista y las eternas ganas por ver lo de siempre pero con algo nuevo, de los espectadores.

-Lo menos aprovechado: nada. Las secuelas lo confirmarán.

¿Éxito o Fracaso? Más de 300 millones de recaudación en todo el mundo y con bastante recorrido por delante confirman que es un éxito y que repetirá aparición en las pantallas.

Ficha en IMDB (Nota 7,7 en el momento de la crítica)

Ficha en Boxofficemojo

Trailer VO en HD. La inserción está desactivada, así que si queréis verlo tendréis que ir al enlace de youtube. ¿Un trailer (un anuncio) con inserción desactivada? Hay gente que todavía no se toma en serio Internet...

Noticia sobre la llegada del reparto a Madrid, del canal de youtube de Europa Press

Reportaje de Europa Press sobre la película.

Y como me gustaría poder hacer siempre, un detallito para los nostálgicos ;D

Luna Nueva, por Davix13 de Meristation. XD

2009-11-24T16:53:00.005+01:00

Suelo escribir mis propias críticas, pero en este caso estoy completamente de acuerdo conDavix13 del foro de Meristation. No hay mucho más que añadir a su fotocrítica de la Saga Crepúsculo... :D

El Asesino horriblemente lento con un arma extremadamente ineficaz, de Richard Gale (Corto)

2009-10-28T12:08:00.006+01:00

Chaotic Rampage American Pictures proudly presents:

Parece un trailer, pero es un cortometraje con la estructura de un trailer. Probablemente el corto de terror más divertido que he visto. Lo descubrí gracias al post de Kon_Bleach en el hilo "Robando vilmente loles de otros foros" de Merisation (por cierto, un hilo genial para pasar los ratos muertos...). Lamentablemente no he encontrado ninguna versión con subtítulos en castellano, así que está en inglés, pero se puede ver en HD en youtube. Disfrutadlo (again and again and again and again and again and again and ...).

Aunque no le haga una crítica propiamente dicha, vendría a tener 5 Unidades Aprovechables, de los cortos más divertidos que he visto, en serio...

Ficha en IMDB (nota 7,8 en el momento de realizar esta entrada)

Web del autor, Richard Gale.

(FAQATT) Frequently Asked Questions About Time Travel (2009). Para pasar el rato.

2009-10-21T13:22:00.002+02:00

Cuando uno ve el cartel de Frequently Asked Questions About Time Travel, además de un título tan largo, llama la atención la cara de uno de sus protagonistas, el actor Chris O'Dowd, al que la mayoría de la gente conocerá por su personaje de la magnífica y divertidísma serie The IT Crowd. Instantáneamente, después de años de adaptación, nuestro cerebro relaciona directamente esa cara con la comedia y espera hora y media de risas al nivel (o por ahí) de la serie antes citada. Pero la película no es exactamente una comedia, hay que tenerlo en cuenta (como los que fueron a ver Mi Padre, con Jack Lemmon y Ted Danson encabezando el cartel esperando una comedia y se encontraron con un drama familiar en torno a varias enfermedades, aunque supongo que la culpa fue de los distribuidores que la anunciaron como comedia), sino una película sobre viajes en el tiempo con algunos momentos realmente hilarantes, pero no esperéis carcajearos hasta morir... aunque sí sonreír muchas veces.

La película funciona si te gustan los viajes en el tiempo, los pubs británicos y el humor inglés, pero si alguno de estos elementos no te llama especialmente, te sugiero que pierdas tu tiempo con otra cosa, aunque personalmente me entretuvo, pero sin llegar a apasionarme en ningún momento (bueno, puede que el momento de la cucaracha gigante ;D).

El argumento (sin spoilers, tranquilos) versa sobre una noche en la que tres amigos se reúnen en su pub habitual para intentar animar a uno de ellos, que ha sido recientemente despedido de su trabajo en un parque de atracciones. Ray, el personaje interpretado por Chris O'Dowd, está literalmente obsesionado con el viaje en el tiempo (desde un punto de vista friki, no científico) y en una visita a la barra se encuentra con una chica que dice venir del futuro para arreglar una "fuga en el tiempo". Aunque Ray se lo toma como una broma de sus amigos, pronto los tres se verán atrapados en esa "fuga" viajando en el tiempo (casi siempre hacia el futuro) e intentarán regresar al punto exacto en el que salieron de su línea temporal.

Sencilla, correcta y poco más, sí que me deja la sensación de que podía haber sido mucho más divertida, no puedo evitar preguntarme qué habrían hecho con un material de este tipo los geniales Edgar Wright y Simon Pegg, seguro que habría sido mucho más redonda que esta sencilla, honesta y normalita película para pasar un buen rato después de comer (pero eso es algo que nunca sabremos...).

No obstante, prefiero mil veces un producto de este calibre a la mayoría de películas que encajarían en la descripción "para ver después de comer".

VALORACIÓN: 3 UNIDADES APROVECHABLES

¿Éxito o fracaso? Sorprendentemente no he encontrado ningún dato ni del presupuesto ni de la recaudación, aunque puedo decir que no es la película de la que hablan todos los habitantes del Fandom, pero eso no quiere decir nada, puesto que aún no se ha estrenado en nuestro país (que yo sepa).

+ Lo Más Aprovechado: Los viajes al baño del pub y sus resultados posteriores. Los tres actores protagonistas.

- Lo Menos Aprovechado: La vena cómica de Anna Faris, a la que he encontrado realmente "rara" en esta película.

+ Una frase: "Resulta que en el futuro son todos americanos... irónico" (Ray)

Ficha en IMDB (Nota: 7,4 en el momento de realizar la crítica)

Ficha en BoxofficeMojo (en blanco en cuanto a datos de recaudación y presupuesto)

Trailer en inglés.

Spot para televisión (en inglés).

La secuencia que, probablemente, es la más divertida de la película (inglés, aunque tampoco importa tanto, es más de humor físico ;D)

Otra secuencia: Ninja Yodeler.

Los títulos de crédito de la película.

PD: Quizás porque esperaba reírme más, pero casi todos los enlaces de esta entrada son coñas (exceptuando los de nombre reales de personajes del mundo del cine)... no he podido evitarlo.

Moon (2009). Sam Rockwell y Duncan Jones añaden otro ladrillo a la escalera de regreso de la ciencia-ficción pura.

2009-10-18T17:58:00.006+02:00

En el artículo anterior, el de Distrito 9 (Neil Blompkamp, 2009), destacaba que este era un gran año para la ciencia ficción cinematográfica y que, al parecer, esto iba a quedar subrayado por otra película, la que nos ocupa en esta crítica. Antes de hablar de la propia película en sí, me gustaría hablar un poco del género, para intentar transmitir una impresión que me ha quedado después de verla.

Para empezar, la ciencia ficción es un hipergénero, o así lo llaman los estudiosos. En otras palabras, es un género que abarca un número infinito de posibilidades y, por lo tanto, es susceptible de mezclarse con otros géneros y otros lenguajes. Así, nos encontramos con que el espectro de historias que se pueden contar dentro de la ciencia-ficción es el mismo que podemos encontrar para El Cine. Me explico: el arte cinematográfico engloba historias de todo tipo, ficción o no ficción, comedia o drama, etc. la mayoría de las cuales apenas cambian desde los inicios del cine. Por supuesto, como en todas las artes, nos encontramos con intentos, con mayor o menor éxito, de mezclar esos géneros para crear uno nuevo: comedia + acción = buddy movie. Es sólo un ejemplo, pero en todos los casos nos encontramos con que el resultado es algo que se puede incluir perfectamente en las listas de "pertenecientes a un género concreto". Arma Letal, siguiendo con el ejemplo, se la puede clasificar sin problemas en la lista de "Acción" y no tan fácilmente dentro de la de "Comedia". Es decir, acaba siendo principalmente una película de acción con toques de comedia. En el caso de la ciencia ficción de los últimos años, nos encontramos con que prácticamente todos los géneros han sido mezclados con ella y los resultados no son específicamente de un género concreto, sino que son ambas cosas: ciencia ficción y el género que sea. Ejemplos de esto serían: SF + catástrofes (El Nucleo, Armageddon, Deep Impact...), SF+acción (Starship Troopers, Matrix, Terminator), SF+ comedia (Galaxy Quest, Treekies no os la perdáis) y así con casi cualquier otro género (thriller, terror, cualquiera). Sin embargo, y el tochazo anterior sólo ha sido para introducir esta frase, EXISTE el género puro de la ciencia ficción y eso es lo que nos estaba faltando estos últimos años. Teníamos mucha ciencia ficción reconocible como ciencia ficción, pero pocos ejemplos de ciencia ficción pura y exclusiva. Existen islas, películas de sci-fi pura entre cientos de sci-fi híbrida, grandes ejemplos que se destacan como grandes películas en las listas de los últimos años, pero casi ningún año hemos podido encontrar dos ejemplos y mucho menos dos ejemplos y dos space operas (minigénero exclusivo de ciencia ficción) y 2009 ha traído estos cuatro regalos para el fandom: La conclusión perfecta de Battlestar Galactica (4ª temporada de la serie, primera space opera), el regreso de unos personajes míticos por la puerta grande del entretenimiento en Star Trek de JJ Abrams, la novedad y frescura de Distrito9 y el homenaje sencillo y profundo al género que es Moon, de Duncan Jones.

Y con esto no quiero decir que no haya otras obras del género en este año, sino que éstas cuatro destacan muy por encima de la media y son cuatro grandes en un año, lo que, sinceramente, no sé desde hace cuanto que no pasaba... pero también tenemos otras obras disfrutables y que se recordarán en años venideros, como la serie Fringe, llena de posibilidades futuras, la aparición de un entretenimiento (y poco más) como FlashForward y el acercamiento de un cine como el ruso a la adaptación de una de las obras magnas de su literatura de ciencia ficción con todos los medios posibles y en dos partes, de la que ya espero la segunda entrega, me refiero a The Inhabited Island.

Moon, la película protagonizada por un inmenso Sam Rockwell, actor que empezó en el género como un "camisa roja" en Galaxy Quest y luego asecendió a Zaphod Beebleebrox, el presidente de la galaxia de dos cabezas en otra joya del género, La Guía del Autoestopista Galáctico (Garth Jenning, 2005), ¡toma ascenso!, y dirigida por el debutante Duncan Jones, autor también de la historia original, es, ante todo, una película de ciencia ficción pura, como lo es un relato de Isaac Asimov o lo eran películas como 2001: Una Odisea en el Espacio (Stanley Kubrick, 1968) y su secuela, 2010: Odisea Dos (Peter Hyams, 1984) y funciona perfectamente como una pieza más del género. Me gustaría desvelar poco de su argumento, para aquellos que no han tenido el placer de verla todavía, pero, básicamente, la película trata de las últimas semanas de Sam Bell, un empleado de Lunar Industries en su puesto en la cara oculta de la luna, recolectando Helio3, con la única compañía del robot GERTY, al que le presta su tranquila voz Kevin Spacey. Con esa limitación de espacios y personajes, el director se las ingenia para tenernos atrapados con su relato. Los decorados y efectos especiales (en los que el uso de maquetas es pronunciado y además resulta tremendamente efectivo en su mezcla con elementos CGI) son perfectos para la historia y la música de Clint Mansell (de quien recordaréis su banda sonora para Requiem por un Sueño) está en perfecta consonancia con las imágenes y sentimientos de los personajes. Por último y como un elemento muy destacable, sobre todo teniendo en cuenta el Hype que se ha desarrollado a su alrededor, está el hecho de que la película en ningún momento es un ejercicio de estilo autoral, sino que se cuenta la historia de una forma cercana y personal, pero acompañándola sin destacar más que lo que está pasando, alcanzando un ritmo narrativo muy cercano al de los relatos de literatura de ciencia-ficción y resultando en una experiencia similar a leer relatos como El Sistema Marciano, de Asimov, o el propio El Centinela, de Arthur C. Clarke en el que se basaron, principalmente, su autor y Kubrick para elaborar 2001. Este detalle narrativo, es una de las cosas que más me han gustado de la película.

Me encanta, como ha quedado claro en las 18 veces que he mencionado la palabra en este artículo, la ciencia ficción (19 veces ya). Disfruto con su particular sentido de las cosas y con la confianza plenamente ganada de saber que sus autores, escritores, directores, etc. seguirán sorprendiéndome una y otra vez. Este ha sido un gran año como espectador habitual de ciencia ficción cinematográfica y Moon es un cierre que probablemente defraudará a algunos, que esperan una obra distinta, quizás como lo fue su predecesora Distrito 9, pero se encontrarán con un relato clásico, magníficamente interpretado y narrado con un estilo familiar para los que sí disfrutamos leyendo/viendo una obra de ciencia ficción pura y dura. Gran año, en serio.

VALORACIÓN: 5 UNIDADES APROVECHABLES

¿Éxito o fracaso? Es sin ninguna duda un éxito de crítica, acaba de ganar los premios a mejor película y actor en el festival de Sitges y llega precedida por un halo de "película que hay que ver" que sin duda le ayudará a recuperar su pequeño presupuesto y convertirá a Sam Rockwell en un rostro mucho más familiar de lo que ya era (incluso no me sorprendería una nominación al Óscar), pero, de momento, no es el éxito de taquilla del año, con unas recaudaciones bastante discretas, aunque apenas se ha estrenado en unos pocos países, incluyendo EEUU, así que es pronto para hablar de una taquilla baja.

Ficha en IMDB (nota 8,1 en el momento de realizar esta crítica)

Ficha en BoxofficeMojo.

+ ¿Lo más aprovechado? El talento de Sam Rockwell, los decorados y maquetas y la sensación de estar leyendo un relato clásico de ciencia ficción.

- ¿Lo menos aprovechado? Nada, el relato funciona perfectamente tal cual está. Si acaso, el hecho de que lo del original no esté tan destacado en esa llamada, y los que la hayáis visto lo entenderéis.

Trailer Oficial en Inglés y HD

Trailer Oficial en Castellano.

Música de Clint Mansell.

5 escenas de la película.

Sam Rockwell Stars in Moon.

Entrevista en Sundance al actor y al director Duncan Jones.

Rueda de prensa en Sitges'09, recopilación de momentos divertidos

La Receta para el Éxito de Sam Rockwell (Inglés sin subtítulos)

Por cierto, al final han sido 23 las veces que he citado "ciencia-ficción" en este artículo, incluyendo esta última ;D

Distrito 9. La ciencia ficción va de lujo este año...

2009-10-08T05:32:00.005+02:00

Digo en el título que la ciencia ficción va de lujo este año. Normalmente tenemos una buena producción de base, películas de segundo orden, no muy publicitadas pero muy esperadas por los seguidores, pero este año empezaron los blockbusters, las películas destinadas a reventar la taquilla con la magnífica revisitación del Universo Trekie de JJ Abrams, dejándonos uno de los mejores espectáculos del año y un regreso por todo lo alto a las space operas de toda la vida (y que yo empezaba a echar de menos, la verdad, son muchas entregas de Harry Potter, Narnia, Crónicas de...., superhéroes, etc copando todos los millones de los estudios destinados a los grandes presupuestos, las mayores apuestas), pero la cosa no para ahí, ya que hace unas semanas nos llegó otra pequeña joya del género. El "sleeper" del año, la película que con un presupuesto pequeño y sin llamar demasiado la atención de los estudios ha llegado a reventar la taquilla. Producida por Peter Jackson, así nos la venden, pero realmente urdida y milimétricamente controlada por Neil Blompkamp, la película, que sólo ha costado 30 millones de billetes verdes, es un entretenimiento de primer orden, con muchísimas lecturas sobre el mundo actual y futuro, pero sobre todo, es una película refrescante, novedosa y moderna.

Ya sé que aplicar el término "moderno" a cualquier cosa es poco menos que desprestigiarlo, pero voy a explicar punto por punto porqué le he puesto estos tres calificativos. Lo primero, es una película refrescante, se refiere a que en medio de un mercado saturado de películas sobre/con extraterrestres, nos ofrece un punto de vista prácticamente ignorado: los extraterrestres son refugiados. Vienen a pedir ayuda, asilo y comprensión y somos nosotros, lo humanos, los auténticos villanos del film. Las invasiones extraterrestres suelen ser: o gigantes, por todo lo alto, volando la casa blanca apretando un botón y cientos de soldados y armas a lo Independence Day o La Guerra de los Mundos, o sibilinas, escondidas, empezando en pequeños pueblos americanos como los ladrones de cuerpos y demás. Tan sólo tenemos casos de extraterrestres moralmente buenos en películas como ET, Starman... solos, no una raza entera, millones de individuos (genial el detalle, que pasa desapercibido y del que supongo que veremos más en la más que probable secuela, de que son "obreros" y que les falta la mente colmena), que no son ni buenos ni malos (moralmente hablando), sino que son como son y no los aceptamos. Inmigrantes, vaya. Así que ofrece un punto de vista nuevo en un universo sobresaturado de extraterrestres.

Segundo, es novedosa y lo es porque tiene una estructura muy interesante, que aunque se haya utilizado otras veces (mezcla de documental y ficción, etc), nunca se había hecho de la forma que plantea Blompkamp. La película empieza como un documental puro y duro, sobre el día a día de la vida en Johannesburgo con una enorme nave nodriza flotando sobre la ciudad y sobre el distrito 9, donde viven recluidos/refugiados los extraterrestres, de donde a veces escapan para hurgar en la basura en busca de comida y robar cosas que pueden intercambiar por comida para gatos... poco a poco y de forma bastante paulatina (salvo por la primera escena, que inevitablemente nos choca un poco) a ser completamente ficción, siguiendo el estilo marcado por Monstruoso o [REC], para continuar cambiando de género durante toda la película: de una persecución a una película de monstruos y de ahí a una buddy movie con humano y alienígena para continuar con la pura acción, un poco de mechas y volver al documental. Sin despeinarse.

Por último, es moderna. Moderna, sí, moderna, con todas las letras, porque por primera vez en una película se utiliza el lenguaje propio de los videojuegos con soltura, intención narrativa y sentido. Después del experimento de Doom, que podéis ver aquí:

...en el que se empleaba este lenguaje propio de los fps como un intento de acercar el videojuego al cine, o mejor dicho de la experiencia de jugar el videojuego, pero que era una referencia directa (y lo que todos los fans queríamos ver) al propio juego, se habían visto muchos intentos de hacer que la primera persona fuera algo utilizable, pero se usaba, como en Doom, como un elemento espectacular y punto. Neil Blompkamp lo utiliza en medio de persecuciones y tiroteos como un tamaño de plano más, acentuando notablemente la sensación de acción del film, al tiempo que lo utiliza como una referencia de narrativa de acercamiento hacia su público, que está habituado a ese lenguaje. Plano General, travelling, plano medio, plano detalle, plano en primera persona estilo videojuego, panorámica al hombro... todo perfectamente encajado. Una gran labor de montaje.

Del resto, todo alabanzas. Unos magníficos efectos especiales (sobre todo para el presupuesto con el que contaban) en los que se nota que el director de la película ha sido diseñador de efectos muchos años, unos actores perfectamente integrados con los personajes alienígenas, mención especial a Sharlto Copley y su Wikus Van de Merwe, genial interpretación en su primer personaje protagonista, dado que no había trabajado como actor regularmente hasta esta película y que es un héroe que se sale de (Casi) todos los tópicos (y una buena noticia para los ochenteros, Copley es el elegido para hacer de Mad Murdock en la adaptación a la gran pantalla de El Equipo A), buena música...

Así, estamos ante una de la películas del año, de esas que ignorarán los grandes premios pero que quedarán en el recuerdo de la gente.

Y para cerrar con el comentario del principio, parece que este año no para en cuanto a calidad en la ciencia ficción, dado que en breve nos llegará Moon, de Duncan Jones, el hijo de David Bowie, con Sam Rockwell acaparando buenas críticas por sus respectivos trabajos (¡y todo con maquetas!). Así que ha sido un gran año para la ciencia-ficción en el cine.

Valoración: 5 Unidades Aprovechables

+ Lo Más aprovechado: El ritmo de la película que va a más cambiando de género sin perder efectividad.

+ Lo Más destacable: La idea, que la hayan hecho con 30 millones y Sharlto Copley y su acento sudafricano. La dosis justa de sangre, además.

+Lo Menos aprovechado: Nada.

¿Éxito o fracaso? Éxito rotundo, triplicando lo invertido y con resultados de crítica y público a la altura de la recuadación. Esperamos secuela, precuela y spin off si hace falta.

Ficha en IMDB. Nota 8,5 (en el momento de hacer esta crítica)

Ficha en BoxOfficeMojo

Trailer en Español

Trailer Oficial 1 en inglés.

Trailer Oficial 2 en inglés.

Música

Cortometraje original de Neil Blompkamp que utilizó como base para su película.

Independence Day. 13 años desde la Invasión.

2009-08-25T19:48:00.008+02:00

Roland Emmerich es un director que sabe lo que hace. Hala, ya lo he dicho. Suponiendo que sigáis leyendo pasaré a detallaros el porqué de esta afirmación. Emmerich viene a cubrir un puesto que ha existido siempre en la industria y al que muchas veces se ha denostado con el, por otro lado honesto, apelativo de "artesano", palabra que encaja perfectamente con el director alemán. Emmerich siempre hace peliculas "grandes", blockbusters, con presupuestos tan elevados como sus aspiraciones comerciales, con multitud de personajes y actores de primera fila, con desastres y catástrofes de orden bíblico y las mayores explosiones de la historia del cine. Sabes lo que vas a ver cuando entras a la sala en la que proyectan la última de Roland Emmerich. Al mismo tiempo, es un tipo que nunca ha dado problemas a los estudios, no se pasa del presupuesto, su cine es altamente patriótico y conecta con facilidad con un gran número de espectadores, ofrece proyectos con los últimos avances en tecnología cinematográfica... que ofrece garantías, vaya. Emmerich es un Irwin Allen, un George Pal, un Irvin Kershner, incluso me atrevería a decir que un Micahel Curtiz (aunque este logró películas muy por encima de las que hace el alemán, eso está claro). Un hacedor de productos comerciales, conocedor de su oficio y que siempre cumple con las expectativas. Ni más ni menos. Y al contrario que otros "artesanos" de su tiempo, como Stephen Sommers o Paul WS Anderson, nunca ha fallado en taquilla.

Por todo lo dicho anteriormente, cuando en 1996 Roland Emmerich presentó Independence Day, reciente su éxito con Stargate, los ejecutivos de la 20th Century Fox debieron frotarse las manos. Les ofrecía todo aquello que a ellos les gustaba en una película comercial más todos aquello que el público quería ver en una pantalla y lo hacía por un presupuesto elevado pero no imposible (75 millones de $). Debieron aceptar con los ojos cerrados y una sonrisa en la cara. La película fue un éxito de taquilla increíble, estando durante bastante tiempo como la segunda más taquillera de la historia y actualmente ocupando el puesto 21.

Pero, ¿es Independence Day una buena película? Todo depende del punto de vista inicial. Si vas buscando una obra magna al estilo Bergman saldrás de la sala a media película, pero si vas esperando entretenerte, cumple y con creces. Obviamente tenemos que pasar los filtros culturales para llegar a esta apreciación, sabiendo que es una película americana para los americanos y nada más, pero no por eso no puedes divertirte con sus escenas de acción, efectos especiales de destrucción y toques humorísticos básicos, pero que funcionan.

Siempre se dice de ella que es "serie b más cara de la historia" y la verdad es que se ajusta bastante, porque en el fondo es un proyecto perecedero desde su idea inicial: es un espectáculo festivo del 4 de Julio, tan grande como las Series Mundiales de Béisbol, pero tan espectacular, familiar y fugaz como los fuegos artificiales conmemorativos. Independence Day es sencillamente esto:

Y no pide más esfuerzo que el mirar fijamente a un punto y pasarlo bien. El hecho de que la película termine con la hija del presidente deseándoles un feliz 4 de julio mientras ambos miran la explosión gigante en el cielo es una muestra clara de las intenciones del artesano Emmerich.

A mi no me convenció demasiado en el estreno, pero con el paso del tiempo y visionados sucesivos, incluyendo la versión extendida que finalmente me compré en DVD, han terminado por convencerme de que los fuegos artificiales de Hollywood en 1996 fueron un triunfo absoluto.

VALORACIÓN: 4 UNIDADES APROVECHABLES

+Lo más aprovechado: Si fuera estadounidense, debería decir que el patriotismo de la cinta, pero diré que unos efectos especiales mágicos (combinación de CGI con maquetas) muy imaginativos y que aún funcionan.

-Lo más desaprovechado: Esa invasión que preparan los alienígenas y que nunca llega a ocurrir. Una pena, pero la peli habría durado 4 horas.

=Referencias: A "V" ("hoy es nuestra última noche en la Tierra, ¿no querrás morir virgen?"), a Agárralo Como Puedas ("hoy es un mal día para dejar de beber") y a muchas películas de ciencia ficción de serie b de los 50.

Trailer:

Mis disculpas señor Giacchino.

2009-07-29T20:05:00.005+02:00

En la entrada dedicada a Star Trek, la joyita comercial del verano, hacía referencia a que la música de Michael Giacchino no me había terminado de convencer. Quizás no pude quitarme de la cabeza la excepcional composición de Alexander Courage para la serie original o la magnífica revisitación de Jerry Goldsmith para La Nueva Generación o quizás era que tenía que decir algo negativo, pero la verdad es que volviendo a ver la película, la música de Giacchino es un lemento más que destacable. Al igual que hizo en Cloverfield (alias Monstruoso en España), su capacidad para recrear temas clásicos, fijados en la mente de los espectadores y aficionados, sin copiar directamente los originales, pero EVOCÁNDOLOS a la perfección es digna de admirar. Además, la BSO funciona tanto en la propia película como fuera de ella, siendo una experiencia musical más que agradable.

Por tanto, mis disculpas al señor Giacchino. Llevo el tema "Enterprising Young Men" grabado a fuego en mi cabeza desde que volví a disfrutar la película.

Aquí el tema de Star Trek (Enterprising Young Men)

Aquí el de Cloverfield (buscad el orginal de Godzilla y comprobaréis el PEDAZO de homenaje que se gasta el compositor)

Transformers. La Venganza de los caídos. De los que cayeron muy muy bajo.

2009-07-29T19:07:00.005+02:00

Quería ver esta película única y exclusivamente por los efectos especiales. Había oído y leído críticas (de los fx) tan buenas que los comparaban con los ya míticos de Parque Jurásico y Starship Troopers y en cuanto a los Transformers, no mentían (otra cosa es el resto, de lo que hablaré más adelante). La técnica utilizada de composición fotográfica de todas y cada una de las piezas que componen a los robots alienígenas es sencillamente perfecta y lucen como pocos CGIs que hayamos visto. Hasta ahí lo bueno de la película.

Michael Bay tiene un terror compulsivo a los planos que duran más de 3 segundos en pantalla. Quizás su corazón vaya a una velocidad comparable a la del protagonista de Wanted (por cierto, peliculón adrenalítico del año) pero para los espectadores medios sus películas pueden resultar, perfectamente, un mareo. Pero otros estamos acostumbrados desde los tiempos de Armageddon. Así que iba preparado para este detalle. Para lo que no estaba preparado es para que la cinta tuviera menos sentido que el creacionismo radical. No hay un sólo diálogo que merezca la pena en las dos horas y media que dura Transformers. No hay un sólo personaje (humano o robot alienígena) que tenga un mínimo de definición o que sufra una evolución a lo largo de todo el extensísimo metraje. La historia de fondo, lo que se suele llamar trama cuando existe, no se queda atrás. Los errores geográficos son lo más divertido y ni siquiera John Turturro pasado de vueltas merece la pena (aunque te pasas toda la película esperando a que aparezca). Es como ver un trailer de dos horas y media.

Respecto al resto de efectos especiales, los relativos a todo aquello que no sean robots alienígenas de todos los tamaños, son corrientitos, cantosos a veces. Desde fuídos corporales hasta ventanas rotas y abolladuras en edificios o vehículos, el resto de efectos CGI no cumplen tanto como deberían y desmerecen el resultado final de los SFX. Una pena.

Eso sí, estamos ante la película más taquillera del año, casi 900 millones de dólares en todo el mundo al tiempo de escribir esta crítica (aunque al parecer la sexta parte de Harry Potter le está dando caza a velocidades de curvatura), con todos los elementos a priori que hicieron de la primera parte el éxito de taquilla y el éxito de propagando del ejercito USA que son casi todas las películas del señor Bay. Al final de la película, en la última batalla (que por cierto dura más de una hora, o lo parece, pues no se acaba nunca, no como otras batallas de más de una hora y estoy pensando en Minas Tirith), el despliegue de medios y voluntad del ejército americano (que por supuesto ha dado todo su apoyo a esta película) es infinito. Acorazados, portaaviones, cazas de combate, aviones sin tripulación humana, soldados de a pié armados hasta los dientes con la última tecnología... incluso un railgun tamaño navío de combate. La presencia en cámara lenta de Megan Fox y de la igual de exhuberante (si no más) Isabel Lucas, se convierte en el reclamo para los espectadores masculinos de la cinta (aunque mi acompañante femenina echaba en falta más planos de Josh Duhamel para compensar). Y ya, que no hay mucho más que contar: es un producto puramente comercial que ha cumplido con creces para sus artífices pero que no dejará ningún tipo de huella o calado en los espectadores. Si no la olvidas en cuanto encienden las luces de la sala es única y exclusivamente porque aún no te puedes creer que ya se haya terminado, de lo laaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaarga que se hace.

VALORACIÓN: 2 Unidades Aprovechables

(una por los robots alienígenas y otra por el taquillazo que ha conseguido)

+ Lo más aprovechado: Debería decir que los SFX, pero no me terminan de convencer.

- Lo menos aprovechado: El humor de Turturro, mucho menos gracioso que en la primera película.

*A destacar (por negativo, en este caso): Que cada vez que aparece Megan Fox en pantalla curiosamente lo haga con grandes escotes y en cámara lenta, dejando claro el tipo de público que persiguen los productores, adolescentes hormonados con las neuronas repartidas en dos puntos de su anatomía.

Pregunta: ¿Cómo guionistas de joyas como Lost y Star Trek pueden firmar esto?

Ficha en IMDB (Nota 6,3 al momento de la crítica. Ejem)

Ficha en Boxoffice Mojo

Trailer (una vez visto, descartar el visionado de la peli entera):

Vídeo divertidisimo de los técnicos de efectos especiales hablando de cómo crearon digitalmente a Megan Fox (para que aquellOS que no quieran ver otra cosa en la película se ahorren los euros de la entrada. No me hagáis buscar vídeos de Josh Duhamel o Shia LaBeouf, copiad sus nombres y pegadlos en google. El vídeo de la Fox lo incluyo porque me salía en los relacionados del trailer y no me costaba nada hacer un copy&paste, además, es muy divertido)

Death Race 2000 VS Carmageddon VS Death Race. 33 años de violencia y atropellos...

2009-05-19T16:55:00.010+02:00

Comparar dos películas separadas por los 33 años que varían entre la película original de Bartel y el remake de Anderson, es algo que sólo haría a lo largo de casi 20 páginas para un trabajo de escuela o un artículo para un magazine o revista. Una veintena de páginas para un blog es demasiada información, está claro, pero no he podido evitarlo, después de volver a verme las dos películas y jugar menos de lo que me habría gustado al videojuego, escribir el trabajo (porque era un trabajo, el último trabajo de historia del cine de mi vida de estudiante) y entregarlo, pues... bueno, he decidido soltarlo por aquí. Espero que os guste.

Esquema a seguir:

1.- Un poco de historia…

2.- La Carrera de la Muerte del Año 2000

3.- Carmageddon

4.- Death Race

5.- Conclusiones.

6.- Bibliografía, links e información adicional.

1.- Un poco de Historia.-

El origen, tanto de las películas como de los videojuegos tratados en este trabajo nace de la inspiración de Ib Melchior, un escritor, guionista, director y productor de cine, que publicó un relato en 1956 titulado El Corredor en el que se sentaban las bases para una historia futurista, violenta, de una carrera en la que la destrucción y las matanzas valían tanto o más que la posición final. Aunque Melchior nunca tuvo nada que ver en ninguna de las películas ni videojuegos, fue su relato el que lo inició todo y se merece que empecemos con esta pequeña referencia.

Cuando la película producida por Roger Corman se estrenó en 1975 lo hizo escalonadamente, en un periodo de más de un año de costa a costa de los EEUU, sin una gran campaña de publicidad ni una gran repercusión inicial, estrenándose en los cines de los pequeños pueblos y ciudades y autocines de todo el país, en la tradición de las películas de Corman. Para cuando cruzó el medio oeste, la fama de la película por su violencia la precedía y se inició una serie de ataques por parte de las comunidades más conservadoras que se convirtieron en algunas cancelaciones de estrenos. La película, vista a ojos de un espectador actual, resulta ingenua y falsa, pero en el momento de su estreno nadie se había atrevido a lanzar la historia de una carrera en la que se ganan más puntos cuantos más atropellos lleves a cabo. No obstante, se trataba, principalmente de una distopía política, así que se hizo un hueco en muchos cines independientes y logró suficiente fama como para que se acabara por convertir en una película de culto. Al año siguiente de su estreno se lanzó Death Race (Exidy, 1976), el primer videojuego que creo controversias entre los más conservadores que lo acusaban de violento, y los jóvenes que estaban deseando jugarlo. El videojuego, por supuesto, estaba inspirado por la película y arrastró a muchos de los que ya se habían quejado de la violencia de la película. La controversia aumentó y los medios de comunicación se hicieron eco, pero no llegó más lejos. Algunos grupos de rock de los 80 compusieron canciones en las que hacían citas directas a la película del 75, aumentando notablemente la percepción del público afín como obra de culto.

Llegados a los 90, la fama de la película y del primer videojuego habían desaparecido casi por completo. Las nuevas generaciones crecidas con los videojuegos de los 80 y primeros 90, juegos basados principalmente en mundos de fantasía y cuya principal baza era el entretenimiento, por encima de la evolución de los personajes, la historia y mensajes, no encontraban nada de atractivo en una película que, por su bajo presupuesto, era carne de segunda en los videoclubes. Pero el público que había disfrutado los Mario Bros y demás fantasías (geniales, sí, pero con un enfoque infantil), crecieron y buscaron nuevas experiencias, más acordes con sus nuevos intereses adultos. El mercado, que aunque siempre está buscando el siguiente negocio normalmente llega algo tarde, se encontró con que, por primera vez, aquellos que representaban a su público eran también los creadores de videojuegos y empezó a movilizarse, evolucionando lentamente desde la fantasía inicial, hasta videojuegos ligeramente más atrevidos y adultos. Así llegó el Wolfenstein 3D, primer videojuego del género Shoot em’up en primera persona. Estos videojuegos convertían al jugador en el auténtico protagonista desde esta perspectiva y le instaban a disparar a todo lo que se pusiera por delante, con variadas armas, municiones y retos. En este juego, no obstante, los malvados que debían ser masacrados eran los nazis, en un intento legitimar tanta violencia (de hecho, la única controversia creada en torno a este título se dio en Alemania, donde las referencias nazis están firmemente prohibidas). Rápidamente el juego se extendió por todos los ordenadores capaces de ejecutarlo y sus creadores se pusieron manos a la obra para buscar el siguiente éxito. Se titularía DOOM y cambiaría completamente el mundo de los videojuegos, recuperando el gusto por la violencia y ahondando más en las posibilidades de salpicar sangre por las paredes. Los malvados a exterminar del DOOM eran demonios venidos directamente del infierno, pero la ambientación, la música y, sobre todo, la jugabilidad convirtieron a este título en uno de los más grandes de la historia, siendo su éxito comparable a los de películas como Star Wars. Pero tanto éxito tenía su contrapartida y los padres de todo el mundo se preocuparon de que sus hijos pasaran tiempo entre disparos, sierras mecánicas y mutilaciones varias. Numerosos grupos de opinión se posicionaron para combatir el videojuego y aunque consiguieron prohibirlo o restringirlo en algunos países, no consiguieron pararlo. El público manda y si necesita saltarse la ley para disfrutar, lo hace. DOOM ha sido, probablemente, el juego más pirateado de la historia (lo que lo convierte, al mismo tiempo, en uno de los de mayor difusión). El increíble éxito del juego llevó a que las compañías buscaran nuevos títulos en esta dirección y así llegamos al Carmageddon, surgido de la pasión de los programadores por la velocidad, la violencia… y la película de Corman y Bartel. Carmageddon superó con creces la violencia de los anteriores videojuegos y se alzó como uno de los mayores éxitos de su año de lanzamiento, viendo surgir varias secuelas y ampliaciones (una de las cuales, cuyo título de lanzamiento era Lady Di’s splatter pack, se tuvo que cambiar debido a la presión popular y gubernamental y acabó llamándose simplemente Splat pack). La principal característica del juego era la combinación de velocidad y violencia, pero incluía una característica que lo diferenciaba de cualquier otro juego: la libertad. Aunque se trata de carreras de coches atropellando gente, no es necesario seguir el circuito, pudiendo explorar libremente en busca de peatones despistados a los que atropellar de las formas más espectaculares posibles (y que su sistema de repeticiones instantáneas permitía ver una y otra vez, en cualquier ángulo, posición de cámara, tamaño de plano o velocidad de reproducción). Hasta principios del siglo XXI fue una de las sagas más rentables y populares, tanto en ordenadores de sobremesa como en consolas.

20 de abril de 1999, Eric Harris y Dylan Klebold entran en su instituto armados hasta los dientes, con la intención de masacrar a sus compañeros y profesores, la Matanza del Columbine. Una vez pasado el shock inicial, la incredulidad y los temores, cuando la investigación siguió su curso, se descubrió que los dos asesinos jugaban regularmente a DOOM. Teniendo en cuenta la fecha en la que se produjo la matanza es más que curioso el hecho de que utilizaran este videojuego en particular, dado que 6 años después de su lanzamiento era un título arcaico, que había sido superado tanto en realismo como en violencia por una larga serie de títulos del mismo género, pero las razones por las que estos dos asesinos jugaban regularmente al DOOM sólo pueden especularse. Si la influencia de los videojuegos sobre los adolescentes es una posible causa de violencia futura o no, es algo que trataré más adelante, pero las repercusiones para el mundo de los videojuegos fueron terribles, iniciándose una persecución en los medios de comunicación como nunca antes se había visto. El punto de vista había cambiado. Si antes algunas personas veían que un título en concreto podría ser perjudicial para los menores ahora toda la industria de los videojuegos era la culpable de que dos perturbados hubieran hecho un acto terrible. Los videojuegos violentos fueron perseguidos, prohibidos en algunos casos, antes de que la industria y el mercado reaccionaran y empezaran a establecer regulaciones sobre los contenidos (básicamente se trata de una serie de categorías de edades para las que un videojuegos es recomendado o prohibido, al estilo de la MPAA norteamericana). Finalmente, el mercado y los usuarios regresaron al lugar que les correspondía e incluso llegó a lanzarse la tercera parte del DOOM, que por primera vez en la saga iba mucho más allá de la simple violencia, utilizando técnicas cinematográficas, historias y personajes complejos, haciendo crecer la experiencia virtual.

Pero, ¿qué pasó con la violencia en el cine? Películas violentas habían existido desde siempre y algunos títulos que en su momento alzaron voces de alarma hoy en día los vemos con ojos mucho más experimentados y acostumbrados, llegando a parecernos ingenuas o irreales, en parte por la propia evolución del cine y en parte por la evolución de los demás medios de comunicación. Si a finales de los 60 pudimos ver Grupo Salvaje (Wild Bunch, Sam Peckinpah, 1969) y en los 70 tuvimos ejemplos tan duros como Harry el Sucio (Dirty Harry, Don Siegel, 1971) y sus secuelas, Rollerball (íd, Norman Jewison, 1975), y tantas otras, fue en los 80 cuando surgió el héroe de acción y la popularización masiva de las películas violentas (la lista de títulos es interminable). Miles de espectadores iban al cine para ver a los Stallone, Schwarzenegger, Willis, etc. La acción mandaba en los 80, los tiroteos, explosiones y matanzas se convirtieron en lo que el público quería ver, en lo que las audiencias invertían. Durante los 90 se pudieron ver los últimos coletazos de este género tal y como se contemplaba en los 80, además de una evolución hacia otros géneros (sobre todo la ciencia-ficción), pero las grandes estrellas se hacían mayores y los recambios que Hollywood encontraba no tenían el mismo carisma ni el gancho para la taquilla. La evolución tecnológica que había permitido a los videojuegos evolucionar de historias simples en exceso, frenéticas y fundamentalmente divertidas a desarrollos complejos y estimulantes para los jugadores, tuvieron un papel diferente en el cine, que se nutrió de los efectos especiales de última generación, llegando a olvidar en muchos casos lo que hace grande a una película, perdiéndose en escenas espectaculares y vacías de ejércitos digitales, monstruos imposibles y audiencias globales de todas las edades. La acción y la violencia habían perdido el significado en las películas mainstream. De un tiempo a esta parte se ha empezado a recuperar el tono, pero el remake de La Carrera de la Muerte del Año 2000, Death Race, se ha visto afectado por este hecho, convirtiéndose en una nadería sosa que sólo consigue atisbar en algunos momentos lo que se hacía fundamental en el relato. Su director, Paul WS Anderson es, junto con Uwe Boll (director que no merece la pena destacar), el abanderado de la hibridación entre los videojuegos y el cine y su última película, la que nos ocupa, es el mayor ejemplo de banalización de ambos medios. Este hecho es tremendamente decepcionante, pues supone que el cine de masas se está quedando atrás en la carrera que mantiene con los videojuegos por la lucha de la atención del público. Y la atención lo es todo. En lugar de beneficiarse de la aparición de un nuevo medio e incluir dentro de sus características propias nuevas posibilidades de lenguaje (teniendo en cuenta que el cine puede considerarse el arte aglutinador de todas las demás artes), se pierde en copias literales que no aportan nada a ninguno de los dos medios.

El futuro definirá si los videojuegos y el cine siguen caminos parejos o si, por el contrario, se destruyen mutuamente, aunque, como siempre, será la atención que el público esté dispuesto a darle lo que marcará este futuro.

LA CARRERA DE LA MUERTE DEL AÑO 2000 (Paul Bartel, 1975)

Producida por Roger Corman, uno de los productores más exitosos de la historia, con su patentado sistema de reducir los costes hasta límites insospechados, trabajar con jóvenes talentos (muchas veces dándoles sus primeras oportunidades) y hacer estrenos escalonados que generen ingresos suficientes para cubrir los costes de la película, La Carrera de la Muerte del Año 2000 es una de las películas más extrañas de la carrera de Corman como productor. Protagonizada por David Carradine y Sylvester Stallone, con un argumento muy identificable con las grandes producciones de estudio de su época (distopías futuristas opresivas y deshumanizadas, como Rollerball (Norman Jewison, 1975) o Cuando el destino nos alcance (Richard Fleischer, 1973)), en el que se narra la retransmisión del gran evento deportivo de los Estados unidos del futuro, la Carrera Transoceánica (en la que los atropellos y asesinatos valen más puntos que la posición en la que vas), promovida por el gobierno dictatorial con extraños tintes entre nazis y comunistas que ahora gobierna el país. Frankenstein (David Carradine), el corredor que más veces ha ganado la carrera, cubierto de cicatrices y hecho a partir de pedazos, piezas y recambios varios (al menos en apariencia, porque luego descubrimos que esto es un truco para crear su personaje), tiene un plan que llevará a destronar al Presidente y subir él en su lugar, para ello, a través de su participación en la carrera, irá elevando su imagen entre los televidentes, se enfrentará a la resistencia que lo ve como un icono del gobierno opresor, se enamorará, ridiculizará a su adversario Joe Metralleta Viterbo (Stallone)… y atropellará y matará a un montón de gente.

Así, estamos hablando de una película violenta, con mensaje político (sea el que sea), que apuesta por un estilo de serie b para hacernos pasar un rato entretenido y con bastante regusto a sangre y neumáticos quemados, todo por muy poco dinero pero mucha voluntad.

CARMAGEDDON (1997)

Desarrollado por Stainless Games y distribuido por SCI e Interplay, Carmageddon fue uno de los juegos más violentos de su año de lanzamiento y también de toda la historia de los videojuegos, levantó ampollas allá donde fue lanzado al mercado y se convirtió, de paso, en uno de los juegos más pirateados, cuando las prohibiciones empezaron a imposibilitar jugarlo de otra forma. En Carmageddon debemos competir en una alocada carrera contra otros vehículos, en la que existe un tiempo límite para terminar la carrera, pero dicho tiempo puede ser incrementado de varias formas: Basta con pasar por los checkpoints a tiempo, conseguir bonus, dañar vehículos enemigos o... ir atropellando peatones. De esta manera aparte de llegando el primero, existen dos formas más para ganar la carrera: destruir todos los coches rivales o atropellar a todos los peatones del nivel.

Lo mejor del Carmageddon no era, sin embargo, la violencia, sino la libertad de movimientos que permitía, dado que no era necesario seguir un circuito, sino que se podía viajar por todo el mapa sin nada que te marcara el camino si tú no lo decidías así. Los mapas, dicho sea de paso, eran grandes, enormes, llenos de posibilidades y en las más extrañas localizaciones, desde toda una ciudad hasta una mina, una playa con zona turística (impagable el atropello masivo del paseo marítimo), el campo, las azoteas del skyline de una ciudad, en una central nuclear… Y no sólo se quedaba ahí esa libertad, sino que también tenía un sistema de repeticiones instantáneas con tantas posibilidades como podías imaginar: zoom, movimiento de 360º alrededor del punto elegido, cámara rápida y lenta… lo que posibilitaba ver los atropellos más brutales y los accidentes más espectaculares de millones de formas.

Al ser un juego sin historia aparente, más que la propia carrera en sí, la violencia inicial de la saga era abrumadora, sobre todo si te la facilitaban de una forma tan intensa, con tantas posibilidades como la imaginación permitía al jugador de 1997. Una vez que las consolas pudieron empezar a introducir una historia compleja, la saga tuvo que replantearse su origen. En lugar de quedarse con una carrera violenta sin sentido o propósito alguno más allá de causar muerte y destrucción (lo cual probablemente habría beneficiado al videojuego a la larga), se le intentó dar una historia, con retales de la película de Paul Bartel y el relato original de Ib Melchior, mezclado con las historias y posibilidades marcadas por el medio en el que se estaba creando. La historia resultante: futuro en el que el gobierno y las corporaciones controlan opresivamente la vida del vulgo, hay una zona desértica y radioactiva en la que los más brutales y una especie de zombies deambulan. Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis vagan por sus anchas y se extienden por doquier gracias a una carrera… que a veces llega a las grandes ciudades, se salta sus barreras, murallas y protecciones y expande el caos…

Es uno de los ejemplos más característicos de la época en la que los videojuegos, por los avances técnicos, se estaban acercando a la posibilidad de ser vehículos para una historia compleja, pero todavía no eran lo suficientemente perfectos como para lograr los méritos de hoy en día, ni estaban lo suficientemente distanciados de los orígenes de diversión y entretenimiento sin razón aparente como para hacer historias que merecieran la pena (salvo contadas excepciones, que sí lo lograron y derivaron hacia las obras de arte narrativo que tenemos hoy en día). La contaminación de otro arte, más exitoso, en el desarrollo inicial de un nuevo medio llevada a su máxima expresión, y no lo destacaría si no fuera porque la tercera obra escogida para este trabajo, representa exactamente lo mismo, pero en la dirección inversa.

DEATH RACE (Paul WS Andderson, 2008)

Dirigida, escrita y producida por uno de los gurús del cine basado en videojuegos e inspirada más en la idea inicial de una cerrara violenta que en la película, videojuego o relato anteriores, la película naufraga en todos los aspectos. Quiero decir que es una película bien hecha, por supuesto, a nivel técnico y no excesivamente mal interpretada, pero sin ningún tipo de mensaje, contenido o evolución de ningún tipo en los personajes, es decir, a lo que nos tiene acostumbrados últimamente el señor Anderson. Ni que decir tiene que acercarse a la primera versión aunque sea remotamente no pasó desapercibida para Roger Corman, que aprovechó la oportunidad para ganar algo de dinero y salir en créditos como productor ejecutivo sin mover un dedo. Anderson siempre hace película de un presupuesto medio-bajo para los estándares norteamericanos, que pueden entrar fuerte en taquilla por las muy bien elegidas fechas de estreno y recuperar rápido la inversión inicial, cumpliendo los plazos milimétricamente para el estudio. Es su seña de trabajo y la verdad es que lo hace bastante bien. Nunca se ha pasado del presupuesto o el calendario asignados y nunca se ha encontrado con barreras por parte de los estudios a la hora de proponerles películas. Así que en el fondo es un digno heredero de Corman, en unos tiempos en los que la digitalización, los estrenos mundiales y la globalización ha convertido en obsoletos los métodos originales de Corman. Eso sí, todo esto a nivel puramente de producción, pues a nivel artístico y en cuanto a la cantidad de obras desarrolladas por cada uno, las carreras de ambos son bastante distantes. Corman ha hecho infinidad de películas, ya fuera como director o productor, algunas de ellas bastante memorables (sobre todo algunas de su saga de películas sobre Poe y Lovecraft con Vincent Price o Los Ángeles del Infierno) si bien ninguna especialmente magistral, pero lo que es más importante, ha dado paso a generaciones enteras de cineastas de todos los departamentos. Anderson, por el contrario, lleva apenas una decena de títulos entre los producidos y dirigidos, o ambas cosas, pero nunca se ha interesado por abrir caminos o tratar temas nuevos, como sí hacía el productor ejecutivo nominal de su última película. Su mayor obsesión es la siguiente película, la que vendrá a continuación de la que está rodando en este momento, por lo que se ajusta a darles a los estudios lo que quieren: películas taquilleras de impacto rápido y corto recorrido, con unos gastos ajustados y muy, muy controlados. Y cumple con esta fórmula, que, lamentablemente, se está empezando a desgastar, sobre todo con el espantoso vacío de las dos últimas entregas de las sagas Resident Evil y Alien VS Predator, producidas y/o dirigidas por el responsable de Death Race.

En el remake también nos encontramos en el futuro, aunque menos distópico y alucinado que en la versión de Bartel. La historia general de ese futuro se nos presenta con un cartelón de texto, como en las películas antiguas a las que homenajeaba el Carmageddon al hacer exactamente lo mismo: En el futuro las crisis económicas barrerán el planeta, las corporaciones ganarán cada vez más poder y los individuos tendrán menos oportunidades. La población de las cárceles aumenta hasta límites insostenibles. Dentro de una serie de maniobras para lograr ingresos y mejorar el sistema de prisiones, se pone en marcha el programa Death Race, en el que los reclusos podrán competir en carreras cerradas en circuitos de la prisión, en coches armados hasta los dientes, matándose los unos a los otros, mientras que los televidentes (a través de redes) disfrutan y consumen por cada segundo de adrenalina. Si un recluso gana cinco carreras, se habrá ganado la libertad, por supuesto, y uno de ellos está a punto de conseguirlo cuando es brutalmente asesinado segundos antes de cruzar la línea de meta. La dirección de la prisión, ha optado por no cerrar su mayor fuente de ingresos, el corredor que acaban de matar, desconocido su rostro por llevar una máscara que cubre sus horrorosas cicatrices y que respondía al nombre de Frankenstein. Así que, le buscan un sustituto para que siga corriendo, a ver si consigue llegar a alcanzar su libertad y los espectadores sueltan más dinero. Ése sustituto, interpretado por Jason Statham, es un antiguo corredor de coches que se ha ganado la vida honradamente en una fábrica hasta que esta ha sido clausurada por la crisis económica e intenta salir adelante con su familia. En lugar de convencerle, la prisión envía un grupo de asesinos que matarán a su esposa y a su hija, haciendo que todo parezca culpa suya, por lo que será enviado a prisión y allí obligado a competir.

Semejante batiburrillo de tópicos sólo puede surgir de una influencia negativa. Si bien el espíritu de una carrera alocada está ahí, los espectadores buscan la adrenalina, no la violencia o la libertad, es un fast food diseñado magníficamente para aparecer, picotear un poco y hasta el siguiente producto. Han desaparecido las connotaciones políticas (lo cual no deja de ser curioso en un mundo en el que hemos tenido dos mandatos del Sr. Bush y en el que el cine está empezando a retomar la política como argumento, dejada por un tiempo en manos de la televisión), la trasgresión (en la primera teníamos a un protagonista con el objetivo de alcanzar el mayor poder posible dentro de sus medios violentos y enfermizos, criticando aspectos cotidianos de la época de la película a cada acelerón de su coche) y, sobre todo, la principal seña de identidad de la historia de El Corredor, los atropellos. Si convertimos una película titulada “La Carrera de la Muerte” en una película para todos los públicos o menores de 13 acompañados (PG-13), estamos haciendo algo equivocado desde la propia raíz, pero la simplificación de la historia y los detalles violentos no se queda ahí, pues el diseño de todo el espectáculo en el que el protagonista es obligado a participar está sacado directamente del mundo de los videojuegos: hay que pasar por determinadas casillas (cuando éstas se encienden) para poder utilizar las armas y sólo durante una vuelta o un tiempo limitado, este detalle es un calco del videojuego Mario Kart, en cualquiera de sus entregas, pero también es un detalle heredado de los antiguos juegos de recreativa en los que recogías ítems al pasar con tu coche por encima de ellos, es un lenguaje propio del videojuego, nunca presente con anterioridad en el cine, pero que en el medio interactivo ha seguido una evolución clara hasta descartarse fuera de entornos no realistas.

El tratamiento dado a las mujeres en ambas cintas, por ejemplo, es otro punto extraño: el principal público objetivo de la película de Corman eran los adolescentes de autocines, adolescentes masculinos, algo que Corman sabía y aprovechaba, regalando siempre rostros femeninos bellos en los 50 y, con el paso del tiempo, algún desnudo femenino en los 70 y 80, más adelante, también masculinos, cuando su público objetivo se convirtió en cualquiera que fuera a un videoclub a mediados de los 90 y sus métodos ya no funcionaban como antes. En versión de 1975, la mujer es tratada con mayor respeto que en la nueva versión de 2008, si bien tenemos desnudos en la versión de Bartel y no en la de Anderson, pero aunque la copiloto de Frankenstein-Carradine es un objeto sexual, también tiene un reverso de miembro de la resistencia con un objetivo y unas implicaciones políticas, mientras que la compañera del nuevo Frankenstein-Statham, aunque mantiene su ropa puesta en todo momento, es un personaje vacío, que aunque tenga aspiraciones, ideas o posibilidades, en realidad no son tratadas ni adquieren ninguna función durante la cinta. Eso sí, cada vez que aparece en pantalla a modo de presentación, se puede escuchar, a todo volumen y ralentizando ligeramente la imagen, una canción cuyo estribillo machacón dice “I’m so sexy”. En los videojuegos de coches, la mayor parte de las veces enfocados hacia públicos masculinos, se suele encontrar la figura de una mujer despampanante, que te introducirá en el mundillo del videojuego y te acompañará durante todo el recorrido para mantener altos tus niveles de testosterona. Esa función la llevamos encontrando en los juegos desde el comienzo de la modelización de 16 bits, si no antes. La silueta sexy, el dibujo estilo manga con enormes pechos pixelados, la compañera del Out Run, dejando que su cabello rubio vuele al viento y echándote la broca cada vez que te sales de la carretera porque no eres un triunfador (esto en 1991), hasta llegar a auténticas estrellas, modelos o actrices reales, que ceden su imagen y la de su cuerpo para acompañarnos como conductores de los bajos fondos de ciudades virtuales, hoy en día en nuestras Playstation o XBoX. Otro elemento recurrente, que si bien se encontraba ya en el relato original, el uso que se le ha dado aquí vuelve a ser un empleo negativo de un leguaje impropio al cine. La película está llena de ellos, se podrían encontrar elementos propios del lenguaje de los videojuegos en cada secuencia, lo que, paradójicamente, la ha alejado de la violencia del punto de partida inicial, en lugar de, como era la evolución lógica, potenciar las posibilidades narrativas de la cinta y poder mostrar violencia, libertad de movimientos, una historia actual interesante y comprometida con algún mensaje, el que fuese, como son los buenos videojuegos actuales, que no tienen un punto de partida vacío y cuentan algo a través de la interactividad y de la propia experiencia del jugador al atravesar sus historias. En cambio, nos encontramos con un paquete vacío, que recoge formas de un medio ajeno y ni siquiera las adapta, sino que las clona, pegándolas en medio de una narración cinematográfica con la intención de que se conviertan en la propia narración y fracasando estrepitosamente.

5.- CONCLUSIONES

Los medios audiovisuales se nutren, entre otras cosas, de la violencia, el sadismo y la adrenalina. Ya sean en medios unidireccionales como la televisión o el cine, o bien en medios multidireccionales como los videojuegos online, los foros o la blogosfera, la atención del hombre siempre se ha visto dirigida hacia el morbo y la violencia, etc. Venimos de un pasado violento, nos alimentamos con desgracias informativas, matanzas, etc. nos tragamos la mayor parte de cometarios que le soltaríamos al jefe de buena gana, conducimos durante horas en atascos y dificultades de aparcamientos, esperamos meses a que nos vea el médico, vivimos en mundo opresivo, acelerado, cautivos del tiempo y las responsablilidades, movidos por la rutina… cuando la vena de nuestra frente se ha hinchado más de lo que nos gustaría y tenemos que liberar la tensión, el estrés o la rabia acumulados, nos echamos en los brazos de una buena peli de acción, jugamos un videojuego con el truco munición infinita activado, gritamos todo lo gritable y más en un partido de fútbol… al menos una parte de la población siempre usa métodos de escape que pueden ser susceptibles de hacerse más escapistas si se les añade violencia, o adrenalina. Cada década desde el inicio del espectro analizado en este trabajo ha tenido guerras, tensiones o matanzas, con mayor o menor impacto entre el público, pero la violencia no ha cesado ni lo hará. Lo que sí es significativo es el tratamiento que los medios le dan a esa violencia. Las diferencias entre lo mostrado en 1975 y lo mostrado ahora, también se ven empañadas por la distancia, en la que las sugerencias que se podían atisbar en la película de Bartel ya eran violencia mostrada en aquella época, mientras que las sugerencias de la versión de Anderson son sólo sugerencias, porque el público está mucho más adaptado, día a día, a ver cosas más impactantes que las que se ven en la película. La influencia de los videojuegos en esto es enorme, pero el resultado de sumar la violencia mostrada de los videojuegos en un medio cinematográfico es sorprendente, dado que reduce la cantidad de violencia inherente al relato y también la mostrada y su impacto para el público, principalmente por la mala utilización del lenguaje en un medio ajeno.

Por otro lado, el hecho de que el Cine sea un arte aglutinador de artes, desde el momento en el que apareció y se extendió como medio de comunicación de masas, y de que los videojuegos sean un nuevo arte, surgido después del Cine y enormemente influenciados por él, convierte a la interacción entre los medios y el intercambio de influencias en algo peligroso, pues está mejor adaptado el cambio hacia los videojuegos que hacia el cine y la utilización de elementos de los juegos en el lenguaje cinematográfico, al menos sin una adaptación real, podrían acabar por llenar de elementos perniciosos a una nueva generación de cineastas y creadores de videojuegos. Cada uno de estos artes debe evolucionar separadamente, cogiendo sólo lo que le interesa, no lo que lo desvirtúa y es tarea nuestra, de los aficionados a ambos medios, el saber distinguirlas y usarlas correctamente. Las siguientes generaciones ya tendrán hecho el lenguaje de los videojuegos, como las nuestras se empaparon del propio lenguaje del cine en sus inicios y ejemplos como éste deberían ser algo a tener en cuenta en las futuras clases y escuelas de cinematografía y videojuegos.

(perdón por el tocho)

Star Trek. Where no fan has gone before...*

2009-05-13T16:58:00.009+02:00

Revisitar el universo Trekkie era una opción lógica. Llevábamos años en los que los grandes blockbuster se habían olvidado del espacio, bajando la mirada a mundos de fantasía poblados por humanoides digitales y bestias magníficas que entablaban combates espectaculares por causas imponderables. Mundos de fantasía. Lo cierto es que la época del Sword&Sorcery tampoco ha sido una mala temporada, nos ha dado grandes películas como la saga del Señor de los Anillos, pero el género empezaba a mostrarse desgastado y falto de tirón en taquilla. Después de los fracasos consecutivos de La Brújula Dorada y la segunda parte de las Crónicas de Narnia, era hora de volver a alzar la vista hacia la última frontera.

Star Trek, cuya serie original se emitió en EEUU de 1966 a 1969 creada por Gene Roddenberry, fue una serie visionaria. Muchos de sus inventos son un fiel reflejo de aparatos que utilizamos hoy en día como una parte más de nuestras rutinas. El Tricorder capaz de analizar atmósferas y sustancias microscópicas, ser la fuente de datos consultiva que necesita todo héroe en planetas perdidos, es una visualización bastante cercana de nuestras Palms, PDAs o Smartphones. El comunicador original de Star Trek incluso se abre como un móvil tipo concha y los receptores que portaba Uhura en sus orejas recuerdan a una versión analógica multidireccional de un manoslibres Bluetooth. Incluso se han hecho grandes avances en teletransportación, aunque todavía sea a nivel submolecular. Pero todos estos aparatos, indispensables en una buena película de ciencia ficción, no eran el alma de la serie. Más abajo, como una presencia constante de la que surgen todos los órdenes y comportamientos del universo Star Trek, se encuentra la situación de la Humanidad. Los seres humanos de la serie de Roddenberry viven en un mundo en el que son una comunidad real, sin diferencias de nacionalidad, sexo o raza, sin problemas económicos, sin enfermedades a las que combatir durante años para dominarlas o convivir con ellas, sin limitaciones religiosas, sin guerras entre humanos. Es una Humanidad homogénea, aunque variada, esperanzada e ilusionada por el devenir futuro de los acontecimientos, por explorar y descubrir, por llegar donde ningún ser humano ha llegado antes, como bien decía la entrada de la serie con la voz de William Shatner. Esa Humanidad ha dado el siguiente paso, ha superado las dificultades naturales y artificiales, incluso las morales y enteramente humanas. Es un futuro esperanzador, alejado enormemente de cualquier otra visión utópica del futuro del Hombre, un futuro en el que nos gustaría ver a nuestros hijos. Vale, también hay razas alienígenas cuya base cultural es el combate, la muerte y la destrucción, razas (humanoides o no), que quieren conquistar el universo, evolucionar, aximilar otras culturas o simplemente destruírlas. Hay seres de otras dimensiones que se teletransportan hasta el armario del último niño a bordo del Enterprise. Es un futuro con monstruos y amenazas, pero si no… ¿qué clase de Space Ópera sería?

La revisitación y replanteamiento de la serie original era el siguiente paso a seguir. Precedida por nuevas series, con nuevos personajes, previos o posteriores a la generación de héroes originales, que definieron todo el universo Trek, las limitaciones temáticas y temporales de la serie hacían muy difícil el devolver a la gran pantalla una película de Star Trek, con intenciones de que no fuera la última entrega, como ocurrió con las últimas películas de la Nueva Generación de Piccard y Compañía, que después de brillar con la excelente Primer Contacto (Johnathan Frakes, 1996), habían hecho largometrajes que parecían una despedida hasta que realmente lo fue. Al menos la generación original se despidió a lo grande, la Nueva Generación se fue desinflando hasta desaparecer entre la serie B. Peeeeero… llegó Christopher Nolan, revisitó el universo Batman, lo actualizó, lo volvió realista y marcó el camino a seguir para los demás éxitos blockbusterianos que le seguirían. También Bourne tuvo algo que ver en el asunto. Primero James Bond se volvió hacia esta nueva tendencia (aunque menos de lo que nos hicieron creer, sobre todo la segunda cinta), después se comenzó a rumorear los posibles cambios hacia lo realista de la serie Superman… estaba claro que si tenía que haber una vuelta del Star Trek original no había mejor momento, ni director/productor más adecuado.

JJ Abrams es un tipo especial, conocido como el “Rey Midas de la pequeña pantalla”, por sus éxitos Alias, Lost o Fringe, decidió hacerse cargo de la nueva versión de Star Trek aunque no era un gran fan, porque comprendió las posibilidades que permitía este universo. Estamos hablando de ciencia ficción, así que debía (más le valía) ser espectacular, al mismo tiempo que era una franquicia en riesgo que ya no generaba tantos millones como en sus orígenes, por lo que debía ser comercial y alcanzar a todo tipo de públicos, no sólo a los fanáticos de la serie; también era una vuelta de tuerca a los personajes que ya conocíamos, por lo que su margen de maniobra era limitado, pero afortunadamente, la ciencia-ficción amplía las posibilidades de reestructuración de historias. El hecho de que todo lo que ocurra en la película sea algo nuevo, de una nueva línea temporal creada por un azar del destino, abre enormemente las posibilidades de hacer algo grande, al tiempo que se disfruta de lo ya conocido. Abrams ha conseguido superar las barreras propias del proyecto y lanzarse a un exitazo de taquilla que abra una nueva franquicia, resucitando una olvidada y devolviéndosela a gran público.

Entre las partes más positivas de la cinta, nos encontramos con un cierto estilo Supermán (Richard Donner, 1979), la primera de las películas del Hombre de Acero que pudo considerarse una obra de primera categoría. Empezamos el viaje con un recorrido por las infancias y adolescencias de Kirk y Spock, hasta llegar al momento en el que sus destinos se cruzan. Esa primera parte, aunque quizás sea un poco larga, marca unas distancias increíbles con el resto de la saga de Star Trek, no ya tanto a nivel de historia, sino a nivel de estructura. Ya no estamos viendo un episodio más, esto es algo nuevo, un punto y aparte. También tenemos mucho de Star Wars, con diversos planetas, civilizaciones, misterios y monstruos, además de aventuras y registros humorísticos parecidos a los de la saga de Lucas. Por último tenemos el universo Trekkie, que no ha desaparecido, ni mucho menos. Además de los personajes originales revisitados, tenemos la presencia de Leonard Nimoy interpretando al Spock original, que no sólo legitimiza esta nueva versión, sino que le aporta la posibilidad de expandirse al crear la línea temporal alternativa en la que a partir de ahora nos moveremos. También está la prueba del Kobayashi Maru, el pinzamiento vulcano, los phasers, el mítico capitán Pike, frases reconocibles, los pijamas ;D… todo ello perfectamente adaptado a la nueva situación, a los nuevos tiempos que corren.

En cuanto a lo negativo, he de decir que es la primera vez que no salgo satisfecho con una banda sonora de Michael Giacchino, no es que esperase el tema original, que también, sino que me hubiera gustado que la música fuera menos constante, machacona, etc. y que tuviera un tema distintivo de la nueva serie que fuera más reconocible de lo que será éste. También la sensación de presentación que recorre toda la película, al igual que ocurre con las primeras entregas de Harry Potter, X-Men, Batman Begins, etc. Y hay algunos agujeros de guión bastante llamativos, pero eso tampoco es algo nuevo, ni en la ciencia-ficción, ni el universo Star Trek.

No obstante, se trata de un espectáculo puro y duro, muy entretenido y divertido, lleno de todo lo que nos gusta en las buenas space óperas y con algunas sorpresas (lo que le ocurre a cierto planeta es algo que nunca se había visto en Star Trek, por no hablar de los intereses amorosos de Spock), que está teniendo una buena acogida por parte del público, de todo el público, quiero decir, y que muy probablemente dé lugar a un par de secuelas, que esperemos que sigan los pasos de ésta, e, incluso, mejoren resultados.

Es cierto que yo no soy el mayor Trekkie de la historia, aunque me encante ese universo, quizás no conozco tantos datos como para sentirme ofendido por lo que he visto en pantalla, pero ha conseguido entretenerme e ilusionarme por lo que puede venir a continuación.

Valoración: 5 Unidades Aprovechables

Ficha en IMDB (Nota 8,6 en el momento de la consulta)

Ficha en Boxofficemojo

Lo más aprovechado: La posibilidad de tener una nueva línea temporal completa.

Lo más aprovechado de lo anterior: el legado de la serie, para llegar a un público global.

Lo menos aprovechado: La música. (Edito y rectifico: ver entrada correspondiente http://seisunidadesaprovechables.blogspot.com/2009/07/mis-disculpas-senor-giacchino.html )

¿Éxito o fracaso? Éxito, una brutal entrada en taquilla a nivel mundial, uno de los acontecimientos cinematográficos del año. Esperemos que las secuelas la superen.

Trailer

Aquí un vídeo antiguo sobre un enfrentamiento entre la Enterprise y la Flota Imperial de Star Wars.

Y uno sobre lo mismo, pero un poco más nuevo: Star Trek vs Star Wars DMP

Star Trek meets The Monty Python (canción Camelot)

Star Trek Frasier... si la tripulación fueran los personajes de Frasier…

* Perdonadme la referencia a Futurama, pero... ¿había mejor título que ése?

Zack and Miri make a porno. Kevin Smith vuelve por sus fueros. Sin Jay y Bob.

2009-04-19T04:51:00.004+02:00

Kevin Smith es un director extraño. Aunque sus películas sean producidas por los otrora poderosos Weinstein se mueve en términos de cine independiente, cuenta historias aparentemente sencillas de personajes invisibles en ciudades pequeñas de Nueva Jersey, siempre con toques de humor, aunque en sus mejores películas lo bueno es la combinación de los diálogos rápidos e hilarantes con una buena dosis de drama, a veces incluso, de drama pasteloso y azucarado. Seguro que alguno ha pensado después de leer esta última línea que creo que Kevin Smith es un director de segunda, que sólo interesa a aquellos que alguna vez nos reímos con Jay y Bob el Silencioso. Pues hay que decir que somos unos cuantos. Es posible que no sea un director de masas, pero es uno de los directores más personales de su generación, con un mundo propio completamente desarrollado y reconocible y un sentido del humor absolutamente personal e irrepetible. Todas sus películas, sin ser grandes éxitos (bueno, quizás el hecho de que Clerks costara 30.000$ y recaudara más de 3 millones sólo en EEUU se puede considerar un taquillazo, pero no es La Bruja de Blair) tienen una recaudación similar en EEUU: entre 25 y 35 millones de dólares. Todas se mueven en esas cifras, lo que demuestra un público constante, que no le abandona del todo, ni siquiera después de Jersey Girl. Ahora bien, después de llamar la atención de todo el panorama cinematográfico con Clerks, probar suerte con una producción de gran estudio y pegársela en Mallrats, volver por sus fueros con Persiguiendo a Amy, levantar ampollas por todo el sureste americano con Dogma, darles un homenaje a sus personajes míticos en Jay y Bob el Silencioso contraatacan, aburrir a medio planeta con Jersey Girl, descubrir los negocios de carretera de los USA después del 11 de Septiembre, hacer una secuela interesante de su obra más conocida, iniciar la serie Reaper (que reconozco que no me enganchó) dirigiendo el piloto (por cierto, ninguna baja del 6 en IMDB)... nos llega su última película (por el momento). La verdad es que no sé si llegó a estrenarse en España o si está pendiente su esreno en nuestro país, aunque no le vaticino una gran recaudación en el caso de que no se haya estrenado.

Zack y Miri hacen una porno, es una película de Kevin Smith, es lo que quiso hacer cuando se enfrentó a la primera película sin sus grandes personajes, cuando se la pegó con Una Chica de Jersey. Por primera vez desde aquella cinta, Jay y Bob el Silencioso no aparecen. Sí que está Jason Mewes (actor fetiche y amigo íntimo de Smith, incluso vivió con él mientras se desintoxicaba), haciendo un papel con ecos de Jay, pero no es Jay. Es una historia sencilla, entre dos personajes sencillos rodeados de un montón de freaks (que no frikis), con los diálogos propios de Kevin Sith, su combinación de humor y drama romántico y sus buenas dosis de guarradas, referencias a Star Wars incluídas (no podía ser de otra forma, hablando de cine porno, Smith tenía que mencionar la sagrada trilogía, parodiándola con su Star Whores). Es decir, tiene todo lo bueno de una peli de este tío... excepto a Jay y Bob. Y la verdad es que no se les echa en falta. 7,3 en IMDB, 30 millones de recaudación en EEUU... Kevin Smith ha vuelto por donde solía. Tan divertida como intrascendente, ha sido una gozada ver algo así después de un mes de agujero negro de rodajes y preproducciones varias (y lo que me queda).

Valoración: 4 Unidades Aprovechables

Lo más aprovechado: Como casi siempre con Kevin Smith, los diálogos.

Lo menos aprovechado: nada.

Un pequeño lastre: Para aquellos que no quieren/pueden/saben disfrutar una película intrascendente, es posible que encuentren el final demasiado azucarado.

Trailer sin censura

Entrevista a Seth Rogen y Elizabeth Banks

Entrevista a Kevin Smith

Una década sin Kubrick.

2009-03-08T01:28:00.005+01:00

Ayer, 7 de Marzo de 2009, se cumplían diez años desde la muerte de Stanley Kubrick. Diez años sin uno de los personajes más influyentes del Siglo XX. Próximamente publicaré un artículo sobre Kubrick, como particular homenaje.

Robo a Ben Burtt

2009-03-05T03:20:00.003+01:00

Mi único comentario sobre los Oscar. Ha sido un robo a Ben Burtt en el mayor logro de su carrera. Dos nominaciones y se fue de vacío. Peor que lo de los efectos de Starship Troopers que fueron a parar a Titanic. Robo a mano armada, aunque ya tenga 3 oscars.

¡ Ben estamos contigo !

Mis 5 principales buenas malas pelis.

2009-03-05T02:03:00.006+01:00

Después del rodaje de "La Nadadora", he decidido verme una película. No está mal, considerando que la última peli fue hace 2 semanas. He rebuscado en la carpeta donde están mis últimas adquisiciones y después de cumplir con el ritual de verme los 5 primeros minutos de las que me interesaban (Copland, Repo! The Genetic opera, Atrapados en el Espacio, etc), me he decidido por la que, no podía ser de otra manera, es una pequeña "joya" de la serie Z, America3000.

Impagable. Es una mala peli de las malas de verdad, de esas que te lo pasas mejor riéndote de ella que con ella. Pero me lo he pasado en grande, la verdad. Como hacer una crítica de una película como esta daría para muy poco ("todo mal, pero muy diverti

do" hala, ya está hecha), he decidido hacer una pequeña reseña para incluirla en mi... tachán... ¡ TOP FIVE DE LAS BUENAS MALAS PELIS !

Reglas para éstas 5 principales:

1) Tiene que ser una película mala, lo que significa que, aunque su punto de partida o su objetivo fuera conseguir una buena peli o incluso un gran éxito de taquilla, la película ha resultado ser un desastre de proporciones épicas.

2) Tienes que pasarlo mejor a su costa que con la película en sí. Esto es importante. un pequeño detalle como éste elimina joyas como El Vengador Tóxico (Toxic Avenger, ) o Terroríficamente Muertos. El visionado de estas películas tiene que resultar divertido, sobre todo si se disfruta en compañía, y cuantos más mejor, pero no porque la película sea una experiencia inolvidable, ésta sólo debe surgir a costa de las cagadas de la película.

3) No importa su presupuesto, target o elementos importantes en el casting o el equipo técnico. Por ser más profesionales no necesariamente tienen que ser mejores malas pelis. Una buena mala peli es un conjunto de despropósitos, errores garrafales, diálogos absurdos y/o risibles, imágenes sacadas de mentes perturbadas, secuencias que se contradicen, ritmos extraños, efectos de sonido tan remarcados que en tu cabeza enciendan la chispa de la risa y, a poder ser, cortinillas, zooms o planos subjetivos. Pero esto último sólo como propina.

Y una advertencia: las siguientes películas son mis cinco principales personales, no estoy excluyendo otras películas malas que disfruto como un enano, simplemente se han quedado fuera de esta lista. Seguro que echas alguna en falta, pero sólo son 5, aunque siempre viene bien que alguien te refresque la memoria. Tengo en cuenta que algunas, por no decir todas, serán películas infectas a evitar para la mayoría de vosotros, que, confesadlo, también tenéis placeres culpables.

TOP 5 BUENAS MALAS PELIS

(nota: haced doble click en los videos para verlos con mejor calidad en youtube)

5) Arac Attack! (Eigth legged freaks, 2002)

Dirigida por Ellory Elkayem, del que espero ver más en un futuro (tengo pendientes sus 2 entregas de Return of the living dead) nos cuenta la invasión de un típico pueblo americano en medio del desierto, por parte de... arañas gigantes. Protagonizada por David Arquette, tan inexpresivo y afectado como siempre, acompañado por una joven Scarlett Johansson, que sufre uno de los ataques más hilantes de la cinta, la película es un carrusel de tópicos, arañas con vocecillas distorsionadas y supuestos gags. Producida por Dean Devlin, sólo consiguió recaudar $45,867,333 en todo el mundo, con un presupuesto de 30 millones, pero se ha forjado su pequeño grupo de seguidores. Se pasa rápido y para los aracnofóbicos como yo no es una tortura. He de confesar que estaba entre ésta y Aracnofobia, pero John Goodman no basta para justificar la presencia de ésa peli en esta lista.

ficha en Imdb. (Nota 5,4 en el momento de la crítica)

Trailer:

Pedazo de bukkake a Scarlet Johansson.

4) Shark Attack 3: Megalodon (íd, 2002)

"The Terror Has Surfaced"

Bueno, bueno, entramos en canelita fina. Se trata de una película lanzada directamente en DVD en los EEUU, con la esperanza de que pase desapercibida y todos cobren sus cheques a tiempo, antes de que vean la película y se den cuenta de lo que contiene. La historia, la de siempre: un gigantesco tiburón aterroriza un pueblo costero y unos científicos, acompañados de unos cuantos marineros (para poder matar a alguien pronto, vaya), lo dan caza y se lo cargan. Peeero, cuando los científicos le hacen la autopsia, descubren que en realidad se trata de un Megaloddon cría, un tiburón monstruoso de la época de los dinosaurios que se creía extinto... hasta que llega la madre del bicho para vengarse de los humanos, grande como una galaxia y comienza a devorar a diestro y siniestro. El argumento, sacado de una máquina de generar sinopsis tópicas (aunque a mí las pelis de bichos grandes, y más si es en el mar, me encantan, lo que hace que SA3:Megaloddon esté en esta lista), tiene alguna trama más por ahí, de fondo, para rellenar, algo de corrupción, una serie de malos a los que se come el megaloddon madre, etc. Pero lo que siempre se recordará de esta película son sus inolvidables efectos especiales, probablemente los peores de la historia del cine. Se trata de imágenes de National Geographic conocidas por todos (piensa en tres o cuatro imágenes que te vengan a la cabeza de tiburones blancos y seguro que las encuentras en la película), superpuestas sobre las imágenes rodadas de verdad. Como no podía ser de otra manera al tener que ajustar las acciones de los humanos a las imágenes prefijadas de los tiburones, surgieron algunas de las muertes más ridículas que te puedas encontrar. Es una hora y media, más o menos, pero cumple con una función... te pasas toda la película esperando llegar al climax final, y cuando éste llega, no te decpeciona, es una carcajada constante. Muy, muy grande.

Trailer

Ataque del Megalodón madre

3) Commando (íd, 1985)

Esta película se trata, sencillamente, de la figura de Arnold Schwarzenegger llevada al extremo más extremo del cine de acción militar americano de los 80. Es la máxima expresión del superhombre duro, sarcástico y robótico que es capaz de cargarse a medio mundo sin perder la sonrisa, manteniendo el puro encendido y diciendo gilipolleces sólo para salvar a su improbable hijita. John Matrix, que así se llama el personaje de Chuache en esta cinta, mantuvo durante un tiempo el récord de ser el personaje que más gente mataba en pantalla. Matrix es un comando, un especialista en missiones impossibles, al que le secuestran a su hija, así que coge todas las pistolas, granadas, uzis, metralletas, escopetas, lanzacohetes, cruje los nudillos y sale a matar gente. Schwarzenegger ya era una estrella después del éxito de Conan el Bárbaro, pero se metió en esta película que parece hecha por una industria aparte de la de Hollywood. Hay algo extraño en muchas películas de los 80 de acción, parecen hechas con otro estilo de producción, mucho más amateur y deslavazado que las películas dramáticas o de aventuras de estudio. Jean-Claude Van Damme, Steven Seagal o Chuck Norris participan en estas películas. Schwarzenegger dió el salto más tarde, pero también se dejó caer por algún plató de segunda en sus inicios. Así, tenemos una película llena de salvajadas, disparos, explosiones, frases supuestamente graciosas (algunas lo son y mucho) y un montón de músculos llenando la pantalla, con un acento austriaco que parece sacado del voice de windows. Muy disfrutable, siempre que te hayas criado con este tipo de películas.

Ficha en Imdb (6,2 en el momento de la crítica)

Trailer

Arnold kills them all

Pelea Final

2) America 3000 (aka Los guerreros del trueno, 1986).

Impagable. Distribuída por la Canon y, en España, Ízaro Films (esto lo digo únicamente porque el vhsrip que me he visto tiene la inolvidable entrada de esta distribuidora española), dirigida por David Engelbach, que no ha hecho nada más como director en toda su vida, y protagonizada por un casting de actores que parece sacado de una película porno, narra la historia de la Humanidad 900 años después de un holocausto nuclear entre EEUU y la URSS. Las mujeres (llamadas ahora Frawls) dominan sobre la Tierra concentradas en diferentes tribus y gobernadas por la "Tiara". Los hombres, en este mundo sólo existen para ser "Machos" (esclavos), "juguetes" (mascotas), "semillas"(reproductores) o "Pluggots" (enemigos bárbaros a los que las Frawls no consideran capaces de pensar). Dos jóvenes prisioneros se esapan del poblado Frawl y sobreviven juntando un grupo de hombres capaces de pensar con la intención de derrocar a las pérfidas Frawls. Hay muchas peleas, incluso alguna cámara lenta. todo narrado por una voz en off de un personaje que lleva un sombrero estilo Abraham Lincoln 900 años después de que dejaran de fabricar cualquier tipo de sombrero. Hay incluso un mutante, Argh el Horrible, que es un tipo alto cubierto de pelo y una cara de cartón con una única expresión, acompañado, siempre, del sonido de moscas a su alrededor. Las mujeres son presentadas como auténticas villanas, crueles, déspotas y torturadoras. Tan sólo una, Vena, la nueva Tiara de la tribu es capaz de entender que los hombres pueden ser buenos. Por todo el relato acecha la presencia de un mito: el Presidente que volverá para llevar a todos a una nueva era de prosperidad. Tiene batallas, algo de sangre, música ochentera a más no poder, un vestuario sólo a la altura de los peinados de los personajes, un polvo narradado con voz en off y encadenado con una matanza, algún diálogo que de tan absurdo es genial (los cambios en el lenguaje se basan en cosas del tipo "Negui" para decir que no, nada o malo; "Teléfono Rojo" para dar la voz de alarma; "Plástico" para "mierda", "Plástico guay" como "de puta madre" y cosas así)... en resumen, perfecta para reírte de ella, pero lamento decir que te pasas toda la película esperando a que termine de dar el paso final de convertirse en una peli porno.

Ficha en IMDB (Nota 3,4 en el momento de la crítica)

Trailer.

Impagable entrada directa al puesto nº 2 del ránking.

Y la numberone, deferst, campeona del ránking... es...

1) Campo de batalla: La Tierra (Battlefield: Earth, 2000)

Por supuesto. No creo que haya sido ninguna sorpresa. Es la MALA película por excelencia. Un montón de gente que la ha visto la odia (diría que el 99%), pero es aún mayor el número de personas que la odian sin haberla visto. Es la película a mayor gloria de la cienciología, que se quedó en un fracaso épico y muy por debajo de las recaudaciones de otras cintas cienciólogas como Phenomennon (íd. 1996 ). Dirigida por Roger Christian, antiguo director de segunda unidad de La Amenaza Fantasma y ganador de un Oscar al mejor diseño de producción por Star Wars (la primera, la cásica, el espisodio IV, Una nueva esperanza o como queráis llamarla). Christian, que debe ser bueno en lo que hace de arte, porque es una de las pocas cosas que se salvan (el diseño de producción de Patrick Tatopoulos, caracterización aparte, aunque se encargara también él del diseño de los monstruos), pero como director no sabe muy bien cómo soltarse (al menos en esta peli, porque aunque no os lo creaís ha seguido dirigiendo) y le añade muy poquita cosa a un guión soso, malo y absolutamente delirante. Muchas de las escenas parecen sacadas directamente de otras pelis y tenemos la "escena blade runner", la "secuencia matrix", etc.

He de decir que he leído la novela en la que se basa la película y que ésta, sin ser una joya, es un entretenimiento más que digno, lo que no se puede decir de la adaptación a la gran pantalla. Su director de fotografía, el holandés Giles Nuttgens, decidió que todo debía tener un "giro holandés" (así lo dice él en el making off) y como consecuencia, no hay sólo plano nivelado en toda la película. Llega a ser risible, dado que hay veces que puedes ver que se les han acabado las ideas de cómo inclinar la cámara. También hay un notable gusto por los cambios de color en la iluminación (cuando hay una amenaza toda la luz de la imagen se vuelve verde o morada, gentilezas así). Tiene en sus filas a gente como Forest Whitaker, que despreció públicamente la película y perdió un más que merecido Razzie al peor actor secundario que sí ganó Barry Pepper... por Campo de Batalla: La Tierra, claro está (no puedo evitar imaginarme la cara de Pepper, que me parece un buen actor, cuando le ofrecieron protagonizar, porque aunque ganara el secundario es protagonista, una superproducción de ciencia-ficción en la que encarnar al inconformista héroe que salva al mundo llamado Johnny Goodboy (sí, habéis leído bien). La cabeza de cartel, productor de la película y múltiple ganador del Razzie (a Peor Actor, Peor Pareja -con cualquiera que comparta la pantalla con él-, y Peor Película, que no olvidemos que es el productor) es un John Travolta exagerado, risible, cargado como un pitbull que se ha pasado horas escarbando en cocaína. Dios, es la interpretación de villano más delirante que se ha podido ver en una pantalla de cine. Sólo por eso, merece la pena. También es digno de mención el diseño de los monstruos del que hablaba antes. Estamos antes seres conquistadores, completamente superiores física y tecnológicamente a cualquier otra raza existente en el espacio...pero lucen como un montón de hombres aquejados de gigantismo que han decidido ponerse rastas en un ataque de modernidad, mientras caminan con unas plataformas que podrían romperle los ligamentos a cualquiera. Travolta caracterizado así es un auténtico espectáculo de primera magnitud; muy pocas veces se puede ver a una estrella en el momento exacto en el que comienza su declive (Travolta se sepultó a sí mismo con esta peli, por eso decidió caracterizarse de nuevo en un papel mucho más populista en Hairspray, algo que dijo él mismo).

Paso al argumento: Hace chorropotocientos años, una raza alienígena -Los Psychlos- invadió La Tierra, destrozando a los humanos en 7 miserables minutos. Hoy, el ser humano es una especie en peligro de extinción, recluidos a zonas radiactivas porque los monstruos no se acercan por allí. Un muchacho, rubio de ojos azules, más listo que el hambre (bueno, esto es discutible, aunque sí es el más listo de la película, desde luego), es atrapado por los psychlos y, una vez preso, comienza una revolución de esclavos que liberará el planeta de los Psychos y lo devolverá a los humanos. Es absolutamente impagable. Se lo toman tan en serio, están tan orgullosos de su trabajo en el making off, pusieron taaaaaaantas esperanzas en la película… y se pegaron taaaal hostia. Es digno de recordar. Una de las peores películas de la historia, para disfrutar acompañado.

Es una pena que no tuviera el DVD aquí cuando vino Travolta a promocionar Cerdos Salvajes, porque le habría pedido que me lo firmara. La habré visto unas 6 veces y siempre, siempre, me lo acabo pasando bien a costa de la puñetera película. Campo de Batalla: La Tierra es, sin duda, una cinta que hay que ver para saber cómo no se hacen las cosas en el cine. Un auténtico "must-have".

Ficha en Imdb (nota 2,3 en el momento de la crítica)

Trailer

Un enlace interesante sobre esta peli.

My Sassy Girl (2008, EEUU) VS My Sassy Girl (2001, Corea). Yeopgijeogin geunyeo WINS!

2009-02-05T04:35:00.004+01:00

My Sassy Girl (Yann Samuell, 2008) es un REmake americano de la película Yeopgijeogin geunyeo (My Sassy Girl, Jae-young Kwak 2001), una de las comedias románticas de más éxito de toda la historia del mercado asiático, incluso allende las fronteras del país bajo el paralelo 38 y triunfando en Japón, China y todo el sudeste asiático. Por supuesto, un éxito semejante no podía pasar desapercibido para los productores americanos y ya tenemos la versión americana. Ahora bien, aunque yo no suelo ser de los que odian los remakes por el mero hecho de ser remakes (como dijo el otro, ¿cuántas veces se ha representado Hamlet y no por ello se considera un sacrilegio?), sí que tengo algo en contra de este particularmente. El motivo es muy simple: no se puede encontrar una manera de trasladar realmente el tono, el estilo, el ritmo y la intensidad que la cultura asiática da a esta historia al modo de hacer las cosas occidental. No way. Y sin eso, nos quedamos con una historia que puede ser la de cualquier comedia romántica, es decir, nada nuevo. No, era precisamente el enfoque asiático el que le daba a esta historia la forma que la llevaría a ser una de las películas que más me han emocionado de este género, si no la que más, y una habitante permanente de mi Top Five de películas románticas, junto a grandes obras maestras que seguramente son mucho más valoradas y reconocidas que la cinta de Jae-young Kwak (y que no voy a citar ahora). Si perdemos el punto de partida, el remake debería ser una nueva adaptación y, en este caso, no lo es, se trata de un calco escena por escena, pero recortandolas todas, haciendo que el paso de los fotogramas de esta película sea rápido e indoloro y que te deje un sabor dulzón industrial en tu lengua, en lugar de estimular cada una de tus papilas gustativas.

El hecho de que se recorten las escenas crea una sensación de que falta algo. Ahora bien, soy consciente de que soy un fan de la película original y que no he tenido la oportunidad de ver esta película sin poder compararlas, pero aún así, falta algo. Las historias no terminan de rematar, nunca acaban por cumplirse las expectativas que te crea cada secuencia y además, se crean pequeñas incoherencias que no molestan pero tampoco se explican. Por ejemplo, la secuencia de las 10 reglas sobre cómo comportarse con la chica resulta extrañamente absurda en la nueva versión y muy emotiva en la anterior, dado que mientras en la versión americana hemos visto pasar las historias en las que se basan estas reglas como si de una secuencia de montaje se tratara, en la versión Coreana se han desarrollado plenamente. Es un ejemplo, pero hay muchos más. El desenlace de la nueva cinta es completamente predecible porque se ha presentado primero (hay una secuencia en la que se muestran unas fotografías y que lleva a que el final no sea ninguna sorpresa), mientras que en la versión Coreana, la excelente labor del director y el montador, hace que nos sorprenda porque juega con nosotros en varias ocasiones a lo largo de la cinta y ya no sabes qué esperar. Las secuencias imaginarias de los tratamientos que escribe la protagonista, con sus diversas heroínas del futuro, son sosas parodias que no conducen a nada, mientras que en la original nos encontramos con hilarantes escenas que dicen mucho sobre el personaje de la chica. Y digo la chica porque en la versión original su personaje no tiene nombre, mientras que en la nueva lo sabemos desde la segunda secuencia. Por no hablar del final, mucho más mainstream y banal que el original (incluyendo, por supuesto, un beso final que se puede ver en el trailer, por si acaso lo dudabáis)

Todo el encanto de la traslación a imagen real de un comic romántico divertido, al más puro estilo anime ha desaparecido, junto con casi media hora de película. Los actores Jesse Bradford y Elisha Cuthbert, sin estar mal, no tienen la conexión que tenían los coreanos Chae Tae-hyun y Jeon Ji-hyun, precisamente porque se enfrentan a una comedia romántica normal y corriente y no a un cómic de imagen real. Mascadito, comprimido y tradicional frente a divertido, desarrollado y sugerente. Haceos un favor a vosotros mismos y si tenéis ganas de una buena comedia romántica, ved la original (al menos, antes que el remake).

Valoración Original: 5 Unidades Aprovechables.

Valoración Remake: 3 Unidades Aprovechables.

+Lo más Aprovechado del Original: Los actores y el estilo de manga romántico de la cinta, sin dejar de lado el humor del relato, todo ello sostenido por un montaje excelente.

+Lo más Aprovechado del Remake: Algunos momentos rescatados del original, que sí funcionan.

Comparación de secuencias (juegos en el metro)

Original

Remake

-Lo Menos Aprovechado del Original: El hecho de que no se haya estrenado tal cual fuera de Asia y que sea muy difícil conseguirla en DVD, dado que no existe para zona2. Eso sí, siempre nos quedará un lugar mejor.

-Lo Menos aprovechado del Remake: Pues... la película original. Y también el hecho de que ni se ha estrenado fuera de EEUU ni probablemnte lo haga en salas, quizás porque no está a la altura de lo que se esperaban.

Original: ¿Éxito o Fracaso? Éxito. Y rotundo. Pero sólo en Asia.

Remake: ¿Éxito o Fracaso? ¿Habías oído hablar de ella?

Trailer Original (Subtítulos en Inglés)

Trailer Remake

Trailer Coreano sin subtítulos:

Secuencia del Canon de la original en la que se puede apreciar claramente el tono de comic romántico.

The Curious Case of Benjamin Button = Amelié + Forrest Gump + David Fincher

2009-01-30T05:12:00.009+01:00

The Curious Case of Benjamin Button es una de las películas del año. Es cierto. Largamente esperada por los fans de Fincher, por el público y la crítica, con tropecientas nominaciones al Oscar y demás premios importantes, etc. etc.

Ahora bien, cualquier película que levanta tanta expectación como lo ha hecho la de Fincher lleva consigo un riesgo importante, normalmente calculado, pero dificilmente soslayable: estar a la altura de las altas expectativas del público. Si The Curious Case of Benjamin Button lo consigue, supongo que será algo que deberá valorar cada uno, por aquello de que las expectativas que se ha hecho cada cual son completamente diferentes. Por supuesto, ahora expondré las mías.

David Fincher es uno de los directores más importantes de la actualidad. Cada una de sus películas es uno de los eventos cinematográficos del año (salvo quizás en el caso de La Habitación del Pánico, que, por otro lado, a mí me resultó muy entretenida) y eso que no suele tener grandes recaudaciones ni una aceptación completa del público. Por eso, porque me perdí Zodiac cuando todo el mundo decía que era la mejor película de su año, y porque no hay ninguna película de este hombre que no me guste (y sí, digo ninguna, así que incluyo Alien3, sobre todo la versión del director que se puede encontrar en DVD, que es infinitamente superior a la que se vió en cines y vhs hace mucho tiempo, aunque tampoco odio ésta, ni mucho menos), esperaba The Curious Case of Benjamin Button con unas altas expectativas, pero no me ha terminado de convencer y, a la espera de ver Zodiac, creo que es la que menos me gusta del por otro lado excelente David Fincher.

Me explicaré. A nive técnico la película es perfecta, sin una sola mancha que le quite brillo a ninguno de los aspectos, lo que explica tantas candidaturas a los Oscar. tiene una fotografía perfecta, unos efectos CGI muy buenos (aunque supongo que los años les pasarán factura más rápido de lo que se piensa, pero están perfectamente utilizados), una música correcta, un diseño de arte increíble, un maquillaje absolutamente perfecto, un vestuario a la altura de los otros departamentos, un montaje que no se pierde en sus casi 3 horas y unos actores brillantes (la he visto en VO)... pero...

1) Es Forrest Gump. Casi literalmente. Tiene tantos puntos en común con la historia del héroe anónimo americano interpretado por Tom Hanks que podría haceros una sinopsis con lo que le ocurre a Benjamin Button en la película y pensaríais que hablo de Forrest Gump. Aunque a favor de esta última tengo que decir que es mucho más divertida. (Spoilers comparativos al final del artículo) El guionista Eric Roth es el mismo que el de la película de Zemeckis, aunque ésta estaba basada en una novela de Winston Groom, y la de Fincher está basada en un relato de F. Scott Fitzgerald.

2) Parece que Fincher quisiera tener por fin un éxito de público, alimentando a los estudios de vez en cuando para poder seguir haciedno sus películas habituales. Es la primera película de Fincher que es PG-13 en EEUU y tiene un comportamiento diferente con su público, remarcando cosas obvias y dejándolo todo mascadito y bien mascadito. Esto de por si no es malo, dado que a todos nos gusta una buena película comercial de vez en cuando (y quien diga que no miente, aunque a algunos nos gusten más de vez en caudno que otros), pero resulta extraño viniendo de un director tan especial como Fincher. Y, sobre todo, teniendo en cuenta el abúltadísimo presupuesto (150 millones$, publicidad aparte), es una apuesta tan arriesgada como el resto de sus películas, así que es un contrasentido que no acabo de comprender.

Pero es Fincher, así que tiene algunos momentos maguistrales, como el que motiva el viaje a París de Benjamin (muy, muy currado y que terminará por convencer a esa altura a las/los fans de Amelié, aunque puede que a partir de ese momento queden menos contentos) o la microhistoria de amor entre él y Tilda Swinton (que es una actriz como la copa de un pino, por cierto). Algunos planos realmente efectivos (el reflejo de la pareja en el espejo de la escuela de baile) y otros preciosos (el agua del Katrina alcanzando el viejo reloj de la estación de tren de Nueva Orleans), incluso algunos cruentos (como el plano desde el fondo del mar en el que se ven cadáveres flotando y el barco en el que viaja Benjamin en la superficie).

Así pues, es una buena película, para algunos será una obra maestra, pero tiene un cierto regusto a ya experimentado, ya contado. Un envoltorio precioso para un regalo que ya nos han hecho en esa misma fiesta de cumpleaños.

Valoración: 4 Unidades Aprovechables.

+ Lo Más aprovechado: El maquillaje/caracterización, realmente increíble, ayudado por los mejores efectos CGI de la cinta.

+ Lo Más destacable: todo el equipo técnico, los buenos momentos de Fincher dentro de la película. Los actores, en general todos bastante bien, destacando a Brad Pitt y Tilda Swinton.

- Lo Más desaprovechado: El hecho de que en el relato original de Fitzgerald el personaje no sólo rejuvenece físicamente, sino también psicológicamente, lo que en la película no han incluído y que podría haber sido increíble.

¿Éxito o fracaso? Hombre no es un fracaso, ni mucho menos, teniendo una respuesta crítica como la que ha tenido, una lluvia de premios y nominaciones como la que ha tenido y está por tener... pero su presupuesto de 150 millones de dólares y su recaudación de 122 en EEUU y apenas 25 en el resto del mundo (aún no se ha estrenado en gran parte del planeta, incluyendo España) no hace que sea un GRAN ÉXITO de taquilla (que se lo pregunten a Clint Eastwood, que con 30 millones ha recaudado más de 100 en EEUU con una películita muy bien hecha pero muy normal como Gran Torino). Habrá que esperar a ver si se lleva determinados Oscars para terminar de apreciar el nivel del éxito que representa.

Ficha en IMDB (nota 8,4 en el momento de esta crítica)

Datos de la recaudación en BOXOFFICEMOJO

Trailer en Inglés

Trailer en Español (cuidado con el doblaje de Pitt, que suena realmente mal en este trailer, aunque Daniel García siempre hace grandes trabajos con este actor)

Comparación Forrest Gump VS Benjamin Button (AVISO SPOILERS, aunque no muy graves)

Ambas películas tratan de un individuo especial que cuenta sus vidas en un largo flashback, narrando en voz en off (la diferencia aquí es que en Benjamin Button también hay comentarios del personaje de Cate Blanchett y no sólo de Brad Pitt, aunque sólo puntualmente) su recorrido por el siglo XX, participando, unas veces más cerca y otras más lejos, en los grandes momentos de la Historia Americana. Ambos cuentan con el apoyo de una madre que les creé especiales y les enseña que en la vida todo puede ser una sorpresa ("La vida es como una caja de bombones: nunca sabes lo que te va a tocar" VS "¿Qué te digo siempre? Que nunca sabes qué vendrá a continuación" (traducción libre mía, no ´se cómo quedará en el doblaje final) ejem) y que muyere durante la película, cuando el protagonista regresa a su casa por nosecuanta vez. Tanto Forrest como Benjamin tienen dos amigos a lo largo de la película, un hombre negro parecido a él y un hombre blanco heredero de una tradición familiar (que mira por donde en las dos películas pasan en lagún momento por un barco), de los que aprenden algo siempre y guardan en su corazón para toda la vida. Ambos tienen un amor del que se separan (Jenny y Daisy, no había huevos para dejar el Hildegard del relato de Fitzgerald :D), tomando caminos diferentes: ella la gran ciudad y las fiestas/los jóvenes, él el ejército y luego el mar (y en este caso el mar y luego el ejército), para luego reencontrarse y separarse otras muchas veces, hasta que ella deja de seguir su vida normal para irse con él a casa y tener un hijo/hija. Ambos dejan de tener preocupaciones económicas llegado cierto punto de la película, para que el tema no moleste el resto del relato. An so on...

Buscando en internet los trailers para el artículo me he encontrado con que no sólo esto es descarado para mí, sino que ya hay hasta parodias, como la siguiente, muy divertida The Curious Case of Forrest Gump:

The Curious Case of Forrest Gump - watch more funny videos

Starship Troopers 3: Marauder. Es un buen día para morir.

2009-01-08T19:06:00.004+01:00

Un Mensaje Especial de Johnny Rico

Starship Troopers fue una de las películas más estimulantes de su año, 1997. Dirigida por el genial Paul Verhoeven, se merecía sin ninguna duda el Oscar a los mejores efectos especiales de su año, pero injustamente se lo otorgaron a Titanic, cuyos personajes al estilo Fifa97 parecen hoy en día más muertos que DiCaprio al final del film. En fin, Starship Troopers presentaba una ironía sobre el desarrollo de EEUU que no todos entendieron ni quisieron entender (quizás el primero sería Robert A. Heinlein, el autor de la novela original en que se inspiraba) y que generaron el mayor fracaso comercial de la carrera de Verhoeven. aún con todo, hoy en día se la recuerda como una película de culto, interesante y ha generado numerosos productos y secuelas, como varios videojuegos, una serie animada de televisión en 3D, y un par de secuelas directas a vídeo.

La primera de estas secuelas, era un producto sin casi presupuesto, claramente dirigido al videoclub y que pasaba sin pena ni gloria, dejándose tanto la ironía como la espectacularidad de la primera película y, por tanto, todo su atractivo.

La segunda secuela es la que nos ocupa. Dirigida por Ed Numeier, guionista de Robocop y las dos secuelas de Las Brigadas del Espacio, y con producción y financiación de medio mundo, la tercera parte de la saga recupera la ironía muy acertadamente y la espectacularidad todo lo que su exiguo presupuesto le permite (que no es tan poco como en la segunda parte, hay que decirlo). También recupera a Casper Van Dien, el protagonista de la priemra parte, encarnando de nuevo a Johnny Rico. Todo esto está muy bien, pero si la película de Verhoeven ya te daba todo esto, ¿para qué repetir? Pues me alegro de comunicaros que esta secuela sí que tiene un sentido y una respuesta para esta pregunta: Los tiempos han cambiado y EEUU se merece una nueva crítica y un nuevo tema para desarollar la ironía.

La Religión.

La Federación de Starship Troopers negaba cualquier posibilidad de culto religioso, al igual que la individualidad de sus ciudadanos, pero los tiempos cambian. En EEUU los aspectos religiosos se han desatado: creacionistas contra evolucionistas, antiabortistas, etc. Los religiosos cristianos americanos se han presentado (en general) cerca de los intereses del Estado y su guerra contra el terrorismo, por lo que se convierten en el perfecto objetivo para esta película. Y dicho y hecho: Neumeier carga contra este estamento y dirección que toman sus conciudadanos con bastante mala baba, cosa que se agradece y se convierte en lo mejor de la película. El resto, sencillamente, se deja ver, vacío y entretenido, pero sin más.

Creo que la película original forma parte de una trilogía de Verhoeven sobre el futuro de la Humanidad, compuesta, lógicamente por Robocop, Desafío Total y Starship Troopers, y recomiendo su visionado en ese orden, ya que todas ellas me parecen grandes películas. Pero ninguna de las secuelas de éstos films (excepto de Desafío Total, que no tiene), ha llegado a ser lo que las cintas de Verhoeven llegaron a ser, pero eso no quiere decir que no puedas pasar un buen rato, perdiendo el tiempo tirado en el sofá viendo Robocop 2 o Starship Troopers 3 (sólo estas dos).

VALORACIÓN: 3 UNIDADES APROVECHABLES

+Lo más aprovechado: Los clips que presentan La Federación y su sociedad militarista, muy interesantes y divertidos.

+Lo Más destacado: el Mariscal Omar Anoke y su canción (ver vídeo a continuación).

-Lo Más Desaprovechado: El hecho de que tenga poco presupuesto y salga directamente a DVD, perjudicada claramente por su predecesora.

¿Éxito o fracaso? Teniendo en cuenta que ha salido directamente a alquiler y compra en DVD allá donde seha lanzado, es muy difícil obtener datos específicos sobre su éxito, aunque no creo que llegue muy lejos.

Ficha en IMDB. Nota: 4,6.

Trailer:

Canción de Omar Anoke: It's a Good Day to Die (con imágenes de la película)

Canción de Omar Anoke: It's a Good Day to Die (con letra y sin imágenes)

Vídeo de ¡Alistate en la Flota!¡Te Necesitamos!

WALL-E, de Pixar. No hay nada más que añadir.

2008-12-29T04:33:00.003+01:00

"Sólo necesitabas que alguien cuidara de tí".

Ví Wall-E hace bastante tiempo, antes de abrir el blog y parece mentira que me halla resistido a hacer la crítica de la que considero mejor película de 2008. Aprovechando que me han regalado el DVD estas navidades (gracias Dunia) y que he vuelto a verla, pasado un tiempo de su estreno y el impacto que me produjo, voy a hacer esa crítica ahora.

Wall-E no se parece en nada al resto de películas de Pixar, de hecho, no se parece en nada a ninguna otra película y ése es uno de sus grandes aciertos. Bueno, teniendo en cuenta que tiene múltiples referencias a películas de ciencia-ficción, debería aclarar este punto: Wall-E es una película diferente a las demás, no es que no se parezca a otras, tiene elementos comunes al propio lenguaje cinematográfico que plantea, a las situaciones de comedia, a los efectos de sonido de otras cintas, a personajes de otras películas... pero es diferente, es una obra autónoma, mucho más adulta que el resto de películas de Pixar y completamente diferente a cualquier otra película estrenada este año.

Me recuerda a lo que fue 2001: Una Odisea en el Espacio en su momento, aunque teniendo en cuenta que su público debería ser infantil y familiar, su lenguaje, a priori, es mucho más accesible que el de la obra maestra de Kubrick. Y esto no es malo. Seguramente conoceréis a mucha gente que se aburrió viendo 2001, esto no pasará con Wall-E. Es muy posible que encontréis a espectadores que no entendieron el mensaje de 2001, esto tampoco pasará con Wall-E. Es una obra de arte para todos los públicos, pero sigue siendo una obra de arte.

En los tiempos en los que Pixar estaba terminando Toy Story, el primer largometraje hecho en animación digital, las grandes cabezas pensantes de la compañía (John Lasseter, Andrew Stanton y otros) tuvieron una reunión en la que perfilaron ideas para películas futuras, incluyendo Bichos, Monstruos SA, Buscando a Nemo y Wall-E. Ahora bien, no descubriré a nadie la increíble grandeza de este estudio y de las obras que surgen de él, los títulos que he nombrado lo atestiguan, tanto por calidad como por popularidad. Pero si el tiempo ha marcado el desarrollo de Pixar como empresa, también lo ha hecho con sus obras y Wall-E es el mejor ejemplo. Teniendo en cuenta el cambio climático y las consecuencias de la sociedad de consumo, que bien podrían haber estado presentes en la idea original de Wall-E, han optado por dirigirla a un público más global, más grande y mayoritario, no sólo a los niños. Han incluído por primera vez referencias directas a eventos actuales (la imagen del presidente de B&L, la macrocorporación que dirige los designios humanos en Wall-E, recuerda tanto en forma como en tono al presidente George Bush y aunque no es algo directo, es claramente intencionado) y a preocupaciones actuales. Eso es importante en un estudio familiar como Pixar.

Wall-E presenta un planeta inerte, yermo y deshabitado sin contar al último robot y a la cucaracha que le acompaña, cubierto de basura compuesta por trastos inútiles, que ha sobrevivido al paso de los años por la desaparición de toda vida en el único planeta con vida que conocemos. Es uno de los comienzos más arriesgados y tristes que se han visto en una comedia familiar, ya sea de animación o de imagen real. Aunque descubramos de forma concisa y divertida la vida y la personalidad de Wall-E en los primeros minutos, es difícil no pensar en la absoluta tristeza del mundo en el que vive y trabaja. Los humanos, presentados como consumistas a los que no les importa el dinero (ni a la empresa que les suministra todo tampoco, ya que el objetivo es el control absoluto de la civilización, otra idea bastante alejada del público infantil y que subyace por toda la cinta), el trabajo, ni el universo que les rodea... están tan consumidos por su sociedad de incomunicación (no se tocan y sólo se comunican mediante pantallas, la secuencia en la que dos humanos, hombre y mujer, se tocan por primera vez es tan simple como efectiva) y abotargados por ofertas de ocio que han dejado de satisfacerles. Incluso aquellos que tienen acceso a la información, como el capitán del Anxiom, no hacen uso de ella y sólo, cuando por casualidad se encuetra con esa infromación, cuando comienza a comprender cosas y a emplearse activamente por cambiarlas (otro mensaje subyacente y efectivo, subrayado por la sintonía de Así hablo Zaratrusta). También los robots que sirven a los humanos comienzan a pensar por sí mismos con la interacción de Wall-E, que aislado del resto ha desarrollado una personalidad propia (la escena en la que el pequeño robot M-O, que se dedica a limpiar de contaminantes externos todo lo que pilla, decide saltarse literalmente la línea establecida es igual de eficaz que las anteriores y tremendamente importante en la película).

Tal y como decía el psicólogo encargado de los prisioneros de los Juicios de Nurembreg, que se propuso definir la maldad, "el mal es la falta de empatía", y cuando los personajes, humanos y robots, de Wall-E comienzan a interactuar directamente unos con otros, es cuando comienzan a vivir de verdad ("no quiero sobrevivir, quiero vivir" dice el capitán).

Por otro lado está la historia de amor de la película. Una relación que podría haber incitado a las iras del público más extremista, porque es una relación asexual (va mucho más allá del tema homosexual o multisexual, ya que ni Wall-E ni Ev-E tienen sexo como tal), pero está contada de tal forma que le resultaría emocionante hasta al más enconado de los extremistas religiosos. Como justificación, y es algo que se pierde en el doblaje español (no voy a entrar a discutir sobre si el doblaje es adecuado o no en este momento, lo dejo para otro artículo), Wall-E malinterpreta el nombre de Ev-E y es a partir de ahí cuando comienza su enamoramiento de "ella" (Wall-E es incapaz de pronunciar el nombre de Ev-E correctamente y lo pronuncia con una A final alargada, para cubrirse muy inteligentemente las espaldas los autores, algo que se agradece). Una historia de amor sin más palabras que los nombres de sus protagonistas e "instrucción" ("directive" en inglés). All you need is love, vaya. Todas estas cosas convierten a Wall-E (también) en la película perfecta para una primera cita. Nada de azúcar y diálogos rebuscados para expresar sentimientos, esto robots lo hacen todo con apenas dos ojos, dos manos, y un diseñador de sonido en la cúspide de su creación.

Ben Burtt. No se cuántos Oscars y premios técnicos acumula este hombre, pero como este año no se lleve el correspondiente en los Oscars será el robo más descarado desde los efectos especiales a Titanic en vez de a Starship Troopers. Su trabajo en esta cinta es sencillamente increíble (junto con TODOS y digo TODOS los demás departamentos), dando voz a Wall-E sin usar ninguna voz humana, sino sólo sonidos electrónicos y alterados. Y se le entiende perfectamente. Sencillamente espectacular.

Todo esto en una hora y media, con 45 minutos sin diálogos, un ritmo perfecto y unas dosis de comedia slapstick perfectamente engarzadas hacen que la película sea un evento a no perderse, un "must-have" de ésos que hablan los yankis. Y después de la película todavía nos regalan con los títulos de crédito finales, entre los mejores de toda la historia del cine, que hacen un repaso a la historia de la pintura y sus estilos al tiempo que nos cuentan el renacimiento de la raza humana (no os los perdáis y volved a verlos si los dejásteis antes de tiempo). Aún está abierta la polémica sobre si debería o no ser nominada a la Mejor Película y no sólo a Mejor Película de Animación, algo que apoyo completamente, dado que sin duda es la película del año.

Esta vez, Pixar va a tener realmente difícil superarse, aunque ya he dicho esto otras veces.

VALORACIÓN: 6 UNIDADES APROVECHABLES (+1)

+Lo Mejor: Todo. Todo y TODO.

+Lo Más Aprovechado: El Sonido de Ben Burtt, pero sin despreciar la increíble labor de animación y del resto de departamentos, ya que está cerca de ser una película perfecta.

-No hay nada negativo, así que no lo busquéis en esta crítica.

¿Éxito o fracaso? Éxito, como todo lo que hace Pixar hasta la fecha, casi 650 millones de dólares en todo el mundo lo atestiguan.

Ficha en IMDB (nota 8,6)

Trailer de Wall-E:

Vídeo de Ben Burtt sobre el sonido de Wall-E:

Vídeo de SBARTSV sobre apariciones de Wall-E en las anteriores películas de Pixar:

Entrevista a Ben Burtt en elmundo.es

2010: Odisea dos. (1984) Ciencia-Ficción DE VERDAD.

2008-12-21T22:12:00.003+01:00

2010: Odisea dos (Peter Hyams, 1984) no es la segunda parte de 2001: Odisea en el Espacio (Stanley Kubrick, 1968), es una adaptación del libro de Arthur C. Clarke, y, desde luego, una aproximación mucho más cercana a la visión del autor que la de Kubrick.

Sé que es algo tópico el hablar de 2001 como una de las obras cinematográficas más GRANDES de la historia del Cine, pero personalmente es mucho más: es la película más diferente de todas las que se han visto alguna vez por la gran pantalla. No hay comparación posible, salvo con obras musicales, tal y como pretendía su autor. Por eso, voy a dejar de citar 2001 en esta crítica, espero que los fanáticos de Kubrick lo comprendáis ;D

2010: Odisea dos, tanto la novela como la película, fueron creadas en un tiempo antiguo, siniestro, lleno de miedos y responsabilidades, conocido como "La Guerra Fría", para aquellos lectores que nacieron después de la caída del Muro de Berlín o que eran demasiado pequeños para recordar lo que fue la URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas). El hecho de que el mundo estuviera dividido en dos bloques y sitemas diferentes y rivales, era algo que había acompañado a la ciencia-ficción desde los inicios de sus años dorados, por lo que muchas obras literarias y cinematográficas estaban ampliamente influídas por la existencia de un bloque comunista tan influyente y poderoso como lo era el capitalista. Entre éstas obras, hay algunas que destacan por el hecho de que, si bien contemplan la existencia de la URSS, su mensaje se centra en cuestiones que están por encima de la división de bloques (caso de una de las obras magnas del género, como Contact, de Carl Sagan y Ann Druyan). La novela de Arthur C. Clarke pertenecería a éste grupo, pero la película no podía permitirse tantas distancias, lo que es la mayor diferencia entre la novela y la película y es un punto, que, una vez tenido en cuenta antes de ver la cinta, favorece su visionado y su mensaje.

"My God! It's full of stars"

La expedición conjunta soviético-americana para discernir qué ocurrió en la expedición de la nave Discovery, que guiada por la computadora Hal 9000 se encontró con un misterioso monolito gigante, orbitando alrededor de Júpiter y terminó con la muerte de varios astronautas y científicos y la misteriosa desaparición de Bowman, que acabaría por (en la de Kubrick seguir los pasos de la evolución del ser humano hasta su siguiente salto) transformarse en un ser etéreo y atemporal, se encuentra con varios pasos interesantes en su viaje. El primero, fundamental, es el hallazgo de una forma de vida en Europa, el satélite joviano dominado por los hielos. El segundo, es la unión y comprensión entre los miembros de la expedición, mientras sus países respectivos se enfrentaban a una destrucción total del ser humano en el planeta Tierra (se hace referencia varias veces a este hecho con una línea de diálogo concisa: "espero que tengáis un planeta al que regresar"). También está el significativo hecho de que, una vez reactivado Hal, por uno de los mejores personajes de la cinta, el Dr. Chandra (Bob Balaban), se inicia un proceso de reconocimiento y comprensión de los humanos sobre la, hasta el primera hallazgo del monolito en la luna, única conciencia no humana existente en el Universo, algo fundamental para comprender las decisiones de los personajes y el mensaje de la cinta. Por último, tenemos las acciones del monolito gigante, que no permite que los humanos se adentren en lugares que están prohibidos para ellos, pero que también se ayuda de Bowman en su nuevo estado para lanzar mensajes e interactuar con los personajes.

La película, alejándose de las producciones de ciencia-ficción habituales en el cine americano, pero sin llegar a los extremos de 2001 (vaya, he vuelto a citarla), entra dentro de un estilo que, cuando funciona, es enormemente placentero para los seguidores de la literatura de ciencia-ficción, algo que se produce muy pocas veces sin verse manchado por la hibridación de los géneros cinematográficos, lo que constituye el gran acierto de la cinta. Es una película de ciencia-ficción pura, no una cinta de acción, catástrofes o terror con una ambientación de ciencia-ficción.

El mensaje final, enormemente positivo e inspirador, es ligeramente diferente al de la novela, ya que incluye una variación orientada hacia la Guerra Fría que citaba antes, lo que disminuye el impacto para las nuevas generaciones, pero no desmerece el resultado, ni el mensaje.

Sinceramente, me gustaría ver más películas que sigan esta dirección, aunque hay varios ejemplos que hacen que, de vez en cuando, el género regrese momentáneamente a nuestras pantallas. Por poner un ejemplo, en el tráiler de la nueva versión de Ultimátum a La Tierra, podemos ver secuencias de destrucción masiva, elementos de terror e, incluso, acción, que puede o no estar en la cinta (ya que un tráiler es elemento de márketing y no un resumen de la película), pero que la alejan del estilo ciencia-ficción pura y dura, filosófica y humanista que sí tiene 2010: Odisea dos.

Ya había visto esta película hace muchos años, pero no la recordaba y, desde luego, la situaba muy por debajo de la de Kubrick (última vez que la cito, lo prometo), simplemente por el hecho de que la otra es taaaaan diferente, pero su revisionado, junto con otra restrospectiva reciente que tengo, "Cosmos" de Carl Sagan, probablemente la mejor serie divulgativa de la historia, han hecho que mi visión de la película del artesano Hyams gane muchos enteros. Espero que se sigan haciendo películas así, aunque sea una cada muchos años.

Valoración: 5 UNIDADES APROVECHABLES

+Lo más aprovechado: el mensaje y el estilo de la cinta, algo difícil de ver en el cine de género.

+Lo mejor: Que los efectos especiales están a la altura de los personajes, pero nunca por encima (y los actores, que están muy bien, destacando Bob Balaban, John Lithgow, Helen Mirren y Roy Scheider).

-Lo Peor: Que el mensaje final se vea empañado por la ya inexistente Guerra Fría.

¿Éxito o fracaso? Apenas dispongo de datos sobre el recorrido comercial de la cinta, pero recaudó 40 millones $ en EEUU y fue la película nº17 de ése año, por lo que presupongo que, si bien no fue el éxito del año, tampoco fue un fracaso descomunal. Me quedo con la expresión "éxito moderado".

Ficha técnica en Imdb.

Datos en BOXOFFICEMOJO.com

Traíler

Secuencia final de 2010: Odisea Dos.

Crepúsculo. Vampiros buenos, chicas enamoradizas, público masculino desconectando...

2008-12-21T19:24:00.003+01:00

Debo estar haciéndome mayor, porque no conocía la novela que ha vendido miles de millones de trillones de gritones de copias y se ha convertido en un nuevo Harry Potter, esta vez para adolescentes (de inicio, quiero decir)...

Una vez vista la película, tengo que reconocer que la historia en sí tiene un gran punto a su favor (siempre desde el punto de vista de producción): está dirigida, casi exclusivamente, a las adolescentes. Teniendo en cuenta que fue el fenómeno adolescente-femenino el que hizo que Titanic se convirtiera en La Película, en cuanto a recaudación (se puso de moda, sobre todo entre las adolescentes japonesas el ir a ver no una ni dos, sino cinco y seis veces, en grupo, con la pareja, solas, de nuevo en grupo, con una nueva pareja, etc.), a cualquier productor de Hollywood se le activarían los procesos salivales al pensar en semejante público objetivo. Ni siquiera los millones de fanáticos de El Señor de los Anillos, entre los que me encuentro, representa un público tan atractivo para un productor, principalmente porque las películas cuestan mucho más y encima el público es mucho más combativo (hemos tenido 50 años para estudiarnos hasta el último adjetivo de la última frase de los apéndices).

Resumiendo, esta película está enfocada (casi) exclusivamente a las adolescentes (y a sus novios, amigos pagafantas, etc. que, por otro lado, tendrán infinidad de ocasiones de devolverles el favor llevándo a sus novias y amigas a ver películas enfocadas para ellos) y, como es mi caso, si no perteneces a ése grupo, te estarás perdiendo emociones, sentimientos y reacciones generadas por el excesivo azúcar de la cinta.

Es una película barata, en principio, con efectos especiales simples pero efectivos, una estética entre la MTV y el misticismo gótico, llena de diálogos planos o azucarados hasta el punto de producir diabetes en un organismo no preparado al efecto (casi exclusivamente esas dos categorías, salvando alguno con intenciones humorísticas) y predecible a más no poder, incluso anticipando tramas para las más que seguras secuelas.

Hay cosas que no pude distanciar del hecho de ser consicente de lo que estaba viendo, como la caracterización de los vampiros o la necesidad de la directora de mover la cámara hacia las ramas de los árboles cercanos, los reflejos en el agua, las estrellas, etc. que llegaron a hacerme desear arrancarme los ojos en algún momento de la película.

No obstante, estoy seguro de que es una película efectiva para su público objetivo, lo que siempre es algo a destacar en una cinta, pero no creo que vuelva a verla o interesarme por sus secuelas.

Valoración: 3 UNIDADES APROVECHABLES. (más si eres una chica adolescente interesada en los vampiros, claro, o una fanática del libro)

+Lo más aprovechado: El bosque que sale en la cinta, muy bien fotografiado.

+Lo mejor: que funciona como producto

-Lo menos aprovechado: Los secundarios adultos, incluyendo al padre, que simplemente es un secundario cómico.

-Lo peor: ramas, estrellas, reflejos en el agua, etc. innecesarios salvo para hacer que las canciones cuadren con la imagen y permitir los comentarios entre las espectadoras.

¿Éxito o fracaso? Éxito rotundo y cuánto más pronto hagan las secuelas, más éxito tendrán.

Ficha en IMDB.COM

Datos de la recaudación en BOXOFFICEMOJO.COM

Trailer:

La Ola (Die Welle) - Concienciación mainstream

2008-12-01T19:01:00.005+01:00

La Ola (Dennis Gansel, 2008) es una película alemana que podría ser enclavada dentro de un subgénero de nueva creación, el experimento social en el mundo actual (se aceptan nuevos nombres, estudiosos del cine), que se inició en Alemania con, precisamente, El Experimento (Oliver Hirschbiegel, 2001). Se trata de películas que intentan expresar los riesgos para la sociedad actual de creer ya superados los peligros del pasado o de la propia moralidad esquiva del ser humano.

En este caso nos encontramos con un experimento basado en un hecho real, acontecido en 1967 en EEUU, sobre el poder de la autocracia sobre el ser humano y la posibilidad de que cualquiera comience a formar parte de un movimiento similar al fascismo nazi, con el añadido de hacerlo en un instituto de secundaria en la Alemania actual. Este punto de partida es muy interesante, pero la película se encuentra con el problema de no poder profundizar en las reflexiones que plantea por dirigirse a un público mayoritario y particularmente adolescente. No obstante, es una buena película, que será muy interesante para el público adolescente o joven, pero que no por tener ése público objetivo, puede perder a un público más adulto. Me explico: es imposible, con un tema como éste, el separar el mensaje del público. No puedes profundizar demasiado si intentas hacer de tu película un producto mainstream, que alcance al mayor número posible de jóvenes y les conciencie sobre lo que pretendes y al mismo tiempo profundizar demasiado sobre lo que planteas, porqe perderás a tu público objetivo. Los adultos que necesiten reflexiones más profundas sobre el tema quizás se sientan un poco decepcionados con el desarrollo final de la cinta, lo que puede representar un problema para su percepción de la película, pero no necesariamente hace que esta pierda efectividad.

El relato está apoyado por un grupo de actores jóvenes bastante interesante, una puesta en escena eficaz y un guión correcto, pero que tiene un final precedible, tanto por el desarrollo del propio guión como por las características de la historia tratada, lo que hizo que el sabor de boca que me dejó fue ligeramente peor que el que me mantuvo a lo largo de la película, pero que es comprensible, incluso perdonable.

Resumiendo, es una película interesante, que necesitaría de una versión más adulta para ser completamente fiel a lo que promete, pero que cumple perfectamente con su público objetivo.

Como era de esperar, ha sido un éxito masivo en Alemania y probablemente sea una de las películas europeas del año en el mercado internacional. Parece que el subgénero del que hablaba al principio es un buen argumento comercial, loq ue bajo mi punto de vista, es algo positivo.

VALORACIÓN: 4 UNIDADES APROVECHABLES (5 si tienes entre 13 y 20 años ;D).

Lo más aprovechable: El punto de partida, muy interesante. También el grupo de actores jóvenes, casi todo el reparto en realidad.

Lo más desaprovechado: La posibilidad de hacer una reflexión completa y profunda sobre un tema tan interesante, pero es algo comprensible viendo el público al que va dirigida.

Gente que se merece un oscar (y no lo recibirá nunca). Capítulo 1: Jackie Chan

2008-11-25T19:05:00.003+01:00

Jackie Chan, sí habéis leido bien. Este tipo, nacido como Chan Kong Sang hace 54 años se merece uno de los puestos del olimpo cinematográfico.

Antes de que penséis que me he vuleto completamente loco, deberíais hacer un repaso a su carrera (imdb.com) para comprobar que ha hecho 95 películas 8alguna en producción) como actor, 31 como productor, 17 como director, 11 como guionista... e incluso ha compuesto 6 bandas sonoras. Eso sin tener en cuenta su carrera como especialista fuera de sus propias películas. Si tenéis en cuenta a muchos de los actores y actrices, productores y directores, que conocéis y admiráis, muchos de ellos posiblemente ya con un oscar en sus manos, veréis que no habían hecho ni la mitad de las películas que ha realizado Jackie Chan a la edad de Jackie Chan. Ahora bien, seguro que habrá algunos del grupo "mejor calidad que cantidad" y, si bien es cierto que mi defendido no ha hecho ningún Ciudadano Kane, ni una Casablanca, ni ha tenido personajes tan profundos como los de cualquier película de Bergman, ha realizado algunas de las mejores películas de acción y artes marciales, el único género que ha explotado (sin contar su carrera en EEUU, aunque...bueno, vale, contando su carrera en EEUU), desde películas de venganza duras hasta las mejores comedias de acción orientales. Os gusten estas películas o no, este hecho es una marca diferenciadora de otras grandes estrellas, tanto en su propio género, como en otros. Quiero decir ¿era mejor candidato para un oscar Bela Lugosi por sus eternos papeles de monstruo? ¿o Charles Bronson por sus eternos papeles de duro? ¿o Meg Ryan por sus contribuciones a la comedia romántica? Pues sinceramente... no. Sé que no estoy defendiendo a un Lawrence Olivier, ni a un John Ford... pero no lo pretende. Ha logrado ser el más grande cineasta de acción oriental, no ya sólo por su cantidad de películas y calidad distintiva de la media, sino por seguir el deseo de hacer las escenas más elaboradas, espectaculares y complejas de toda la historia de las películas de acción.

Hoy en día podemos ver grandes secuencias de acción, con cientos de planos o fondos generados por ordenador, eliminación de cables de seguridad y postproducción general por un tubo. es cierto que hay películas actuales que han apostado por ahcerlo todo lo más real posible, como La Jungla 4.0 (Len Wiseman, 2007) o El Caballero Oscuro (Christopher Nolan, 2008), para huir de las escenas masivas de ejércitos CGI y persecuciones a lomos de dragones o de lianas ayudados por monos, tan habituales en el cine de acción y aventuras actual, diseñadas buscando una espectacularidad sin límites, pero que pierden en parte esa espectacularidad que buscan al resultar demasiados saturadas por el ordenador si no completamente falsas.

Jackie Chan busca hacer la secuencia REAL más elaborada, compleja y espectacular posible. Y la mayor parte de las veces lo consigue. Esto se refiere no ya sólo a utilizar cables de sujección para volar por los aires, sino ni siquiera elementos de protección básicos, ni trucos ópticos ni de procesamiento digital (ahora sí fuera de su carrera en EEUU), ni por supuesto dobles de ningún tipo. Esto, en la práctica, sobre todo en las escenas planteadas por Jackie Chan, se convierte en innumerables huesos rotos, lesiones musculares, heridas abiertas, conmociones cerebrales y demás, con la subsiguiente parada del rodaje, retraso de la entrega y aumento de costes económicos (en los humanos ya no entro)... todo para hacer el plano perfecto.

Además, si pensáis que si cine es minoritario y que a pesar de que nos lo pongan constantemente en TVE, Antena 3, La Sexta y, ultimamente Cuatro, tened en cuenta que muchas de sus escenas han inspirado otras que sí reconoceríais en películas americanas mainstream, cuando no han sido directamente fusiladas.

Un ejemplo: la escena de la persecución de coches en Police Story (Jackie Chan, 1985), que podéis ver a continuación:

Con esta otra de Dos policías rebeldes 2 (Michael Bay, 2003):

Además de romperse todos los huesos del cuerpo, convertirse en una estrella admirada en su país y en todo el mundo (pese a quien pese) y en un director y productor de éxito (sus películas casi siempre dan beneficios en su sector), Jackiesiempre tendrá algo que sus rivales no poseen, su aportación al cine particular: Todas las acrobacias de Jackie Chan tienen su origen en su admiración por el cine slapstick que veía de pequeño y su gran admiración, que ha hecho pública varias veces, de los especialistas americanos, sobre todo los que se dedicaron al western y a las acrobacias sobre caballos. Y hoy en día es el único representante en todo el cine que se dedica a hacer precisamente eso, sin cortarse a la hora de hacer homenajes a los clásicos, como esta secuencia (sobre todo el minuto 4:54) de Proyect A para la que hizo ¡3 tomas! sin especilistas, ni colchenta, como podréis comprobar (lamentablemente sólo la he encontrado en alemán):

Así, por entretenernos, asombrarnos, divertirnos y representar lo poco que queda de un cine espectacular (basta recordar nombre como los de Buster Keaton o Harold Lloyd), cre que Jackie chan se merecía este primer capítulo de "Gente que debería ganar un Oscar honorífico...y nunca lo recibirán"

Y aquí os dejo unos cuantos vídeos que terminarán de convenceros:

LA HORA FRÍA (2006). Silke, no gracias, no gracias.

2008-10-21T03:28:00.003+02:00

La Hora Fría, del director Elio Quiroga es una más de entre las miles de películas fantásticas o de terror que hablan sobre el fin dle mundo. Teniendo en cuenta que, a mí personalmente, este tema y este subgénero me encantan, podría decirse que es una película interesante para el que escribe, y así lo era, en un principio. Hay que decir que no tuve tiempo de ir a ver esta película al cine cuando la estrenaron, porque antes de que descubriera que se estrenaba ya la estaban quitando de las salas, uno de los grandes males del cine español y algo en lo que no mucha gente parece fijarse. Se acepta como un hecho: si la película (española) no hace un taquillón el primer día, desaparecerá de la cartelera como las ilusiones de los aficionados de la Real Sociedad (entre los que me encuentro), o más rápido si cabe.

Así pues, tenemos una película de género, con toques de ciencia-ficción, una postproducción (supuestamente) compleja, etc. y entre las manías del exhibidor y el poco riesgo de los distribuidores (si quieres ganar dinero con el cine, al menos en España, hazte distribuidor) a sabiendas de que sólo adelantan la pasta y la recuperan antes que nadie, pues... no tenemos nada.

Y eso que todavía no he empezado a criticar la película.

Partiendo de la base de que casi nadie a podido verla en el cine, no entraré a valorar si ha sido un éxito o no. También desconozco su presupuesto, pero con sólo 28 copias en todo el territorio nacional, pocas posibilidades tenía de convertirse en un gran éxito, la verdad.

Pasemos a la película. Es interesante que se haga un planteamiento como el que nos ocupa dentro de nuestra industria plagada de dramas sociales y comedias (también "sociales", diré), partiendo de un nada velado homenaje al maestro Carpenter: un grupo de 8 personas, entre los que se encuentran un niño y una adolescente, sobrevive en un sótano de un bunker, rodeados de "armas biológicas vivas" que contagian su enfermedad con sólo tocarte pero no mueren de ella ("Los Extraños") y seres luminosos que llevan el frío por donde pasan ("Los Invisibles"). En fin, eso, de por sí, es, al menos, tan interesante como los habituales remakes de terror que nos llegan desde EEUU.

La película adolece de muchas cosas: los actores (con la única excepción de Nadia de Santiago, que está, como suele ser habitual, bastante suelta y resulta mucho más creíble que los demás), sobre todo en el caso de Silke (MODO PETER GRIFFIN ON: Prefiero que nos pongan un nuevo impuesto para darte de comer que seguir viendote ¿actuar? MODO PETER GRIFFIN OFF) y de varios de sus compañeros adultos, no daré nombres, no hace falta, son EL RESTO (aunque he de decir que, además de Nadia de Santiago, sólo respetaría el trabajo, inconstante, eso sí, del niño protagonista y de Pepo Oliva). En este caso no ya por la, habitual, falta de dicción de los actores españoles, sino porque resultan imposibles de creer en un entorno postapocalíptico como el que describe la película. Tampoco resultan muy destacables las escenas de acción, aunque me molestaron mucho menos que las interpretaciones. Por último, el interés del guión viene y va, dejándose en el camino la profundidad que podrían tener algunos personajes y que terminan por quedarse en nada.

El director, no obstante, consiguió, por momentos, resultarme interesante con la cámara (acción aparte) y su montador tiene algún momento realmente inspirado. En cuanto a la fotografía, retocada con filtros en postproducción, también cumple perfectamente su función.

El mayor problema de la película consiste en quedarse en un quiero y no puedo, no ya tanto por la falta de presupuesto (que también, pero esto se le presupone al cine español de género), sino por el poco desarrollo tanto de los personajes como de la situación en la que se ven inmersos (no es que necesite una justificación para todo lo que ocurre, pero si empiezas a darla, no te quedes a medias).

Así pues, una película española diferente, dentro de lo habitual, lo que resulta muy admirable (me interesó tanto que es la segunda película española del año pasado que veo, la otra es REC), que entretiene por momentos, aunque nunca llega a asustar o crear una tensión creciente, pero he visto bodrios mucho peores, la verdad.

Lo único que nos queda es rezar porque si alguien tiene la bendita idea de hacer películas de este género, las empiecen a tratar un poco mejor a partir de ahora los señores productores y, sobre todo, los señores distribuidores.

VALORACIÓN: 3 UNIDADES APROVECHABLES

Lo Mejor: El final, curioso aunque hubiera sido mucho más impactante si se hubiera profundizado más en la situación en la que han quedado estos personajes. El hecho de que se haya podido hacer con cuatro duros y además tener una postproducción de 10 meses: los efectos funcionan, no es Starship Troopers, pero no "cantan".
Lo que la hunde (del todo): Silke.
Lo aprovechado entre lo desaprovechado: Nadia de Santiago y los decorados.
Lo más triste: que casi nadie se enterase de que se estrenó.

Death Race. La Carrera de la Muerte. Remake de otros tiempos.

2008-10-16T13:00:00.004+02:00

Las diferencias existentes, tanto a nivel argumental como estético, entre Death Race (Paul WS Anderson, 2008) y la original Death Race 2000 (Paul Bartel, 1975) son notables. Obviamente, el hacer un remake de una de las películas más violentas, extrañas y a contracorriente de entre las producidas por el Genio de la Serie B y los bajos presupuestos, Roger Corman, entraña, en los tiempos del conformismo, la correción política y las buenas maneras, un problema difícil de resolver. Así, la Death Race de 2008 ya no es una película en la que los atropellos tengan una importancia relevante, sino sólo la competición pura y dura entre reclusos que disponene de una oportunidad de evadirse de sus condenas participando en carreras de coches armados hasta los dientes, disparándose misiles y ráfagas de metralletas para el disfrute de los millones de espectadores que lñas siguen a través de la red y el engorde económico de la organizadora de la carrera interpretada por Joan Allen. Ya nada queda de la Carrera Transcontinental de la de Corman y Bartel, salvo el nombre del corredor protagonista (Frankenstein, en la original David Carradine, en la nueva Jason Statham) y el hecho de que al público le entusiasma ver coches estrambóticos persiguiéndose a toda velocidad e intentando destruírse unos a otros. He de decir, una vez vistas las dos, que disfruté mucho más con el cartón piedra de la original que con los coches tuneados a medio camino de A Todo Gas y Mad Max de la versión de 2008. La razón es simple: mientras la antigua hacía gala de un desprecio total por la vida humana, los valores americanos y el establishment de la producción cinmematográfica de la década, la nueva es un producto apto para casi todos los públicos, que se desarrolla en una cárcel (por lo que las muertes, para el público estadounidense, al menos, están justificadas) y un escenario único, valiéndose de las armas esgrimidas por los videojuegos en lugar de las puramente cinematográficas. Y ésa es la clave. La Carrera de la Muerte del Año 2000 (1975) generó una serie de fans que la elevaron al nivel de película de culto (sin ser, por otro lado, ninguna joya del cine) hasta el punto de que cuando los videojuegos alcanzaron un primer periodo de madurez resultó inevitable el que apareciera uno que permitiera al jugador emular las andanzas de Carradine y Stallone y llegar mucho más lejos. Me refiero, por supuesto, a esa joya que fue Carmageddon, en la que conducías un coche calcado al de Carradine (pero en rojo sangre) y recibías millones de créditos por hacer los atropellos más espectaculares y múltiples, mientras los demás competidores de la carrera hacían lo propio y te perseguían para destrozar tu coche y sacarte de la carretera, aprovechando, además, que el circuito era completamente abierto y podías tomar la decisión de olvidarte de las vueltas y dedicarte a buscar a las ancianitas más desvalidas, los niños más gordos y las multitudes més apetecibles para luego poder repetir la jugada en su sistema de repeticiones multiángulo, a cámara lenta y todo lo que se te ocurriera. Un festín de la violencia, vamos. Por supuesto, las voces más conservadoras y "bienpensantes" de la época lanzaron gritos e injurias de todo tipo hasta que consiguieron su prohibición en numerosos mercados. Aún así, la saga alcanzó las tres entregas, la úiltima de ellas titulada, sabiamente, Carmageddon TDR 2000 (es decir, The Death Race 2000).
El remake que nos ocupa es el término medio entre la brutalidad barata (que no ingenua) de la película inicial y la estética violenta y alocada del videojuego, pasado por el tamiz de la autocensura americana (mucha sangre=poco dinero) y la multitud de videojuegos sobre carreras y coches armados existentes (curiosamente más en 2D que en las nuevas generaciones). Es decir, se queda a medio camino de todo.
Es muy pronto para decidir si esta película ha sido o no un éxito de taquilla, ya que quedan muchos países en los que ser estrenada, pero por las cifras iniciales (coste 45 millones $, recaudado en USA 36 millones $), se puede hablar de un nuevo éxito relativo de Paul WS Anderson, el, para Álex Faúndez (cuya elocuencia para criticar siempre es bien recibida) "hermano tonto de Michael Bay y hermano listo de Uwe Boll", siempre hace películas de presupuesto controlado, que no hacen grandes recaudaciones pero consiguen cubrir gastos y dar algunos beneficios, ocupando un lugar en la industria actual que bien podría celebrar el productor ejecutivo de ambas cintas, el inimitable Roger Corman.

VALORACIÓN: 2 UNIDADES APROVECHABLES

Lo más aprovechable: Algunas espectaculares secuencias de acción y el comienzo del film compuesto por carteles que hablan de a dónde llegará el mundo en unos años.
Lo menos aprovechado: La violencia del film original, que aquí se queda a medio camino, por no hablar de la potencial del relato original, que se queda a medio camino de lograr ser adaptado a un entorno más realista y actual por su estética de videojuego.
Horrible: Que prácticamente cada vez que aparece la protagonista femenina lo haga a cámara lenta y acompañada por una canción que reza "I`m so sexy" (en fin, está muy buena pero si alguien critica a Ben Stiller por hacer chistes sobre retrasados en Tropic Thunder, alguien debería denunciar a Anderson por sexista. No hace falta recalcarlo, Paul, elegiste bien a la chica para lo que querías).

Dungeon Siege: En el Nombre del Rey - Uwe Boll ataca de nuevo

2008-09-25T02:03:00.003+02:00

Dungeon Siege: En el Nombre del Rey (2007) es la mejor película de Uwe Boll. Antes de que penséis que estoy defendiendo la película, me permito recordaros que este tipo es el "autor" de joyas del cine actual como Alone in the Dark o House of the Dead, películas que no recomendaría ni a mi peor enemigo. Habituado a inspirarse en videojuegos para realizar sus películas, Boll, director alemán de tanto prestigio que incluso tiene una página web que recoge firmas para que nunca vuelva a dirigir (http://www.petitiononline.com/RRH53888/ por si queréis firmar) y llegó a retar a sus críticos más despiados a combates de boxeo. Para aquellos que lo comparan con Ed Wood, deciros que al menos Wood no adaptaba sus películas, surgían directamente de su cerebro friki. Un punto a su favor.

Esta película, que tiene un reparto espectacular (Jason Statham, Burt Reynolds, Ray Liotta, Leelee Sobieski, Claire Forlani, Ron Perlman, Matthew Lillard, Kristanna Loken...), una fotografía pasada por todos los filtros digitales disponibles (pero que cumple con creces) y un diseño de producción muy interesante (para el dinero que debía haber), es una película de Sword & Sorcery correcta. Mala, pero correcta, lo que no se puede decir de sus demás obras (he de reconocer que nunca terminé Alone in The Dark, pero lo de House of the Dead es para arrancarte tu propia pierna mientras la ves y quien pueda/quiera pillará la referencia). Cuenta la historia de un granjero, que responde al sencillo nombre de "Granjero" porque cree que uno acaba convirtiéndose en lo que hace, y que llegará a convertirse en rey después de varias peripecias en un mundo a lo ESDLA, rodeado de personajes vacíos y malvados exagerados y aburridos. Y poco más. Dura dos horas y cuatro minutos, en las que podemos ver a algunos de los actores secundarios más respetados haciendo las peores interpretaciones de su vida (se salva Statham y únicamente porque hoy en día es el actor de acción más en forma, porque lo de Ray Liotta y Matthew Lilard es para colgarlos de los huevos y dejar que se los coman los buitres, aunque sospecho que, sobre todo en el caso del primero, la culpa es de su director), cobrando el cheque y a otra cosa. Desconozco el presupuesto de la película, pero no ha superado los 12 millones de dólares de recaudación a nivel mundial, así que no creo que Boll esté nadando en los beneficios de cinta. Quizás le vaya mejor en DVD, ya que es carne de los antiguos videoclubs, donde con una buena portada y una sinopsis escrita por alguien con más talento que el guionista de esta película, te podías llevar cualquier basura a casa, convencido de que al menos pasarías un buen rato. El tiempo lo dirá, pero no apostéis por ella.

Y, la verdad, nada más que decir. Para aquellos que quieran ver algo interesante (sí, de Boll), les recomiendo que vean los primeros minutos de su nueva película, que al menos desprenden un humor basto y gordo que hará que los americanos pidan la cabeza de este director alemán. Me refiero a Postal y únicamente a sus primeros minutos, lo que Uwe Boll describió como "la primera comedia del 11 de Septiembre". Podéis verlo aquí: Primeros minutos de Postal con subtitulos en castellano (YOUTUBE)

No voy a gastar más tiempo ni espacio en poner la ficha técnica, ni los datos de recaudación, pero, por si acaso alguien los quiere saber, podéis encontrarlos aquí:

Ficha Técnica (IMDB): http://www.imdb.com/title/tt0460780/
Recaudación (BOXOFFICEMOJO): http://www.boxofficemojo.com/movies/?id=inthenameoftheking.htm

VALORACIÓN: 1 UNIDAD APROVECHABLE... más o menos.

Lo peor: El Reparto, desaprovechado hasta decir basta, por no decir que alguno no debería volver a ponerse delante de una cámara o subir a un escenario y limitarse a vender, desde esta película en adelante, recopilaciones de música de los 80 en la teletienda.
Inexplicable: Cómo un tipo como Uwe Boll consigue el dinero para hacer esta película, tener a ése reparto, hacerlo mejor que nunca y aún así sólo fabricar MIERDA.
Positivo: La foto, el diseño de producción y la música, además de las coreografías de lucha, sin duda lo mejor de la película, pero más porque seguro que eran buenos profesionales que supieron hacer su trabajo que porque sean realmente destacables. Y Statham, que cumple con su papel de estrella de acción, aunque el pobre vaya de Boll a Paul WS Anderson.

Viaje al Centro de la Tierra 3D - Primeros pasos

2008-09-22T14:31:00.004+02:00

Esta película está pensada y creada para ser vista en 3 dimensiones, única y exclusivamente. Las personas que hayan ido a verla en dos dimensiones habrán pensado que es la mierda más infumable de la historia del cine de aventuras. Incluso después de verla en 3D alguno de mis amigos pensaba que había perdido el tiempo. No les culpo. sin embargo, merece la pena distanciarse un poco de la película en sí para ver lo que es realmente interesante de este proyecto.

En la época en la que podemos ver películas en nuestra casa con una calidad casi comparable a la de las salas, un proyecto como este representa una evolución muy importante. Desde el cine sonoro, las salas habían sufrido pocas mejoras, teniendo que esperar a los años 80 para encontrarnos con cambios en el sistema de sonido, gracias a las nuevas técnicas digitales. Pero en el caso de la imagen, el único cambio en toda la historia que realmente ha tenido éxito es el paso definitivo al color. Todos aquellos experimentos de pantallas más grandes, varias pantallas, o un sistema de olores que nunca funcionó, acabaron por abandonarse (aunque algunos sirvieron como base para continuar las mejoras). Incluso los primeros intentos en 3D sólo habían conseguido marear al público, no mejorar el espectáculo en sí. Con la llegada del IMAX y la posibilidad de ver imágenes en 3D reales, las cosas cambiaron un poco, per sólo un poco, hasta que los productores norteamericanos, quién si no, empezaron a apostar por el sistema de las 3 Dimensiones. El año pasado tuvimos la suerte de poder ver Beowulf en ése formato, habiendo sido creada, además, directamente en 3D. La verdad es que la película me gustó, me pareció correcta y a ratos espectacular, pero con lo que salí realemente emocionado fue con el nuevo sistema. En el caso de Viaje al Centro de la Tierra la sensación fue similar, aunque con peores resultados. En este caso estamos ante una película de imagen real, grabada, pensada y proyectada en 3D, no en una película de animación, como el caso anterior.

El éxito en taquilla de ambas cintas, sobre todo la que nos ocupa, hace pensar que veremos muchas más en este formato. Hace tan sólo un año, la cantidad de salas 3D en USA no llegaba al millar, pero para e estreno de la película protagonizada y producida por Brendan Frases, pudo disfrutar de un parque de 1400 salas en el país de las barras y estrellas. El resultado, casi 100 millones de dólares sólo en esas salas, sin contar lo que ha recaudado en su versión "capada" en 2D, hacen que éste sea uno de los mejores años en la carrera de Fraser (su otro éxito del año es la conservadora, por el poco riesgo, La Momia 3: La Tumba del emperador Dragón, que ha tenido unas recaudaciones espectaculares en el mercado internacional) y, presumiblemente, veremos continuaciones de los viajes del paleogeólogo en busca de la Atlántida. Esto, en sí mismo, representa que hay una nueva forma de atraer al público a las salas, justo cuando las recaudaciones y el interés del público decaían en todo el mundo (salvo con excepciones como la maravillosa El Caballero Oscuro), además de ser el único formato cinematográfico imposible (por e momento) de piratear (me refiero a la posibilidad de verla en 3D en tu casa, no de verla en 2D), lo que hace que veamos cómo los productores estadounidenses sí piensan en cómo adaptarse a los nuevos tiempos, lo que no puede decirse de los nuestros, empeñados en culpar a la piratería de la falta de interés del público y no hacer nada por mejorar la percepción de los españoles sobre su cine. De nuevo, el público no importa para nuestra pequeña industria. El primer error de una larga lista.

La película en sí es apropiada para los niños, claramente su público objetivo, no tanto para aquellos que tengan inquietudes diferentes, buscando historias y personajes más desarrollados. Es un espectáculo lleno de escenas de aventuras, saltos, peligros y efectos especiales que hará felices a los más pequeños. No hay casi desarrollo de personajes y la trama avanza con una rapidez increíble, sin tiempo para pararse a pensar, con su ajustada duración (en este formato sería imposible aguantar una película de 3 horas, al menos de momento, ya que no estamos preparados para este lenguaje).

Pero la película es un éxito, guste o no al público adulto, y representa los primeros pasos de una nueva técnica que parece afianzarse, poco a poco, y que con las mejoras en las salas de todo el mundo (ya veremos si también en España), cada vez tendrá más posibilidades de expansión y de disfrute. Obviamente no tendría sentido ver una película de Woody Allen en este formato, ya que no busca la espectacularidad, pero los grandes blockbusters americanos pueden tener un nuevo ímpetu comercial gracias a las 3D. Imaginaos ver las secuencias más espectaculares de películas como Transformes, Starship Troopers o La Guerra de las Galaxias en este formato, por no hablar del desembarco de Salvar al Soldado Ryan, donde el cuidadísimo sonido te hace oír pasar las balas a tu alrededor. Aunque no os gusten esas películas, sin duda sería... otra cosa.

Exiten rumores sobre que películas como El Hobbit de Del Toro o el Tintín que preparan Spielberg y Jackson se podrán ver en este formato, lo que me parece estimulante, la verdad.

De nuevo, el cine da los primeros pasos en un nuevo lenguaje y formato de imágen, añadiendo otra posibilidad a la expresión "espectáculo cinematográfico". Ya era hora, después de casi 80 años.

VALORACIÓN EN 3D: 3 UNIDADES APROVECHABLES
VALORACIÓN EN 2D: Ni lo intentéis.

Zohan (2008). Comedia con pelos.

2008-09-09T16:32:00.006+02:00

Zohan: Quiero dejar el ejército... La guerra no se acaba nunca.
Madre: Llevan 2000 años peleando, tendrá que acabar pronto.

Teniendo en cuenta el esfuerzo que han hecho en el doblaje para diferenciar los variopintos acentos de los personajes de esta película, supongo que en la versión original este es un punto a tener en cuenta y que forma parte del estilo de la cinta. Pero la he visto doblada, así que no podré determinar si las actuaciones son más de lo que parecen en un principio: Adam Sandler como Zohan, con un doblaje al que cuesta adaptarse (aunque más por determinadas traducciones de comentarios muy rebuscadas que por la labor de José Posada) y John Turturro como Fantasma, su rival, ambos tan excesivos e histriónicos como pide una buena comedia de sal gorda. Los secundarios, entre los que destaca Rob Schneider como una antigua víctima de Zohan que ahora se gana la vida como taxista y su grupo de amigos.

En fin, la verdad es que me esperaba una comedia divertida y simple, que es lo que es, pero por el tema que trata surgen momentos en que la comedia se convierte en algo arriesgado, aunque sin llegar a mostrar caricaturas de Mahoma en formato panorámico. Últimamente han empezado a desarrollarse cintas cuya temática es las diferencias raciales para inmigrantes de primera o segunda generación, cuyos enlaces culturales con su familia de origen se limitan a su familia, los recuerdos de éstos y ciertos tópicos que sufren por culpa de los blanquitos ricos. El mejor exponente de este microgénero es la saga de Harold y Kumar (en España, gracias a nuestros distribuidores por estos títulos, Dos Colgados muy fumados (2004) y Dos colgados muy fumados: fuga de Guantánamo, de este mismo año), películas que siempre pierden con el doblaje, al desahacernos de los diferentes acentos y ritmos de las minorías que aparecen en la cinta. En Zohan, sin embargo, han intentado trasladar al doblaje esta variedad de acentos. Cosas de tener presupuesto. Uno de los aspectos más interesantes de este microgénero es que siempre está ligado al mundo de la comedia, y cuanto más exagerada y absurda, mejor, pues así evitamos herir las sensibilidades de nadie en particular y hacer que todos se rían, vengan de donde vengan. Esto, unido al hecho de que es un género nuevo, dentro de EEUU, que no podía aparecer en ninguna época anterior, hace que, además de darte hora y media de risas, ofrezcan dobles lecturas muy interesantes.

En Zohan nos encontramos con los mejores momentos en su comienzo y presentación, con una escena de persecución de Zohan a El Fantasma realmente divertida y desfasada (genial el muñeco que hace Zohan con las piedras que le tiran los niños palestinos y cómo éstos se emocionan, la escena en la que Zohan y Fantasma compiten por ver quién es más duro aguantando los mordiscos de un pez, cómo Zohan alcanza a nado al fantasma que va en una moto acuática...) y se mantienen durante prácticamente toda la película, con altibajos y gamberradas varias que elevan el tono cerdo de la cinta... hasta el final, en el que se les viene encima todo el peso de haber hecho una película sobre israelíes y palestinos en EEUU, donde todos los finales son felices y todas las diferencias se pueden arreglar. Dicho y hecho, partiendo de la base de que debía ser una película arriesgada para atraer al público, pero al mismo tiempo dejar contentas a todas las partes, el desarrollo de Zohan va de más a menos en cuanto a sal gorda se refiere y acaba en un dulzor muy americano, de esos que repiten por la noche.

Datos, fichas y Valoración en unidades aprovechables.

Título Original: You Don't Mess with the Zohan (2008)
Estudio/Productora:
Producción: Jack Giarraputo, Adam Sandler.
Dirección: Dennis Dugan
Guión: Robert Smigel, Adam Sandler y Judd Apatow.
Fotografía: Michael Barrett
Música: Rupert Gregson-Williams
Dirección Artística: Perry Andelin Blake
Montaje: Tom Costain
Reparto seleccionado: Adam Sandler (Zohan), John Turturro (El Fantasma), Rob Schnneider (Salim), Emmanuelle Chriqui (Dalia).

Datos de la Recaudación, a día 090908: 129,268,885 $
Recaudado en EEUU: 100,018,837
Recaudado fuera de EEUU: 29,250,048
Presupuesto (sin publicidad): 90 millones de dolares.
¿Éxito o fracaso? Teniendo en cuenta que ha superado los 100 millones de recaudación en EEUU, esto supone un nuevo éxito de taquilla para Sandler, que mueve a muchos menos espectadores a las salas fuera de su país de origen. Así que, un éxito en EEUU, un fracaso moderado en el resto del mundo, de momento, claro, que seguro que quedan muchos países por estrenarla.

VALORACIÓN: 3 UNIDADES APROVECHABLES
+ Valorable: los chistes de sal gorda sobre judíos y palestinos que se lanzan los unos a los otros, sobre todo antes del final.
+ Bestia: Chris Rock, haciendo un cameo como taxista y contando una historia sobre su familia y las hamburguesas.
- Utilizable: La conclusión final, totalmente azucarada y falsa, con el hermanamiento de palestinos y judíos para evitar la implantación de un centro comercial (sic).

Dias de Cine (2007). Metacine español.

2008-09-09T00:37:00.006+02:00

Acabo de ver esta película, aunque se estrenara el año pasado. El equipo creativo de Dias de Fútbol (2003), se reúne de nuevo, ahora con más presupuesto y ambiciones. Su objetivo es retratar a la industria del cine español en los momentos posteriores a la muerte de Franco, es decir, en pleno Destape.

La película tiene como trama el rodaje y posterior estreno de una película de bajo presupuesto, lo que la emparenta, en cierto sentido, con el espíritu de la maravillosa Ed Wood (1994), pero, era de esperar, bajo el prisma del cine español actula. Y esto no lo digo a la ligera. no creo que se puedan encontrar fallos garrafales en cuanto a la ambientación y el vestuario, por no hablar de que el tema de un cine tan complicado de llevar a buen término siempre puede dar buenas historias. Pero el problema de Días de Cine es que, por mucho que pretenda evocar momentos históricos pasados, habla del cine español en la actualidad en los momentos más reveladores de la película. Y el tema del cine español es un tema complicado y espinoso...

Obviamente, una comedia de los creadores de la exitosa Días de fútbol, podría atraer al público a las salas, incluso a pesar de tratarse de una película española sobre el cine español. Atrajo a más de 100.000 espectadores a las salas, logrando superar el medio millón de euros de recaudación. Estas cifras, que a priori pueden sonar bien, reflejan el excaso éxito de una película que acabó siendo la número 29 en el ránking de películas españolas más taquilleras de su año, 2007. A años luz de las recaudaciones obtenidas por los dos grandes éxitos del cine español del pasado año, El Orfanato (con más de 24 millones de euros y 4 millones de espectadores) y REC (con algo más de 7 millones y 1.300.000 espectadores), pero también a años luz de lo recaudado en ese año, es decir, sólo en 2007, por una película de éxito estrenada el 10 de octubre de 2006. Me refiero a El Laberinto del Fauno (2006), que acumuló más de un millón y medio de euros y 300.000 espectadores en los primeros meses de 2007. Así pues estamos hablando de un nuevo fracaso comercial del cine español. Es probable que compitiera en cuanto a la atención de los espectadores, con películas estadounidenses de gran potencial comercial, que la piratería la perjudicara y que la mala imagen del cine español entre los jóvenes les hiciera huir de a una película basada en los 70, por mucha comedia que fuera. Con todo esto quiero decir que las aspiraciones comerciales de las películas españolas no son tan valorados como deberían ser. Es cierto que es una industria pequeña y que no puede destinar tanto dinero a publicidad como los blockbusters norteamericanos, pero debería empezarse a tener en cuenta los gustos del espectador para balancear un poco la imagen de nuestro cine. Hay muchos problemas y dificultades en el camino de reflotar al cine español, y los trataré en un artículo aparte, pero la primera piedra es pensar en lo que quiere ver el público. Un poquito.

Días de cine representa uno de los sectores más aplaudidos dentro del cine español, el género de la comedia, y, como comedia, funciona a medio gas. Durante la primera mitad de la película, entre presentaciones de personajes y los comienzos del rodaje, la comedia tiene sus mejores momentos, pero a partir de la mitad, más o menos, nos encontramos más con un drama cómico que con una comedia con todas las letras. Hay grandes momentos y grandes escenas (como el funeral del antiguo jefazo de la censura y lo que ocurre a continuación o la breve aparición de Ramón Barea), pero no los suficientes para ganarse el título de comedia. Entre los momentos de drama también hay buenos momentos (el productor durmiendo con su hermano evadido de prisión en el sofá de su oficina, la última aparición de Malena Alterio), pero es inevitable pensar en si el sabor que deja en los espectadores no sería muy diferente si el caudal del ritmo de comedia fuera de menos a más, en lugar de más a menos.

En el reparto destaca Alberto San Juan como el director primerizo que es manipulado para tergiversar su guión y su visión de la historia, y cuya interpretación no es constante (tiene momentos muy buenos y otros en los que no logra conectar con lo que está pasando). Nathalie Poza está más equilibrada, en un personaje un poco desagradecido, y siempre acompañada por un excesivo Fernando Tejero en su papel de séquito afeminado. Brilla, como casi siempre, Miguel Rellán, en el papel del productor de la película, un papel muy agradecido y apropiado para el actor, consiguiendo grandes momentos de drama sin decir nada y buenos momentos de comedia. Otro que alcanza grandes puntos, hasta que el personaje resulta excesivamente presente, es Andrés Lima, como el nuevo caudillo de la censura. El resto de secundarios, entre los que se encuentran Luis Bermejo en un papel francamente extraño, Diego Martín como un (correcto) ayudante de dirección primerizo con aspiraciones de más, Roberto Álamo en múltiples papeles, mejor en unos que en otros, y Malena Alterio en el personaje dramático de la película (no le han puesto ni un sólo chiste a la mujer), casi desaparecido y bastante desagradecido para una buena actriz.

Interesante, al menos en cuanto al cine español se refiere, es la secuencia final (ojo, no sigas leyendo si no has visto la película, pasa directamente al último párrafo) en la que se produce el estreno de la película de ciencia-ficción-musical-con desnudos que resulta del caótico rodaje. A pesar de ser la bazofia más infumable que se ha visto bajo una carpa en el territorio ibérico, al público, mira por dónde, le gusta. Todos están contentos, el productor porque puede hacer otra película, el distribuidor porque se va a forrar, los actores porque reciben los aplausos y piropos (fuera de tono o no) de los espectadores, todos... menos el director. La mente creativa y supuestamente artística de la película hace lo que cualquier artista que se precie haría: salir huyendo de esas oportunidades de hacer nuevas pelis malas, del dinero que puedan hacer y de los aplausos de un público que se ha divertido. Sale corriendo como alma que lleva el diablo, porque se juega su integridad y su honor de artista comprometido. Es una metáfora doble del cine español, lo que piensan de ellos mismos y de lo que hacen con respecto al público y sus apetencias.

Película inconstante, que, no obstante, disfruté un poco más que la anterior, Días de Fútbol (2003, de la que apenas recuerdo a Ernesto Alterio), de ritmo MUY inconstante, técnicamente correcta pero no apabullante, y que no quedará fijada durante mucho tiempo en mi memoria. Eso sí, tampoco ha sido un tiempo desperdiciado.

Datos, Fichas y Valoración en Unidades aprovechables.

Días de Cine (2007)

Estudio/Productora: Telespan 2000, Estudios Picasso y Lazona Films. distribuída por Buena Vista International Spain.

Producción: Tomás Cimadevilla

Dirección: David Serrano.

Guión: David Serrano, con la colaboración de Antonio San Juan (sale algo así en los créditos)

Música: Miguel Malla.

Fotografía: Kiko de la Rica.

Dirección artística: Luis Ramírez.

Montaje: Nacho Ruiz Capillas.

Reparto Seleccionado: Alberto San Juan (Federico), Nathalie Poza (Silvia Conde), Miguel Rellán (José María Culebras), Fernando Tejero (Fino), Luis Bermejo, Diego Martín, Roberto Álamo, Andrés Lima (Marcial Pérez Bustamante), Gerardo Malla (Francisco, AKA "Paco"), Malena Alterio y un pequeño cameo de Ramón Barea.

Datos de la Recaudación en 2007: 554.323,93 € y 108.267 espectadores.

Presupuesto: Desconocido.

¿Éxito o fracaso? Teniendo en cuenta el puesto 29 en el año de su estreno y las aspiraciones comerciales de la cinta, considero que es un fracaso comercial en toda regla.

Fuente de los datos: Películas más taquilleras en 2007, MCU.

Quería dar las gracias a LABUTACA.COM por permitirme encontrar los datos que me faltaban sin tener que poner de nuevo la peli (la ficha de IMDB está bastante incompleta) y que me permitieron incluir los nombres del músico, el montador y el director artístico.

VALORACIÓN: 3 UNIDADES APROVECHABLES.

+ Aprovechable: Miguel Rellán y lo poco de Malena Alterio que podemos ver.

- Desaprovechado: El potencial de comedia coral a la española que se diluye entre el drama de cada personaje (y del país, claro).

- Inconstante: El ritmo y el entretenimiento de la película.

Nolan brilla con El Caballero Oscuro (2008)

2008-09-08T21:15:00.007+02:00

La gran expectación que había levantado esta película, antes incluso de la muerte de Heath Ledger, hacía esperar un éxito de taquilla considerable, superando a la primera entrega de la nueva serie dirigida por Christopher Nolan. Instantes después del final del primer pase en España de Batman Begins (2005), los foros de Internet ya bullían con conversaciones sobre ¿quién debería ser el Joker? Casi nadie acertó y, una vez que se hizo pública la elección de Heath Ledger, la mayoría de comentarios fueron negativos, pero ahora, estrenada la película y con tiempo suficiente para valorarla más ampliamente, apenas hay voces que digan algo negativo sobre el trabajo del actor australiano. Es cierto que el impacto mediático de su fallecimiento el pasado 22 de enero fue enorme y, para qué vamos a negarlo, supuso un impulso todavía mayor para la carrera comercial de la película, pero su encarnación del Joker es sencillamente apabullante. Destaco esto en primer término por la sencilla razón de que es la noticia estrella relacionada con la película, pero no porque crea que es su única virtud.

Christopher Nolan ha conseguido, con pocas películas, colocarse como uno de los directores más importantes del momento. Su visión realista de la saga de Batman ha sido uno de los soplos de aire fresco más celebrados en el mercado, cada vez más saturado, de las películas de superhéroes. Cuando el impacto de Spider-Man empezaba a decaer en cuanto a la expectación de los fans (no así por el público, eso sí, ya que recaudó casi 900 millones $ en todo el mundo), Nolan ha conseguido hacer que su película se colocara como la “mejor de la historia” según los usuarios de IMDB (aunque las cosas se han normalizado, aún está entre las cinco primeras), se ha acercado (un poco, pero más que nadie) a las recaudaciones de la inalcanzable Titanic (1997) y, sobre todo, ha hecho que nos olvidemos por completo de su gran rival en el verano, el sexagenario Indiana Jones, ¿quién se acuerda de él a estas alturas del año?, y de todos los demás superhéroes que se han ido descolgando por las carteleras (léase Iron Man, Hulk…). Utilizando términos de Hollywood, Nolan ha hecho un golpe maestro.

Ahora bien, ¿es para tanto? ¿Es tan buena la película o estamos tan acostumbrados a ver obras menores en este sector que cuando vemos una buena película la elevamos a los altares? Hoy en día la expresión Obra Maestra se utiliza tanto y tan mal como te quiero, y los fans son cada vez más fanáticos y más radicales (quizás porque empiezan antes y tienen toda la información desde el principio, pero ésa es otra historia). ¿Dentro de unos meses nos olvidaremos de ésta película para cantar las alabanzas de, por ejemplo, Watchmen y nunca volveremos a hablar de ella? No lo creo. Es más, pienso que Nolan está haciendo un trabajo increíble, dando consistencia a una saga que hasta ahora había sido (bien) explotada como cuento gótico por Burton y (desastrosamente explotada) como… esto… como definirlo… fantasía homoerótica y pastillera por Joel Schumacher. Más allá de ser un simple personaje atormentado por la venganza, pero que apenas tiene tiempo para reflexionar, entre pelea y pelea, sentado en un sillón frente a una chimenea y esperando a que Alfred le traiga un coñac o un modelo cabezahueca (tanto da Kilmer que Clooney) recitador de diálogos pretenciosamente absurdos sobre la familia, el Bruce Wayne de esta saga, no sólo se plantea su situación y lo comparte, sino que afecta a todos los demás personajes, buenos, villanos y ciudadanos de a pie, en su cruzada por las oscuras calles de Gotham. La presencia de la ciudad en esta película y el mundo que ha creado no se quedan en un diseño de producción apabullante, sino que son el marco perfecto para la aparición de esta gente. En las anteriores películas de Batman, los villanos aparecen allí simplemente porque así debe de ser (con la posible excepción de la primera de Burton, en la que los orígenes y destinos del héroe y el villano se entrelazan constantemente). Pero más allá de simplemente atraer a los villanos excéntricos de turno a su ciudad, como haría cualquier otro superhéroe, es la aparición de un justiciero la que desencadena todo lo demás y, por una vez, todo lo demás es tanto o más interesante que Batman contra los malos. El personaje de Harvey Dent, el caballero blanco de Gotham, es, junto con Gordon y, por supuesto, el Joker, lo más interesante de la película. Son las acciones de estos personajes las que definen la película y su mensaje, que lo tiene, no Batman. Se podría decir que además de ser la primera película que no lleva el nombre de Batman en el título, es la primera que muestra al hombre murciélago como un elemento más, incluso menos relevante para el episodio concreto que los otros. Es posible que el mensaje que quiere dar Nolan con respecto al mundo real sea el que da la primera bailarina del ballet ruso que aparece en la película y que viene a ser algo así como que “se necesitan héroes justos y elegidos por sus cualidades, no vigilantes y justicieros que se toman la justicia por su mano”, pero al mismo tiempo, da un aviso, cuando Gordon dice que “Batman no es el héroe que deberíamos tener, pero sí el que nos merecemos”.

En cuanto a hacer una crítica de cada uno de los aspectos técnicos del rodaje, la verdad es que no hay ninguna mancha, nada se sale del patrón marcado hábilmente por Nolan. La secuela de Batman Begins (2005), es una película intensa, con un ritmo frenético a pesar de tener bastante más secuencias de diálogo que de acción (y teniendo en cuenta la visión de Nolan es un completo acierto), lo que no hace que éstas últimas no sean espectaculares (sobre todo la persecución al furgón de la policía), con un reparto ESPECTACULAR e interpretaciones memorables, una cámara en mano que no marea y una música intensa, casi siempre presente, pero alejada de las composiciones reconocibles. Hay que destacar que en los efectos especiales de la película, que los tiene y muchos, no sólo no se abusa de las CGI, sino que la mayor parte de lo que vemos es real (y el ordenador se utiliza después para eliminar cables, grúas, etc.) o tiene efectos de maquetas y superposición de capas muy logrados. En ningún momento pensé el últimamente tan habitual ¡cómo canta eso! La decisión de que esto sea así viene desde la primera película y es responsable de los elevados presupuestos de ambas cintas. Es un método que se está empezando a extender, sobre todo en cintas de acción ambientadas en el mundo actual (o cercano), para distanciarse de las películas de fantasía o ciencia-ficción cuyas escenas de acción más espectaculares están dominadas por imágenes generadas por ordenador. Otro ejemplo de esta misma técnica lo pudimos ver en La Jungla 4.0 (Live free or die hard, 2007).

En resumen, una de las mejores películas del año, que no merece la pena ver doblada al castellano (y no sólo por Ledger), y un paso de gigante de Nolan dentro de la industria, hasta el punto de que, probablemente va a afectar a otras películas y sagas como la de Superman, que se reinventará de forma más seria y realista, según fuentes no oficiales y rumores varios (por el momento). Al fin y al cabo esto es habitual en Hollywood.

La pregunta que suscita es… ¿quién será el siguiente villano y, sobre todo, cómo lo reinventarán/incorporarán dentro de la visión de Nolan? ¿Enigma?, ¿Catwoman?, ¿Pingüino?, ¿Hiedra Venenosa?, ¿Bane?, ¿Cara de Barro?, ¿el Ventrilocuo y Caracortada? ¿Sombrerero Loco?, ¿Mr. Freeze?, ¿o Arlequín volviendo para vengarse? ¿Y quién lo interpretará? Respuestas a ésas y muchas más preguntas nuevas en tu foro de cine habitual.

Datos, fichas y Valoración en Unidades Aprovechables

Título Original: The Dark Knight (2008)
Distribuidora/Estudio: Warner Bros, Legendary Pictures, DC Comics.
Producción: Christopher Nolan, Charles Roven, Emma Thomas.
Dirección: Christopher Nolan
Guión: Christopher y Jonathan Nolan
Música: James Newton Howard y Hans Zimmer
Fotografía: Wally Pfister
Dir. Artística: Nathan Crowley
Sonido: Richard King
Montaje: Lee Smith
Reparto Seleccionado: Christian Bale (Bruce Wayne/Batman), Heath Ledger (Joker), Aaron Eckhart (Harvey Dent/Dos Caras), Gary Oldman (Gordon), Morgan Freeman (Fox), Maggie Gyllenhaal (Rachel), Michael Caine (Alfred).

Datos de la recaudación a día 08/09/08: 949,398,000$
Recaudado fuera de EEUU: 437,200,000$ (46.1%)
Recaudado en EEUU: 512,198,000$ (53.9%)
Presupuesto (sin gastos de publicidad): 185 millones $
¿Éxito o fracaso? El segundo mayor éxito de la historia en la taquilla norteamericana y el séptimo a nivel mundial.
Fuente: BoxOfficeMojo

Valoración: 6 Unidades Aprovechables.
+ Positivo: El aire fresco que trae esta visión realista de un mundo de fantasía en su segunda entrega, cuando las presentaciones se han terminado. También el desarrollo y profundidad de casi todos sus personajes.
+ Remarcable: Heath Ledger, por supuesto, junto con el resto del reparto.
- Inservible: Verla doblada.

Harryhausen.

2008-09-08T21:09:00.002+02:00

El Caballero Oscuro (2008)

La gran expectación que había levantado esta película, antes incluso de la muerte de Heath Ledger, hacía esperar un éxito de taquilla considerable, superando a la primera entrega de la nueva serie dirigida por Christopher Nolan. Instantes después del final del primer pase en España de Batman Begins (2005), los foros de Internet ya bullían con conversaciones sobre ¿quién debería ser el Joker? Casi nadie acertó y, una vez que se hizo pública la elección de Heath Ledger, la mayoría de comentarios fueron negativos, pero ahora, estrenada la película y con tiempo suficiente para valorarla más ampliamente, apenas hay voces que digan algo negativo sobre el trabajo del actor australiano. Es cierto que el impacto mediático de su fallecimiento el pasado 22 de enero fue enorme y, para qué vamos a negarlo, supuso un impulso todavía mayor para la carrera comercial de la película, pero su encarnación del Joker es sencillamente apabullante. Destaco esto en primer término por la sencilla razón de que es la noticia estrella relacionada con la película, pero no porque crea que es su única virtud.

Christopher Nolan ha conseguido, con pocas películas, colocarse como uno de los directores más importantes del momento. Su visión realista de la saga de Batman ha sido uno de los soplos de aire fresco más celebrados en el mercado, cada vez más saturado, de las películas de superhéroes. Cuando el impacto de Spider-Man empezaba a decaer en cuanto a la expectación de los fans (no así por el público, eso sí, ya que recaudó casi 900 millones $ en todo el mundo), Nolan ha conseguido hacer que su película se colocara como la “mejor de la historia” según los usuarios de IMDB (aunque las cosas se han normalizado, aún está entre las cinco primeras), se ha acercado (un poco, pero más que nadie) a las recaudaciones de la inalcanzable Titanic (1997) y, sobre todo, ha hecho que nos olvidemos por completo de su gran rival en el verano, el sexagenario Indiana Jones, ¿quién se acuerda de él a estas alturas del año?, y de todos los demás superhéroes que se han ido descolgando por las carteleras (léase Iron Man, Hulk…). Utilizando términos de Hollywood, Nolan ha hecho un golpe maestro.

Ahora bien, ¿es para tanto? ¿Es tan buena la película o estamos tan acostumbrados a ver obras menores en este sector que cuando vemos una buena película la elevamos a los altares? Hoy en día la expresión Obra Maestra se utiliza tanto y tan mal como te quiero, y los fans son cada vez más fanáticos y más radicales (quizás porque empiezan antes y tienen toda la información desde el principio, pero ésa es otra historia). ¿Dentro de unos meses nos olvidaremos de ésta película para cantar las alabanzas de, por ejemplo, Watchmen y nunca volveremos a hablar de ella? No lo creo. Es más, pienso que Nolan está haciendo un trabajo increíble, dando consistencia a una saga que hasta ahora había sido (bien) explotada como cuento gótico por Burton y (desastrosamente explotada) como… esto… como definirlo… fantasía homoerótica y pastillera por Joel Schumacher. Más allá de ser un simple personaje atormentado por la venganza, pero que apenas tiene tiempo para reflexionar, entre pelea y pelea, sentado en un sillón frente a una chimenea y esperando a que Alfred le traiga un coñac o un modelo cabezahueca (tanto da Kilmer que Clooney) recitador de diálogos pretenciosamente absurdos sobre la familia, el Bruce Wayne de esta saga, no sólo se plantea su situación y lo comparte, sino que afecta a todos los demás personajes, buenos, villanos y ciudadanos de a pie, en su cruzada por las oscuras calles de Gotham. La presencia de la ciudad en esta película y el mundo que ha creado no se quedan en un diseño de producción apabullante, sino que son el marco perfecto para la aparición de esta gente. En las anteriores películas de Batman, los villanos aparecen allí simplemente porque así debe de ser (con la posible excepción de la primera de Burton, en la que los orígenes y destinos del héroe y el villano se entrelazan constantemente). Pero más allá de simplemente atraer a los villanos excéntricos de turno a su ciudad, como haría cualquier otro superhéroe, es la aparición de un justiciero la que desencadena todo lo demás y, por una vez, todo lo demás es tanto o más interesante que Batman contra los malos. El personaje de Harvey Dent, el caballero blanco de Gotham, es, junto con Gordon y, por supuesto, el Joker, lo más interesante de la película. Son las acciones de estos personajes las que definen la película y su mensaje, que lo tiene, no Batman. Se podría decir que además de ser la primera película que no lleva el nombre de Batman en el título, es la primera que muestra al hombre murciélago como un elemento más, incluso menos relevante para el episodio concreto que los otros. Es posible que el mensaje que quiere dar Nolan con respecto al mundo real sea el que da la primera bailarina del ballet ruso que aparece en la película y que viene a ser algo así como que “se necesitan héroes justos y elegidos por sus cualidades, no vigilantes y justicieros que se toman la justicia por su mano”, pero al mismo tiempo, da un aviso, cuando Gordon dice que “Batman no es el héroe que deberíamos tener, pero sí el que nos merecemos”.

En cuanto a hacer una crítica de cada uno de los aspectos técnicos del rodaje, la verdad es que no hay ninguna mancha, nada se sale del patrón marcado hábilmente por Nolan. La secuela de Batman Begins (2005), es una película intensa, con un ritmo frenético a pesar de tener bastante más secuencias de diálogo que de acción (y teniendo en cuenta la visión de Nolan es un completo acierto), lo que no hace que éstas últimas no sean espectaculares (sobre todo la persecución al furgón de la policía), con un reparto ESPECTACULAR e interpretaciones memorables, una cámara en mano que no marea y una música intensa, casi siempre presente, pero alejada de las composiciones reconocibles. Hay que destacar que en los efectos especiales de la película, que los tiene y muchos, no sólo no se abusa de las CGI, sino que la mayor parte de lo que vemos es real (y el ordenador se utiliza después para eliminar cables, grúas, etc.) o tiene efectos de maquetas y superposición de capas muy logrados. En ningún momento pensé el últimamente tan habitual ¡cómo canta eso! La decisión de que esto sea así viene desde la primera película y es responsable de los elevados presupuestos de ambas cintas. Es un método que se está empezando a extender, sobre todo en cintas de acción ambientadas en el mundo actual (o cercano), para distanciarse de las películas de fantasía o ciencia-ficción cuyas escenas de acción más espectaculares están dominadas por imágenes generadas por ordenador. Otro ejemplo de esta misma técnica lo pudimos ver en La Jungla 4.0 (Live free or die hard, 2007).

En resumen, una de las mejores películas del año, que no merece la pena ver doblada al castellano (y no sólo por Ledger), y un paso de gigante de Nolan dentro de la industria, hasta el punto de que, probablemente va a afectar a otras películas y sagas como la de Superman, que se reinventará de forma más seria y realista, según fuentes no oficiales y rumores varios (por el momento). Al fin y al cabo esto es habitual en Hollywood.

La pregunta que suscita es… ¿quién será el siguiente villano y, sobre todo, cómo lo reinventarán/incorporarán dentro de la visión de Nolan? ¿Enigma?, ¿Catwoman?, ¿Pingüino?, ¿Hiedra Venenosa?, ¿Bane?, ¿Cara de Barro?, ¿el Ventrilocuo y Caracortada? ¿Sombrerero Loco?, ¿Mr. Freeze?, ¿o Arlequín volviendo para vengarse? ¿Y quién lo interpretará? Respuestas a ésas y muchas más preguntas nuevas en tu foro de cine habitual.

Título Original: The Dark Knight (2008)
Distribuidora/Estudio: Warner Bros, Legendary Pictures, DC Comics.
Producción: Christopher Nolan, Charles Roven, Emma Thomas. Sonido: Richard King
Dirección: Christopher Nolan Dir. Artística: Nathan Crowley
Guión: Christopher y Jonathan Nolan SFX: Chris Corbould (supervisor)
Música: James Newton Howard y Hans Zimmer
Fotografía: Wally Pfister
Montaje: Lee Smith
Reparto Seleccionado: Christian Bale (Bruce Wayne/Batman), Heath Ledger (Joker), Aaron Eckhart (Harvey Dent/Dos Caras), Gary Oldman (Gordon), Morgan Freeman (Fox), Maggie Gyllenhaal (Rachel), Michael Caine (Alfred).

Datos de la recaudación a día 08/09/08: 949,398,000$
Recaudado fuera de EEUU: 437,200,000$ (46.1%) Recaudado en EEUU: 512,198,000$ (53.9%)
Presupuesto (sin gastos de publicidad): 185 millones $
El segundo mayor éxito de la historia en la taquilla norteamericana y el séptimo a nivel mundial.
Fuente: http://www.boxofficemojo.com/movies/?id=darkknight.htm

Valoración: 6 Unidades Aprovechables.
+ Positivo: El aire fresco que trae esta visión realista de un mundo de fantasía en su segunda entrega, cuando las presentaciones se han terminado. También el desarrollo y profundidad de casi todos sus personajes.
+ Remarcable: Heath Ledger, por supuesto, junto con el resto del reparto.

- Inservible: Verla doblada.

Harryhausen.

Presentación

2008-09-07T22:26:00.003+02:00

Bienvenidos a mi Blog.

El uso más extendido que le daré será el de publicar mis críticas de las películas que vaya viendo, pero también lo usaré para el desahogo personal, de vez en cuando...

El título del blog hace referencia a un método para escribir guiones utilizado por Kubrick, que pensaba que necesitabas "6 unidades aprovechables" (o escenas clave) para forjar la base de una película y que, una vez que tenías éstas, las demás secuencias y escenas vendrían rodadas. Así que utilizaré un sistema de 6 Unidades Aprovechables para valorar las películas, cuantas más tenga una película mejor opinión tendré de ella.

He de decir que el criterio para seleccionar las películas que critico estará únicamente influenciado por mis apetencias personales y el momento en el que vea una película, no por el estreno o actualidad de las cintas. No obstante, aceptaré sugerencias, ya que lo que mejor ha funcionado siempre en este mundillo es el boca a boca. Así, habrá más críticas de películas de ciencia-ficción, acción, terror o fantástico que de dramas o musicales. Para bien o para mal nací en los 80 y me crié bebiendo de la teta de Spielberg, Carpenter, McTiernan, Cameron y Lucas y eso pasa factura.

Espero que al menos os sirva para descubrir o redescubrir alguna película o simplemente para entreteneros,

Harryhausen.